Archive – Großartige Science Fiction mit sanften Tönen

J3 (Stacy Martin) erwacht zum Leben; „Archive“ (2020); © Capelight

Gavin Rothery arbeitete bisher als Effektkünstler beim Film. U. a. schuf er dabei die Spezialeffekte für Duncan Jones‘ wunderbaren SF-Film „Moon“. Mit „Archive“ legt Rothery nun seine erste Regiearbeit vor, einen SF-Film, der in leisen, aber eindrucksvollen Tönen sich dem Thema Mensch-Maschine annimmt.

Im Jahr 2038 lebt George Almore alleine in eine riesigen Forschungsstation in einem Waldgebiet Japans, wo er an humanoiden Robotern experimentiert. Als es ihm tatsächlich gelingt, eine Menschmaschine zu schaffen, ist das Ergebnis anders als erwartet.

Gavin Rotherty zur Seite stand der bekannte Kameramann Laurie Rose, der für das SF-Drama wundervolle Bilder einfing. Sorgfältige Bildkompositionen wechseln ab mit grazilen Kameraschwenks, was den Film allein schon deswegen zu einem visuellen Genus macht. Hierbei herrschen vor allem unterschiedliche Grautöne vor, die erstklassig Almores außergewöhnliche Situation widerspiegeln sowie die durchaus trostlose, von Konzernen beherrschte Zukunft. Stellenweise fühlt man sich an die Farbgebung von „Moon“ erinnert, was – wie oben ja bereits bemerkt – kein Wunder ist.

Almore lebt völlig alleine mit drei Robotern in der Station: dem ersten Prototyp J1, der verbesserten Version J2 und seinem Meisterstück J3. Die Maschinen sind so hoch entwickelt, dass sie nicht nur Gefühle besitzen, sondern sogar träumen können. Doch aufgrund dessen entwickelt J2 zunehmend Eifersucht gegenüber der neuesten J-Version – einem Ebenbild von Jules, Almores verstorbener Frau.

Durch diese Konstellation fühlt man sich ein wenig an den SF-Klassiker „Silent Running“ (1972) erinnert, in dem der Biologe Freeman Lowell alleine mit seinen Arbeitsrobotern durch den Weltraum gondelt. Die Situation jedoch ist natürlich eine völlig andere – ging es bei dem Klassiker um die Rettung der Natur, so geht es in „Archive“ um die Herausforderung, eine fühlende Maschine zu kreieren.

Dabei gelingen Gavin Rotherty unglaublich gute Szenen, von denen zwei geradezu perfekt sind: die eine, in der sich Almore mit dem humanen Androiden Elson in einer Bar trifft – wobei Rotherty auf gewitzte Weise „Blade Runner“ zitiert – und die zweite, in der J3 durch das Wohnzimmer tanzt. Diese zweite Szene wirkt geradezu schön und unheimlich zugleich, handelt es sich letztendlich doch um ein künstliches Wesen, um eine Maschine, die sich überaus lebendig zu den Klängen eines Popsongs bewegt.

So gut der Film als Ganzes ist, so enttäuscht dann doch die Pointe, die dem Spannungsaufbau im gewissen Sinne den Stecker zieht. Der Film als solcher jedoch besitzt eine feinfühlige, spannende und auch sinnliche Ästhetik, die einen völlig in den Bann zieht.

Eigentlich hätte der Film in die Kinos kommen sollen, doch aufgrund der bekannten Situation wurde er gleich als VOD und auf DVD veröffentlicht. Trotz der Schwäche am Ende handelt es sich um einen großartigen SF-Film. Kurz: Absolut sehenswert.

Archive. Regie u. Drehbuch: Gavin Rotherty, Produktion: Theo James, Darsteller: Theo James, Stacy Martin, Toby Jones, Hans Peterson. USA 2020, 105 Min.

 

Auslöschung oder Endlich mal wieder richtige Science Fiction

Der SF-Film „Annihilation“ von Regisseur Alex Garland wurde, um es auf den Punkt zu bringen, Opfer des aktuellen Produktions- und Kinogeschehens. Die Produktionsfirma hielt den Film für zu intellektuell und anspruchsvoll und wollte, dass Garland „Annihilation“ komplett umschneidet. Zum Glück konnte dies verhindert werden und „Auslöschung“, so der deutsche Titel, wurde in der Version veröffentlicht, die der Regisseur gewollt hatte.

Die Folge jedoch war, dass der SF-Streifen lediglich zwei Wochen in den US-amerikanischen Kinos lief, bevor er von Netflix online veröffentlicht wurde. In Deutschland wurde „Auslöschung“ nicht einmal in den Kinos gezeigt. Einmal mehr haben damit Kinobetreiber und Produzenten bewiesen, dass Anspruch für sie ein Pfui-Wort darstellt und sie nichts anderes haben wollen, als gehirnlose Kost.

Es geht in „Auslöschung“ um eine Gruppe Forscherinnen, die ein Gebiet untersuchen sollen, in dem sich sonderbare Veränderungen abspielen. Bisherige Expeditionen sind nicht zurückgekehrt – bis auf Kane, dem Mann von Lena, einer Molekularbiologin, die sich der Forschergruppe anschließt. Kane kann sich an nichts erinnern, daher hofft Lena herauszufinden, was in dem Gebiet vor sich geht.

Die Handlung erinnert ein wenig an Robert Charles Wilsons SF-Roman „Darwinia“, in dem sich in ganz Europa seltsame Veränderungen abspielen, doch handelt es sich bei „Annihilation“ um die Adaption eines Romans des SF-Autors Jeff VanderMeer. Regisseur Alex Garland schuf einen ruhigen, doch nicht weniger intensiven Film, in dem es um die Frage der menschlichen Existenz und den Sinn des Lebens an sich geht. Nicht weniger steht dabei die Frage der eigenen Identität im Mittelpunkt sowie die Wahrnehmung des Anderen und damit das Hinterfragen, was das Andere überhaupt ist.

Alles in allem schürft der Film damit in zentralen philosophischen Fragen, was „Auslöschung“ eine solche Tiefe verleiht, die man im heutigen Kino nicht mehr oder kaum noch gewohnt ist. Garland aber reizt das Thema vollkommen aus und macht aus der Expedition einen geradezu psychedelischen Trip. Der Film bekommt dadurch eine solch düstere Atmosphäre, dass er an manchen Stellen eine regelrechte Trostlosigkeit zelebriert, indem er nach dem Sinn von allem fragt, jedoch keinen Sinn findet.

Auf diese Weise schuf Garland einen großartigen und tiefschürfenden SF-Film, absolut jenseits hohler Actionszenen, ja in dem sogar die wenige Action, die in dem Film vorkommt, eine wesentliche Tiefe besitzt. Garlands Film fasziniert jedoch nicht nur aufgrund seiner Thematik, sondern ebenfalls aufgrund seiner ungeheuer guten Optik. Die Kameraführung ist exzellent, die Bilder, die uns Garland zusammen mit seinem Kameramann Rob Hardy präsentiert, wirken wie surreale Gemälde.

Wirklich schade, dass ein so großartiger Film quasi mit Füßen getreten wurde. Aber in einer solchen Epoche leben wir nun einmal.

Auslöschung (OT: Annihilation). Regie u. Drehbuch: Alex Garland, Produktion: Andrew MacDonald, Darsteller: Natalie Portman, Jennifer Jason Leigh, Gina Rodrigues, Tuva Novotny, Tessa Thompson, Oscar Isaak. England 2018, 115 Min.

 

 

 

 

Fahrenheit 451 oder eine Neuverfilmung, die Angst vor zu harscher Kritik hat

Fahrenheit 451 ist die Temperatur, bei der Papier Feuer fängt. Ray Bradburys Klassiker über eine Welt, in der Bücher und daher auch das Lesen verboten sind, wirkt heute aktueller als zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung im Jahr 1953. Daher war es kein Wunder, dass sich ein Regisseur erneut an den Stoff wagte – die Erstverfilmung von Francois Truffaut stammt aus dem Jahr 1966. Das Resultat aber fällt mau aus.

Der mehrfach für den Goldenen Löwen nominierte Regisseur Ramin Bahrani arbeitete bereits seit 2016 an dem Drehbuch der Neuadaption von Bradburys SF-Roman „Fahrenheit 451“. Nachdem der Film 2018 beim Filmfestival in Cannes seine Premiere feierte, wurde er danach auf DVD vermarktet.

Man hatte viel erwartet. Vielleicht ein wenig zu viel. Denn das, was Bahrani abliefert, ist ganz und gar lauwarm. Michael Shannon mimt mal wieder den Bösewicht und wie immer geht er hervorragend in dieser Rolle auf. Auch Michael B. Jordan, der den Film mitproduzierte, wirkt in seiner Rolle ganz passabel. Das Problem des Films liegt daher ganz woanders. Nämlich darin, dass sich Ramin Bahrani nicht traut, eine vehemente Kritik an der heutigen Gesellschaft und der Zunahme an totalitären Staaten zu schaffen.

Nein, er reißt die jeweiligen Themen wie Fake News, Trumpismus, zunehmenden Lesefrust und die Zunahme der staatlichen Kontrolle nur vorsichtig an. Die Folge ist natürlich, dass der Film in seiner Gesellschaftskritik so harmlos ist wie ein Katzenbaby. Auch der Versuch, Bradburys Roman in unsere Zeit zu verfrachten, gelingt daher nicht wirklich. In Ansätzen nicht schlecht, weiß Bahrani dennoch nicht, wie er sich verhalten soll. In wenigen Szenen geht er direkt auf die Vorlage ein, nur um sich danach jeweils wieder schnell zu entfernen, so als fürchtete er sich davor, sich die Finger zu verbrennen.

Schade, denn einen Film, der die Kritik an unserer Gesellschaft direkt auf den Punkt bringt, hätte es gebraucht. Doch so kommt lediglich heraus, dass die USA seit Trump einem zunehmden Idiotismus anheimfallen, während es in Kanada zum Glück noch immer gebildete Leute gibt. Nun ja, für diese ironische und satirisch zugespitzte Schlussfolgerung hätte es diesen Film nicht gebraucht.

Ghost in the Shell (2017)

Wenn der Manga-Adaption „Ghost in the Shell“ von Kritikern eines vorgworfen wurde, dann Seelenlosigkeit. Aber kann man das denn überhaupt als Vorwurf gelten lassen? Schließlich geht es um Maschinen, zwar um „beseelte“ Maschinen, aber eben um Maschinen. Und die Gradwanderung zwischen dieser Form einer mechanischen Seelenlosigkeit und dem Versuch, in der Maschine so etwas wie eine Seele zu finden, erarbeitet der Film eigentlich recht gut.

Dies liegt auch daran, da der Film die speziellen Begriffe des Mangas übernimmt und dadurch auch Masamune Shirows Grundideen einwebt, auch wenn die Figuren nicht immer dieselbe Hintergrundgeschichte besitzen wie in der Vorlage. Natürlich reicht die Umsetzung dieser Thematik nicht an „Blade Runner 2049“ heran, der regelrecht darüber meditiert. In diesem Punkt setzt „Ghost in the Shell“ dann doch zu sehr auf Action, was dazu führt, dass es so scheint, als würde das eigentliche Thema der Identitätsfindung an den Rand gedrängt werden.

Doch hat es eben nur den Anschein, denn Sanders arbeitet auch zwischen den Zeilen, sodass Gesten, Blicke und kurze Situationen zu Symbolen werden, in denen sich die Suche nach einer Maschinenseele widerspiegelt. „Ghost in the Shell“ ist ein durch und durch gelungener SF-Film, der sich einerseits am Cyberpunk der 80er Jahre orientiert, andererseits versucht, eine bessere Version von Luc Bessons „Lucy“ zu sein. Der Film ist durch und durch interessant, das Setdesign faszinierend und auch die Spannung kommt keineswegs zu kurz.

Doch egal, wie man es auch betrachtet, dem Film nutzte weder der Versuch einer kritischen Auseinandersetzung mit dem Thema Maschine/Seele noch die gut dargestellte Action. „Ghost in the Shell“ floppte. Sehenswert ist der Film auf jeden Fall.

Ghost in the Shell. Regie: Rupert Sanders, Drehbuch: William Wheeler, Jamie Moss, Produktion: Avi Arad, Darsteller: Scarlett Johansson, Pilou Asbæk, Takeshi Kitano, Juliette Binoche, Michael Pitt. USA 2017, 106 Min.

 

 

 

Blade Runner 2049

Nun hat es dann doch geklappt. 2011 kam es zu ersten Verhandlungen hinsichtlich einer Fortsetzung von „Blade Runner“. Sechs Jahre danach kam der fertige Film in die Kinos – und war nicht der Erfolg, den man sich erhofft hatte. „Blade Runner 2049“ konnte bisher die Kosten nicht einspielen. Das Hauptproblem: die meisten der jüngeren Zuschauer kennen das Original nicht und daher ging ihnen dieser Film am Allerwertesten vorbei.

Die Frage lautet wirklich, ob es einer Fortsetzung bedurft hätte. Gut, das Original lässt, rein auf die Handlung bezogen, offen, ob Rick Deckard nun auch ein Replikant ist oder nicht, wobei die Symbolik des Films hier eine klarere Sprache spricht. Wie dem auch sei, „Blade Runner 2049“ spielt 30 Jahre nach der Originalhandlung. Dieses Mal ist es der Blade Runner K, der nach einem verschwundenen Kind suchen soll, das eigentlich nicht existieren dürfte, soll es sich dabei doch um das Kind zweier Replikanten handeln.

Regie führte Denis Villeneuve, der spätestens durch seinen SF-Film „Arrival“ (2016) gezeigt hat, dass heutiges Kino auch anders kann, nämlich eine interessante Handlung mit hohem Anspruch zu verbinden. Ein Aspekt also, für den Hollywood seit Jahren nicht mehr steht. Seinen hohen Anspruch an Ästhetik, Handlung und Symbolik übertrug Villeneuve auch auf „Blade Runner 2049“, zum Ärger Ridley Scotts, der das Sequel als viel zu langsam und ereignisarm bezeichnet hat.

Aber genau das macht diesen Film zu einer hervorragenden Produktion, die den Themen, mit denen sich Philip K. Dick in seinen Romanen beschäftigte, gerecht wird. Der Film ist in der Tat langsam, kommt manchmal beinahe zum Stillstand, und schafft dabei einen absoluten Gegenpol zum derzeitgen schnellen und inhaltsleeren Blockbusterkino. Denn „Blade Runner 2049“ ist fast schon so etwas wie eine Meditation um die Frage nach der eigenen Identität, nach der eigenen Herkunft, nach Moral und Religion. Wie gesagt, alles Themen, mit denen sich Dick in seinen Werken auseinandersetzte.

So bezieht sich der Film auch immer wieder auf Kurzgeschichten und Romane Philip K. Dicks, wie etwa die riesigen Müllberge oder eben auch das Kind, das anders ist als die anderen. Hinzu kommen Zitate auf Filmklassiker wie etwa „Solyent Green“ und „M.A.R.K. 13“. Und nicht zuletzt ist natürlich auch der Name der Hauptfigur K eine Anspielung auf den amerikanischen Schriftsteller.

„Blade Runner 2049“ ist ein Film, der sich tatsächlich mit den Themen, die er anspricht, beschäftigt und sie nicht nacheinander abhakt, um danach schnell in sinnlose Daueraction überzugehen. Nein, der Film ist etwas Besonderes. Die elgenate Kameraführung, die bis ins Detail liebevoll gestalteten Kulissen, die Spezialeffekte und nicht zuletzt die wunderbare Farbgebung, die sich klarerweise an dem Original orientiert, sich zusätzlich aber auch auf andere Filme der 80er Jahre bezieht – in Villeneuves Regiearbeit findet Kino zurück zu seiner eigentlichen Ausdrucksstärke.

„Blade Runner 2049“ ist ein Film, der vollkommen überzeugt, eine durchaus mutige Produktion, die sich bewusst gegen den Mainstream stellt, obwohl sie zugleich Mainstream ist. Auf diese Weise wird der Film selbst zu einer Sinnsuche innerhalb des derzeitigen Hollywood-Kinos.

Blade Runner 2049. Regie: Denis Villeneuve, Drehbuch: Hampton Fancher, Michael Green, Produktion: Andrew A. Kosove, Broderick Johnson, Bud Yorkin, Darsteller: Ryan Gosling, Harrison Ford, Ana de Armas, Sylvia Hoeks, Robin Wright, Carla Juri, Jared Leto. USA 2017, 163 Min.

Den Sternen so nah (2017)

Mit dem Film „Den Sternen so nah“ („The Space between us“) erhoffte man sich anscheinend die Teenie-Romanze des Jahres zu bringen. Doch der Schuss ging nach hinten los, denn der Film wurde ein Flop-Desaster. Von den 30 Millionen Produktionskosten spielte er nicht einmal die Hälfte ein. Dabei hat der Film ein solches Schicksal eigentlich nicht verdient.

Die durchaus originelle Handlung dreht sich um den 16jährigen Jungen Gardner, der als erster Mensch überhaupt auf dem Mars aufgewachsen ist. Ein negativer Aspekt dieser Entwicklung aber ist, dass er unter der Glasknochenkrankheit leidet. Sein größter Wunsch: endlich einmal die Erde zu besuchen. Übers Internet chattet er inzwischen mit der Schülerin Tulsa. Als sich Gardners Wunsch endlich erfüllt und er ihr Tulsa begegnet, ist allerdings nicht jeder froh darüber. Der Unternehmer Nathaniel Shepherd möchte Gardners Existenz unter allen Umständen geheim halten und den Jungen in seine Gewalt bringen …

„Den Sternen so nah“ überzeugt als netter SF-Film, der ohne Geballer auskommt und dennoch jede Menge Action aufweist. Doch verlegt sich der Film zum Glück nicht allein darauf, aufregend zu sein. Regisseur Peter Chelsom konzentriert sich auf seine beiden liebevoll charakterisierten Hauptfiguren Gardner und Tulsa und deren Sicht auf die Welt. Und dies ist eine große Stärke des Films. Ganz ohne Kitsch erzählt der Film dadurch die Geschichte zweier Außenseiter, die beide versuchen, aus ihrem bisherigen Leben auszubrechen.

So ist es nicht verwunderlich, dass Chelsom seinen SF-Film mit den Aspekten des Roadmovies verknüpft. Da, wo der Film allerdings schwächelt, sind ausgerechnet die Szenen, in denen sich Gardner und Tulsa nahe kommen. Das Romantische wirkt verkrampft und zu sehr gestellt. Kurz, genau in diesen Momenten nimmt man den beiden Hauptdarstellern ihre Rollen nicht ab.

Insgesamt aber ist es erstaunlich, dass „Den Sternen so nah“ auf ganzer Linie floppte. Die wundervolle Optik, die interessanten Figuren und die spannende und, wie oben bereits bemerkt, originelle Handlung hätten das nicht erwarten lassen. Möglicherweise aber gelingt dem Film der Durchbruch in der Zweitverwertung als DVD und auf diversen Streaming-Portalen. Verdient hätte er es.

Den Sternen so nah (OT: The Space between us). Regie: Peter Chelsom, Drehbuch: Allan Loeb, Stewart Schill, Richard Barton Lewis, Produktion: Richard Barton Lewis, Darsteller: Asa Butterfield, Britt Robertson, Gary Oldman, Carla Gugino, Janet Montgomery. USA 2017, 121 Min.