FuBs Double Feature (1930 – 1940): King Kong (1933) und Dick und Doof im Wilden Westen (1937)

Die 30er Jahre gehörten zu den goldenen Jahren Hollywoods. Trotz oder vielleicht auch gerade wegen der Weltwirtschaftskrise bot das Kino den Menschen für kurze Zeit Ablenkung von ihren Sorgen. Vor allem Hollywood baute seinen internationalen Einfluss aus. Als wichtigstes Publikum außerhalb der USA galten die deutschen Kinobesucher. In dieser Zeit setzte sich der Tonfilm vollends durch. Die Universal Studios begannen mit den Produktionen ihrer legendären Monsterfilme. Aber auch der Antikriegsfilm „Im Westen nichts Neues“ (1930) sorgte national wie international für Furore. Im Bereich der Komödie waren es Stan Laurel und Oliver Hardy, die die Kinosäle füllten, nicht weniger wie die Marx Brothers mit ihren legendären Filmen.

Doch der wohl erfolgreichste Film der 30er war „King Kong„. Trotz der langen Produktionszeit, die 670.000 Dollar verschlang (damals eine unvorstellbar hohe Summe für eine Produktion), wurde „King Kong“ auf Anhieb ein Erfolg. Und trotz Wirtschaftskrise spielte der Film bereits in der ersten Woche mehr als 100.000 Dollar ein (ein Ticket kostete damals 15 Cent!). Also auch in finanzieller Hinsicht war „King Kong“ einfach riesig.

King Kong macht Ernst; „King Kong“ (1933); Copyright: Studio Canal

Allerdings fiel die Geschichte um den Monsteraffen gleich nach den ersten Wochen der Zensur zum Opfer. Die Zensoren betrachteten „King Kong“ als zu brutal und freizügig. Immerhin gab es Nahaufnahmen, in denen man sah, wie King Kong mit seinen Füßen Eingeborene zertrampelte, wie die getöteten Dinos bluteten und wie King Kong in einer Szene beginnt, Fay Wray zu entkleiden. Somit mussten die Trampel- und Ausziehszene geschnitten werden. Der übrige Film wurde zugleich nachgedunkelt, um das viele Blut nicht so deutlich sehen zu können.

Von da an lief „King Kong“ in einer gekürzten Version in den Kinos. Erst während der Restauration des Films wurden die geschnittenen Szenen wieder eingefügt und die Nachdunklung aufgehoben. Anscheinend enthielt die ursprüngliche Version von „King Kong“ eine Szene, in welcher die Helden in eine Höhle fallen, in der sie von Riesenspinnen angegriffen werden. Diese Szene gilt heute als verschollen. Nur noch ein einziges Szenenfoto beweist, dass diese Szene tatsächlich gedreht worden war. Cooper entschied sich später jedoch dafür, die Szenen herauszunehmen, da er befürchtete, dass der Film aufgrund der aufwendigen Special Effects zu sehr daran gemessen werden würde. In Peter Jacksons Remake wird auf diese Szene jedoch wieder Bezug genommen, wenn die Protagonisten von einer endlos erscheinenden Schar Riesenspinnen attackiert werden.

 

Mit Way out West, der in Deutschland unter den Titeln „Zwei ritten nach Texas“ und „Dick und Doof im Wilden Westen“ bekannt ist, produzierten Stan Laurel und Oliver Hardy ihren bekanntesten Film, der zugleich ihr eigener Lieblingsfilm war.

Die Komödie, die als Parodie auf das Westerngenre gedacht war, steckt voller Highlights. Es ist mühselig, alle Höhepunkte des Films aufzuzählen, denn sonst müsste man den kompletten Film nacherzählen. Es geht jedoch darum, dass Stan und Ollie nach Brushwood Gulch fahren, um Mary Roberts, die in einer Bar arbeitet, eine Erbschaftsurkunde zu übergeben. Ihr Vater hat ihr eine Goldmine vermacht. Doch als die Besitzer des Lokals Lola Marcel und Mickey Finn dies mitbekommt, gibt sich Lola als Mary aus und zwingt Mary, die Urkunde auf sie zu übertragen. Als Stan und Ollie dies mitbekommen, setzen sie alles daran, um das Testament zurückzubekommen.

Ob es nun die Szene ist, in der Ollie in den See plumpst, während Stan einfach hindurchstapft, als wäre es eine Pfütze, ob es das peinliche Gespräch zwischen Ollie und einer Mitreisenden ist, ob es Stans bekannte Gesangseinlage an der Theke ist, ob es Lolas Kitzelattacke auf Stan ist, ob … Ganz egal, der Film steckt voller Witz, voller Gags und ist im Grunde genommen eine geniale Aneinanderreihung von komödiantischen Höhepunkten, deren Timing perfekt funktioniert. Obwohl alle Filme des Komikerduos sehenswert sind, zeigt „Way out West“ ihr Können in der wohl ausgeprägtesten Form. Der Film war 1938 für einen Oskar für die beste Filmmusik nominiert.

 

Die Klunkerecke: Der weite Ritt (1971)

Eigentlich erhoffte sich Universal mit Peter Fondas Western „The Hired Hand“, der in Deutschland unter dem Titel „Der weite Ritt“ in die Kinos kam, einen ähnlichen Erfolg wie mit „Easy Rider“, der ein Jahr davor in den Kinos lief. Doch Peter Fondas Regiedebut, das mit einem Budget von einer Millionen Dollar ausgestattet war, floppte.

Der Film wurde recht schnell an TV-Sender vermarktet, um dadurch doch noch den Verlust auffangen zu können. Aber damit hatte der Film auch kein Glück. Er wurde nur wenige Male gezeigt, bevor er völlig in Vergessenheit geriet. Hinzu kam, dass damalige Kritiker mit dem Film nichts anzufangen wussten, ihn als eine Art Hippie-Western betrachteten und vor allem seine Handlungsarmut kritisierten.

Erst 2001 wurde „The Hired Hand“ restauriert und auf dem Sundance Filmfestival neu aufgeführt. Dies mit einem sensationellen Erfolg. Die Kritiker überschlugen sich förmlich mit Lobeshymnen. Auf diese Weise fand der Film dann doch noch seinen Weg als Spät-Klassiker des Westerns in die DVD-Regale.

Der Film konzentriert sich auf die Themen Freundschaft, Verlust und Verantwortung. Diese Aspekte setzt Peter Fonda in unglaublich schönen, zugleich überaus komplexen Bildern und Bildkompositionen um. Es geht um die drei Freunde Harry, Archie und Dan, die eigentlich zur Westküste reiten wollen, um den Ozean zu sehen. Doch nachdem Harry die Leiche eines Mädchens einen Fluss hinunter treiben sieht, steigt in ihm der Drang, zurück zu seiner Frau und seiner Tochter zu kehren, die er vor sieben Jahren verlassen hat. In einem seltsamen kleinen Dorf wird Dan von Gangstern erschossen. Harry und Archie machen sich auf zu Harrys Frau Hannah. Dort angekommen, arbeiten beide für sie auf dem Feld und erledigen diverse andere Aufgaben. Als Archie merkt, dass er sich in Harrys Frau zu verlieben beginnt, beschließt er, sich alleine zum Ozean aufzumachen. Doch dann gerät er erneut an die Gangster, die Dan ermordet haben. Harry setzt alles daran, um ihn zu befreien …

Harry und Archie auf dem Weg zu Harrys Frau. „The hired Hand“ (1971); Copyright: Universal Pictures

„The Hired Hand“ ist vor allem eines: ein sehr ruhiger Film, der in langen, wunderschönen Einstellungen schwelgt, untermalt von der grandiosen Musik Bruce Langhornes. Vor allem die Anfangssequenz, in der Harry, Archie und Dan im Fluß baden, alles in extremer Zeitlupe, die fast zum Stillstand kommt, wobei das Sonnenlicht auf der Wasseroberfläche schimmert, dürfte eine der ästhetischsten Aufnahmen sein, die je geschaffen wurden. Fonda setzt nicht nur an dieser Stelle Zeitlupe ein. Der gesamte Film wird immer wieder davon bestimmt. Fonda überblendet diese, bringt dabei Bilder zum regelrechten Stillstand, sodass äußerst intensive Momentaufnahmen entstehen. Diese besitzen beinahe schon etwas Malerisches an sich, besonders dann, wenn Hannahs verbittertes Gesicht aus zwei verschiedenen Perspektiven gleichzeitig gezeigt wird.

Peter Fondas Debut aus dem Jahr 1971 ist keineswegs langamtig. Trotz der Ruhe, der Meditation über die oben genannten Themen, besitzt „The Hired Hand“ aufgrund der tragischen Konflikte, die sich aus der Handlung ergeben, eine spannende Dichte. Wer Schießereien und Verfolgungsjagden sucht, wird in dem Film alles andere als fündig werden. Wer aber eine fast schon unglaubliche Filmästhetik schätzt, wird den Film über alle Maßen lieben.

The Hired Hand. Regie: Peter Fonda, Drehbuch: Allan Sharp, Produktion: William Hayward, Darsteller: Peter Fonda, Warren Oates, Vera Bloom. USA 1971, 93 Min.

 

Die glorreichen Sieben (2016)

Wer reitet so spät durch Nacht und Wind … Natürlich mal wieder ein Remake aus Hollywood. Aber Remake darf man ja nun nicht mehr sagen, sondern entweder Neuinterpretation oder Version von Regisseur XY. 2016 erwischte es unter anderem den Klassiker „Die glorreichen Sieben“ aus dem Jahr 1960. Regie führte damals John Sturges – und ja, auch dieser Film war schon ein Remake. Und zwar von Kurosawas „Die sieben Samurai“ aus dem Jahr 1954. Eines der originellsten Remakes davon ist übrigens „Sador-Herrscher im Weltraum“ (1980) aus dem Hause Roger Corman.

2016 war es Antoine Fuqua, der sich dieses Stoffes annahm. Über die Handlung muss man nicht viel sagen, außer, dass die sieben Revolverhelden dieses Mal keine mexikanische Kleinstadt aus den Klauen einer Banditenbande retten sollen, sondern eine US-amerikanische Kleinstadt, die von einem reichen Unternehmer schikaniert wird.

Die Frage natürlich lautet, wie Fuqua den Stoff umgesetzt hat. Fuqua versucht sich zwischen den Zeilen in der Kapitalismuskritik, was mit der Figur des Bösewichts Bartholomew Bogue unterstrichen wird, der über Leichen geht, um Geld zu machen. Fuqua möchte somit weg vom glatt gebügelten und Kritik leeren Filmen zurück zum Hollywoodkino, das sich als sozialkritisch versteht. Leider aber gelingt ihm dies nur am Rande. Denn Fuquas Augenmerk konzentriert sich letztendlich auf die Action des Films, welche beinahe die Hälfte des zweistündigen Remakes einnimmt.

Dieser Fokus färbt sich dann auch negativ auf die Zusammenfindung der Figuren ab. Während sich Sturges 1960 genau dafür Zeit ließ, hakt Fuques diesen wichtigen Teil im Eiltempo ab, um möglichst schnell zum Action geladenen Spektakel des Films zu gelangen. Dies führt dazu, dass die Figuren und ihre Motivationen oberflächlich bleiben. Im Falle des Indianers Red Harvest, der von seinem Stamm verstoßen wurde, wirkt dieses Manko noch offensichtlicher als bei den anderen Figuren. Einen richtigen Grund für den Indianer, bei der Aktion mitzumachen, gibt es nicht, und nur darin den Grund zu finden, weil Goodnight (Ethan Hawke) zusammen mit ihm in eine rohe Leber beißt, wirkt geradezu holprig und unplausibel. Hinzu kommt, dass das neue Ensemble einfach nicht das Charisma der Darsteller von 1960 besitzt. Washington, Pratt, Hawke, D’Onofrio, Lee, Garcia-Rulfo und Sensmeier haben gegenüber Bronson, Buchholz, Brunner, Mc Queen, Vaughn, Dexter und Coborn einfach nicht die Klasse. Ganz schwach der koreanische Schauspieler Byung-Hun Lee, der sich in seiner Rolle nicht wirklich zurechtfindet.

Um die flache Charakterisierung seiner Helden zu überspielen, setzt Antoine Fuque dann voll und ganz auf Action. Und hier verfehlt es der Regisseur, einen eigenen Stil zu kreieren, vielmehr wirkt dieser Teil des Films wie ein Best Of des Westerngenres. Die Schießereien und die Pferdestunts kamen auf dieselbe Weise schon in diversen Filmen der 50er und 60er Jahren vor. So kommt zwar ein Hauch von Nostalgie auf, doch mehr auch nicht.

Trotz der Kritik ist das Remake keineswegs langweilig. Antoine Fuque bietet viel für das Auge, zeigt, dass er die klassische genauso wie die moderne Bildsprache beherrscht, schafft aber dennoch kein Meisterwerk, sondern eher einen unterhaltsamen Durchschnittsfilm, der aufgrund seiner handgemachten Action schön zum Anschauen ist, aber ansonsten schnell wieder aus dem Gedächtnis verschwindet.

Die glorreichen Sieben (The Magnificent Seven). Regie: Antoine Fuque, Drehbuch: Nic Pizzolatto, Richard Wenk, Produktion: Roger Birnbaum, Darsteller: Denzel Washington, Chris Pratt, Ethan Hawke, Vincent D’Onofrio, Byung-Hun Lee, Manuel Garcia-Rulfo, Martin Sensmeier. USA 2016, 133 Min.

 

Winnetou reitet wieder: Die Neuverfilmung des Klassikers

winnetou2016Die Karl May-Filme der 60er Jahre, in denen Lex Barker als Old Shatterhand und Pierre Brice als Winnetou gegen diverse Bösewichte kämpften, sind Klassiker des europäischen Kinos. Nun hat man sich erneut des Stoffes angenommen, dieses Mal allerdings fürs Fernsehen.

Erneut wählte man als Kulisse die Naturlandschaften Kroatiens, die einmal mehr als Wilder Westen herhalten muss. Geplant und produziert wurden insgesamt drei Filme mit den Titeln „Eine neue Welt“, „Das Geheimnis vom Silbersee“ und „Der letzte Kampf“. Die Neugierde war natürlich groß, was RTL aus dem Klassiker machen würde. Den Film „Eine neue Welt“ konnten wir nun vorab sichten.

Die Handlung spielt im Jahr 1860. Karl May reist in die USA, um dort am Bau der Eisenbahn mitzuwirken. Doch schnell muss er feststellen, dass sich seine romantischen Vorstellungen vom Wilden Westen mit der Realität nicht decken. Besonders schockiert ihn dabei, wie die weißen Siedler mit den Indianern umgehen. Nach einem Überfall von Apachen auf einen Vermessungstreck, wird Karl May schwer verwundet in die Siedlung der Indianer gebracht. Diese verleihen ihm den Namen Old Shatterhand, da er hervorragend boxen kann. Nachdem er von Winnetous Schwester Nscho-tschi gesund gepflegt wird, nimmt er gemeinsam mit Winnetou den Kampf gegen die Eisenbahnbauer auf.

Regisseur Philip Stölzl hatte großes vor, als er sich des Klassikers für eine Neuverfilmung annahm. Immerhin haben sich die Abenteuerfilme von Harald Reinl tief ins popkulturelle Bewusstsein Deutschlands eingegraben – und nicht weniger in die Geschichte des deutschen Films. Wer Old Shatterhand sagt, denkt zugleich an Sexy Lexy, und bei Winnetou ist es Pierre Brice, der aufgrund seiner Ähnlichkeit mit Alain Delon in Frankreich keine Karriere machen konnte.

Für Stölzl war es wohl klar, dass er Harald Reinls „Handschrift“ nicht imitieren wollte. So setzt er statt auf ein rasantes Voranschreiten der Handlung mehr auf eine epische Breite. Die einzelnen Szenen sind hierbei sehr sorgfältig konzipiert, und Stölzl zeigt, was in vielen deutschen Filmen fehlt: eine hervorragende Optik. Weite Landschaftsaufnahmen, wie es sich für einen Western gehört, wechseln sich ab mit eleganten Kamerafahrten. All das wird ergänzt durch eine schöne Farbgebung. Auch bei den Kostümen und den Masken hat man sich wirklich Mühe gegeben: so erkennt man Jürgen Vogel als brutalen Vorarbeiter Rattler kaum wieder.

Stölzl lässt sich mit der Entfaltung des Konflikts Zeit – und schafft dennoch keine Langeweile. Während in den Filmen der 60er Jahre ständig irgendetwas passierte, setzte der Regisseur des neuen Winnetou auf die oben genannte Optik. So ist der Film vor allem ein Fest fürs Auge. Dies allerdings auf Kosten der Action, denn diese ist, im Vergleich mit dem Original aus dem Jahr 1963, dann doch eher spärlich gesät.

Was die Schauspieler betrifft, so standen auch sie vor einer großen Aufgabe. Sowohl Wotan Milke Möhring als Old Shatterhand bzw. Karl May als auch Nik Xhelilaj als Winnetou verleihen den Figuren neues Leben. Während Xhelilaj auf den Spuren Pierre Brices wandelt, versucht sich Möhring in einer durchaus originellen Darstellung Old Shatterhands, indem er versucht, die Charakteristik eines deutschen Quasi-Auswanderers mit derjenigen eines klassischen Helden zu verbinden.

Winnetou 2016 ist für einen TV-Film erstklassig. Es ist schade, dass man sich nicht an einen Kinofilm herangewagt hat. Doch als Trost erklingt immerhin Martin Böttchers bekannte Winnetou-Melodie, wenn auch nur in Ansätzen. Aber zusammen mit den wunderbaren Aufnahmen erzeugt dies einen neuen Hang zum Abenteuer. Und das ist, was zählt.

Winnetou: Eine neue Welt. Regie: Philip Stölzl, Drehbuch: Jan Berger, Produktion: Christian Becker, Darsteller: Nik Xhelilaj, Wotan Milke Möhring, Iazua Larios, Jürgen Vogel, Milan Peschel, Oliver Masucci. Deutschland 2016, 117 Min.