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Posts Tagged ‘Klassiker’

Auf die Idee zu ihrem berühmten Roman „Meine Cousine Rachel“ (1951) kam Daphne du Maurier durch ein Gemälde, das Rachel Carew (1669 – 1705) darstellte, die zweite Frau eines damaligen Politikers und Großgrundbesitzers. Der Roman wurde sogleich zum Bestseller, ein Jahr später bereits verfilmt und in diesem Jahr erneut für die Kinoleinwand adaptiert.

Wie auch „Rebecca“ (1938), so handelt es sich bei „Meine Cousine Rachel“ um eine Mischung aus Krimi und Mystery, wobei die Handlung im 17. oder 18. Jahrhundert spielt. Seit dem Tod von Philips Eltern, kümmert sich um ihn sein zwanzig Jahre älterer Cousin Ambrose. Ambrose ist ein reicher Großgrundbesitzer und Philip soll einmal das Gut erben. Beide sind unverheiratet und können mit Frauen im Grunde genommen nichts anfangen. Das ändert sich jedoch, als Ambrose in Italien, wohin er auf Anraten seines Arztes reist, um dadurch seine rheumatischen Beschwerden zu kurieren, eine Frau namens Rachel kennenlernt, halb Italieniern, halb Engländerin, die er kurz darauf heiratet.

Herrschen zuhause in England zunächst Überraschung und helle Freude darüber, dass Ambrose unerwartet geheiratet hat, so nimmt die Sache eine sonderbare Wendung, als Philip ein Schreiben von Ambrose erhält, in dem steht, dass er so schnell wie möglich nach Florenz kommen solle, da er schwer erkrankt sei. Doch bei seiner Ankunft ist Ambrose bereits tot und seine Frau spurlos verschwunden.

Kaum ist Philip, der noch ein Jahr warten muss, bis er sein Erbe antreten kann, wieder zurück in Cornwall, als Rachel vor seiner Tür steht. Diese entpuppt sich als eine hübsche, liebevolle Frau, die sozusagen Leben in die Bude bringt, was dazu führt, dass Philip ihr vollkommen verfällt. Doch irgendetwas scheint mit Rachel nicht zu stimmen. Führt sie etwa eine Art Doppelleben?

Daphne du Maurier (ca. 1930)

Mit Rachel schuf Daphne du Maurier eine der mit Sicherheit geheimnisvollsten Figuren der Weltliteratur. Der ganze Roman hat im Grunde genommen nur das eine Thema: Wer ist diese Rachel überhaupt? Ist sie tatsächlich diese liebevolle und zugleich sinnliche Frau, die Philip in ihr sieht und die ihn in einen regelrechten Liebeswahn stürzt, oder ist alles bloß Fassade und sie ist in Wirklichkeit eine Betrügerin?

Das Rätsel und der Versuch, dieses aufzudecken, machen diesen Roman zu einem mysteriösen Psychothriller, der nichts zu wünschen übrig lässt. Gleich zu Beginn, wenn Philip sich die Frage stellt, wer Rachel nun eigentlich wirklich ist, herrscht diese düstere, geheimnisvolle Aura, die den gesamten Roman durchzieht.

Philip, der vollkommen unerfahren ist, weiß selbst nicht, wie ihm geschieht. Sicher ist nur, dass er Rachel nicht mehr weggehen lassen möchte, trotz dieser sonderbaren Briefe, die Ambrose in Büchern und Kleidungsstücken versteckt hat.

Besonders die zweite Hälfte des Romans reißt einen regelrecht mit, sodass man mit dem Lesen einfach nicht mehr aufhören kann. Ähnlich wie die „Überfrau“ Rebecca, so ist auch Rachel schwer zu greifen und zu begreifen. Das macht sie zu einer überaus rätselhaften Gestalt, die nicht weniger unheimliche Züge aufweist und von der man nicht sagen kann, ob sich Philip hier einen Engel oder ein Monster ins Haus geladen hat. Dies macht „Meine Cousine Rachel“ zu einem absolut fesselnden Roman, der in einem noch lange nachwirkt.

Daphne du Maurier. Meine Cousine Rachel. Insel Verlag 2017, 416 Seiten, 12,00 Euro, ISBN: 978-3-458-36197-8

 

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Eine Illustration aus einer Ausgabe von 1796

Wenige Jahre vor der Französischen Revolution veröffentlichte der Offizier Choderlos de Laclos (1741 – 1803) einen Briefroman mit dem Titel „Les Liaisons dangereuses“, auf deutsch „Gefährliche Beziehungen“, der sofort zum Bestseller wurde. Innerhalb nur eines Monats war die Auflage von 2000 Exemplaren ausverkauft, sodass nachgedruckt werden musste. Bis heute zählt de Laclos‘ einziger Roman als eines der wichtigsten Werke der französischen Literatur.

De Laclos schrieb seinen Roman aus einer gewissen Laune heraus. Als Offizier, der sich eine weitere Karriere beim Militär ausmalte, überging man ihn, da er nicht adelig genug war. Dies brachte ihn in Rage. Aus Wut gegenüber der höfischen Gesellschaft verfasste er eine Geschichte um den dekadenten und intriganten Vicomte de Valmont, der sich an der Frau eines Offiziers rächen möchte, da sie mit ihm nicht ins Bett will. Zugleich ist da aber auch die hinterhältige Marquise de Merteuil, die aus Rache eine junge Frau, die gerade aus der Klosterschule kommt, ins Verderben führen will.

Choderlos de Laclos (1741 – 1803)

Mit dem Vicomte und der Marquise schuf de Laclos zwei Figuren, die es ohne Wenn und Aber in die Hall of Fame der literarischen Fieslinge bringen würden, wenn sie dort nicht schon längst Einzug gehalten haben. Ihre Briefe, die sie sich regelmäßig schicken, strotzen nur so vor Bosheit und Gemeinheit, dass man den beiden wirklich nichts Gutes wünscht.

Valmont betrachtet Frauen und Männer lediglich als Spielfiguren, mit denen er seinen Spaß haben kann. Er gibt sich nach außen hin höflich und zuvorkommend, in Wirklichkeit aber ist er das, was man einen Wolf im Schafspelz bezeichnet. Er benutzt seine Verführungskünste nicht allein zur Lustbefriedigung, sondern um die Frauen, die sich auf ihn einlassen, ins Unglück zu stürzen. Wegen ihm gerieten bereits mehrere Damen in Skandale und wurden aus dem gesellschaftlichen Leben ausgeschlossen.

Ihm aber sind die Schicksale seiner Opfer egal, im Gegenteil, er brüstet sich sogar mit seinen Untaten und benutzt die Rücken seiner Gespielinnen als Schreibtisch. Die einzige Person, mit der er so etwas wie eine echte Freundschaft unterhält, ist die Marquise de Merteuil, wahrscheinlich aber nur, weil sie ihm in Sachen Bosheit ebenbürtig ist. Gemeinsam hecken sie daher den Plan aus, zwei Personen ins Unglück zu stürzen. Valmont geht nur darauf ein, da die Marquise ihm verspricht, nach Gelingen der Tat mit ihm zu schlafen.

Der Roman war damals ein Skandal, da er die adelige Gesellschaft als dekadent, vergnügungssüchtig und im gewissen Sinne sexbesessen schildert. Die Frauen, die sich mit ihren teils viel zu alten Ehemännern langweilen, gehen fremd, die Ehemänner sind größtenteils zu dumm und zu sehr mit sich selbst beschäftigt, um dies zu merken. Andeutungsweise geht de Laclos so weit, die Marquise als bisexuell zu skizzieren, was in manchen ihrer Briefe hindurchschimmert.

Doch ist „Gefährliche Liebschaften“ mehr als nur ein Roman über Verführung und Intrige. Er liefert zugleich Einblicke in das damalige Alltagsleben und übt zugleich Kritik daran, wie Frauen an reiche Männer verkuppelt werden, nur um den eigenen Lebensstil erhalten oder sogar verbessern zu können. Dies wird vor allem in den Briefen der jungen Cecile deutlich, die ihre Ängste vor einer solchen Heirat ihre besten Freundin schildert. Verliebt ist Cecile in den jungen Chevalier de Danceny, doch Ceciles Mutter will aus den oben genannten Gründen, dieser Beziehung ein Ende bereiten. Dabei geht Ceciles Mutter so weit, das Zimmer ihrer Tochter zu durchsuchen, um die Briefe Dancenys zu finden und ihm zurückzuschicken.

Manche behaupten, „Gefährliche Liebschaften“ sei ein langweilger Roman. Dem kann ich nicht zustimmen. Ich finde das Werk sehr dicht, spannend und nicht weniger aufreibend, besonders dann, wenn Valmont und die Marquise weiter an ihren hinterhältigen Plänen schmieden. Überaus faszinierend finde ich außerdem, wie de Laclos seinen Figuren in den jeweiligen Briefen Stimmen verleiht, die so lebendig erscheinen, als würde man einen tatsächlichen Brief lesen.

1988 wurde „Gefährliche Liebschaften“ von Stephen Frears verfilmt, wobei das Drehbuch nicht auf dem Roman, sondern auf dem Theaterstück basiert, das sich an dem Roman orientiert. Damals spielten John Malcovich Valmont und Glenn Close die Marquise.

 

 

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Tobe Hooper meinte immer, dass es sich bei „Texas Chainsaw Massacre“ eigentlich um eine Komödie handelte. Tatsächlich findet man in dem Horrorfilm eine ganze Reihe von schwarzhumorigen Gags, die jedoch den damaligen Kritikern nicht auffielen. Die meisten von ihnen fanden den Film damals „abscheulich“. Heute ist „Blutgericht in Texas“, so der deutsche Verleihtitel, nicht nur ein Klassiker des Horrorgenres, sondern überhaupt ein Klassiker des US-amerikanischen Kinos.

Der Witz an dem Film ist, dass er zwar äußerst brutal tut, in Wirklichkeit aber kaum etwas Brutales geschieht. Die Montage des Films ist dermaßen genial, dass sich das Grauen mehr in der Vorstellung der Zuschauer abspielt, als auf der Leinwand. Zusammen mit „Nacht der lebenden Toten“ (1969) und „Last House on the Left“ (1973) zählt „Texas Chainsaw Massacre“ (1974) zu denjenigen Filmen, welche nicht nur den postmodernen Horrorfilm einläuteten, sondern überhaupt die postmoderne Phase im US-amerikanischen Film vorbereiteten.

Beeinflusst von den Protesbewegungen gegen den Vietnamkrieg, gegen Rassismus und gegen sexuelle Ungleichheit setzte Hooper diese Kritik in seinem Film fort, in dem er die USA nicht mehr als Idealbild stilisierte, sondern als ein Ort der Verunsicherung, der Unsicherheit und der sozialen Konflikte. Er zeigte eine degenerierte Familie, lieferte aber für diesen Zustand eine damals unerhörte Erklärung: denn Schuld für das Verhalten von Leatherface und Co. ist die Modernisierung, die die USA angeblich voranbringen soll.

„Texas Chainsaw Massacre“ wurde ein riesiger Erfolg, von dem die Macher jedoch nicht viel mitbekamen, da die Verleihfirma sie mit obskuren Verträgen übers Ohr haute. An den Stil und die Ästhetik, kurz an die Meisterklasse seines Debuts, sollte Hooper nicht mehr herankommen. Er gehört zu den Regisseuren, die ihren besten Film gleich am Anfang ihrer Karriere drehten.

Steven Spielberg engagierte ihn für die Dreharbeiten zu „Poltergeist“, doch ist eindeutig, dass Spielberg stets das Zepter in der Hand behielt und den Namen Hooper nur als Marketing-Gag gebrauchte. Zwar schuf Hooper in den 80er Jahren mit dem Remake „Invasion vom Mars“ (1986) und „Lifeforce“(1985) zwei Klassiker des Trash-Films und vor allem zwei Klassiker der legendären Cannon-Produktionsfirma, doch brachte dies seine Karriere nicht wesentlich weiter.

Im Laufe der Zeit verlegte er sich daher auf TV- und Low-Budget-Filme, wobei er aber auch als Produzent tätig war. Nun starb der Erfinder von Leatherface im Alter von 75 Jahren.

 

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Cover der Erstausgabe von 1961

Richard Yates (1926 – 1992) beklagte sich selbst darüber, dass sein erster Roman zugleich sein bester Roman gewesen sei. Gemeint war „Zeiten des Aufruhrs“, der 1961 erschienen ist und seitdem als Klassiker der modernen amerikanischen Literatur gilt.

In dem Roman geht es um das Ehepaar Frank und April Wheeler, die Mitte der 50er Jahre mit ihren beiden kleinen Kindern in einem Vorort von New York wohnen. Beide sind Ende 20 und befinden sich in einer tiefen Krise, die sämtliche Lebensbereiche umfasst. So ist Frank von seiner Tätigkeit bei der Computerfirma Knox nur noch angeödet, während April das Eheleben nicht mehr aushält. Das Einüben eines Theaterstücks soll Abhilfe schaffen, doch die Premiere der Amateurgruppe Laurel Players verkommt zum Desaster. Und dies wirkt sich wiederum negativ auf das Zusammenleben von Frank und April aus. Schließlich hat April die Idee, dass sie alles aufgeben sollten, um nach Frankreich zu ziehen, wo sie gemeinsam von vorne anfangen könnten. Doch alles kommt anders, als geplant …

Yates gelingt in seinem Roman das Kunststück, eine tief ernste und überaus tragische Handlung in die Form einer gelungen Satire zu gießen. Der schöne und ruhig gelegene Vorort entpuppt sich als ein Sammelbecken für Spießer, die sich der Oberflächlichkeit hingeben und hinterrücks über ihre Bekannten und angeblichen Freunde herziehen.

Frank und April sind in dieser Hinsicht nicht anders. Auch sie verstecken sich hinter einer Fassade des Anstands und der Normalität. Dahinter aber brodelt ein Vulkan. Während beide so tun, als wären sie das Vorzeigeehepaar der typischen US-amerikanischen Vorstadt, möchte April aus ihre Rolle als Hausfrau ausbrechen, um ihre eigenen Träume zu erfüllen. Doch Frank hat Angst vor Veränderungen und versucht, seine Frau bei all ihren Aktionen zurückzuhalten.

Auf diese Weise ist alles, was beide anpacken, zum Scheitern verurteilt. Und in dieser Hinsicht schildert Yates ein düsteres Drama, das bar jeglicher Hoffnung ist. Es ist wirklich seltsam, obwohl es Yates versteht, den Leser mit seiner bissigen Satire zu amüsieren, so kommt dabei keineswegs Heiterkeit oder etwas ähnliches auf. Im Gegenteil, das Düstere und Tragische besitzt eine solch intensive Wirkung, dass man beim Lesen stets eine gewisse Traurigkeit und Schwermut empfindet.

Auf eine geradezu minutiöse Art und Weise schildert Yates den Konflikt zwischen den beiden Ehepartnern, ohne aber dabei Stellung zu beziehen. Er ist weder auf der Seite Franks noch auf der Seite Aprils, sondern legt eine geradezu erbarmungslose Objektivität an den Tag, in deren Licht die unterschiedlichen Probleme und Wendungen noch schmerzhafter und trostloser wirken.

Wie eine Art Paradoxon erscheint dabei der federleichte Schreibstil, so als wollte Yates damit ein zusätzliches satirisches Element in den Roman einbringen, ähnlich wie ein hell erleuchtetes Szenario, in dem sich eine finstere Tragödie abspielt. „Revolutionary Road“ lautet sowohl der Originaltitel als auch der Name der Straße, in der die Wheelers wohnen. Der Name ist fast schon Programm, wirken Frank und April inmitten der hoch gehaltenen Moralvorstellungen der 50er Jahre doch wie Ausbrecher, die nach Alternativen suchen. Doch die Straße führt sie nicht dahin, wo sie hinwollen. Das bereits mehrfach erwähnte Drama, das dadurch entsteht, ist ein großartiges Stück Literatur, das man unbedingt einmal gelesen haben sollte.

 

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In den 40er Jahren stoppte Hollywood aufgrund des Kriegseintritts der USA den Filmexport ins Deutsche Reich. Es war das Jahrzehnt des Film Noir, der Komödien, doch nicht mehr des Horrorfilms. Zwar wurden weiterhin Horrorfilme produziert, doch weitaus weniger als noch in den 30er Jahren. Klassiker wie „Casablanca“ (1942) beschäftigten sich mit dem Schicksal der Menschen, die vor dem Nationalsozialismus flohen. Andere Filme wie „Sein oder Nichtsein“ (1942) machten sich über das Deutsche Reich lustig. 1948 begann mit „Fahrraddiebe“ der italienische Neorealismus, der wiederum den Film Noir beeinflussen sollte. Beide Strömungen beeinflussen bis heute die Filmästhetik.

Die Verfilmung von Daphne du Mauriers Roman „Rebecca“ (erschienen 1938) war Alfred Hitchcocks erste Hollywood-Produktion. Davor hatte er in England gearbeitet. Hitchcock hatte eigentlich selbst die Rechte an der Verfilmung erwerben wollen, doch waren für ihn die Kosten zu hoch gewesen. Daher erstand der bekannte Produzent David O. Selznick diese, um daraufhin Hitchcock mit der Verfilmung zu beauftragen.

Noch scheint alles in Ordnung zu sein; „Rebecca“ (1940); Copyright: United Artists

Die Adaption war 1941 in fast allen Kategorien für einen Oskar nominiert, wobei er schließlich zwei der Trophäen erhielt: als bester Film und für die beste Kamera. Es geht um eine junge Gesellschafterin (ihr Name wird nie genannt), die in einem Ferienort den mysteriösen Maxim de Winter kennenlernt, der sich Hals über Kopf in sie verliebt. Beide heiraten schon bald, worauf de Winter sie mit auf sein Anwesen Manderley nimmt. Doch dort stößt sie auf die bösartige Haushälterin Mrs. Danvers, die der ersten Frau de Winters, Rebecca, vollkommen verfallen war. Aus Eifersucht versucht Mrs. Denvers, der neuen Frau de Winters das Leben zur Qual zu machen. Doch auch Maxim de Winter scheint von Rebecca noch immer beherrscht zu werden, obwohl diese bereits seit längerer Zeit tot ist. Daher versucht Maxims neue Frau, hinter das Geheimnis ihrer Vorgängerin zu kommen.

„Rebecca“ hält sich sehr an du Mauriers unheimlichen Thriller, übernimmt sogar den berühmten Anfangssatz des Romans: „Letzte Nacht träumte ich wieder von Manderley.“ Das gewaltige Gebäude erscheint dann auch am Ende des Hooks als düsteres Spukhaus, und dies ist keineswegs abwegig, geht doch noch immer die Erinnerung an Rebecca in den Zimmern und Fluren des Anwesens um.

Mrs. Denvers enthüllt der zweiten Mrs. de Winter ein schreckliches Geheimnis; „Rebecca“ (1940); Copyright: United Artists

Joan Fontaine spielte die schüchterne zweite Frau de Winters großartig. Ihre Gestig und Mimik, ja ihr ganzes Verhalten und auch ihr Aussehen scheinen direkt aus dem Roman entsprungen zu sein. Im Gegensatz dazu wirkt Laurence Olivier doch irgendwie fehl am Platz. Nicht, dass Fontaine ihm die Show stehlen würde, doch besitzt Olivier nicht das im Roman beschriebene düstere Aussehen des geplagten Mannes, der von Rebecca noch immer besessen ist. Rebecca selbst tritt zwar nie in Erscheinung, doch wirkt ihre Präsenz noch immer so intensiv, dass das ganze Leben auf dem Anwesen davon beeinflusst wird.

Um dieser unheimlichen Macht Ausdruck zu verleihen, kam Hitchcock auf eine geniale Idee. Er stellte Rebeccas früheres Zimmer überproportional groß dar, sodass die zweite Mrs. de Winter, Mrs. Denver und auch Maxim de Winter im Verhältnis dazu geradezu klein und verloren wirken. Zwar ist die Hintergrundgeschichte dann doch (aus moralischen Gründen) abgeschwächt worden, insgesamt aber zieht einen der Film genauso in den Bann wie der unübertroffene Roman du Mauriers.

Zwei Jahre nach „Rebecca“ brachte der französische Regisseur Jacques Tourneur sein Debut auf die Leinwand. Davor war er als Regieassistent tätig und hatte einen Kurzfilm hergestellt. Mit „Katzenmenschen“ schuf er den Klassiker des Noir-Horrorfilms, eine Mischung aus (wie die Bezeichnung schon sagt) Elementen des Film Noir und des klassischen Horrors. Wobei „klassisch“ dem kongenialen Werk nicht wirklich gerecht wird.

Jacques Tourneur erneuerte das Horrorfilmgenre, indem er die Handlung in das Alltagsleben einer Großstadt einwebte. Zwar spielten bereits in den 30er Jahren Horrorfilme im urbanen Raum (wie z.B. „Dr. X“), doch gingen diese nicht auf den modernen Alltag der Protagonisten ein. Ganz im Gegensatz zu „Katzenmenschen“, der die negativen Aspekte des Großstadtlebens wie Vereinsamung, fehlendes Vertrauen und Angst vor dem Anderen aufzeigte.

Irena erzählt Oliver die sonderbare Legende der Katzenmenschen; „Cat People“ (1942); Copyright: Universal Pictures

Es geht darin um den Ingenieur Oliver Reed, der eines Tages die sinnlich-mysteriöse Irena Dubrovna kennenlernt und sich schlagartig in sie verliebt. Irenas Aura besitzt einen seltsamen Effekt auf die Raubtiere im Zoo, werden diese doch extrem unruhig und angriffslustig. Von ihrer Sinnlichkeit angezogen, kommt Oliver von Irena nicht mehr los, und beide heiraten. Doch Irena leidet unter einer Art Sexphobie. Aus diesem Grund beginnt Oliver fremd zu gehen. Als Irena eines Abends mitbekommt, wie sich Oliver mit seiner Kollegin Alice trifft, werden ihre raubtierhaften Instinkte wach …

„Katzenmenschen“ ist ein Film, der damalige Tabus brach. Einerseits symbolisch, doch dabei unwahrscheinlich direkt geht Tourneur ein auf das Thema Sexualität. Irena kann nicht mit Oliver schlafen, da sie Angst hat, die Kontrolle über sich zu verlieren. Oliver zeigt sich dabei zunächst verständnisvoll, doch je länger dieser Zustand andauert, desto frustrierter wird er. Er schickt Irena zum Psychiater, um ihre Phobie zu heilen, doch auch dies gelingt nicht, im Gegenteil, auch der Arzt gerät in den Bann ihrer unheimlichen Sinnlichkeit.

Alice wird verfolgt; „Cat People“ (1942); Copyright: Universal Pictures

Ganz im Stil des Film Noir ist „Katzenmenschen“ zugleich ein kunstvolles Spiel mit Licht und Schatten, der beinahe den Neorealismus vorwegnimmt, indem er den beruflichen Alltag eines Schiffbauingenieurs verfolgt. Auf eine überaus nüchterne Art erzählt er dabei von der schicksalhaften Beziehung zwischen Oliver und Irena. Die übersinnlichen Aspekte sind dabei wie zufällige Ereignisse in die Geschichte eingeflochten. So z.B. die Szene, in der Irena in einem Lokal eine andere Frau ihrer Art trifft und vor ihr erschrickt. Nicht zu vergessen auch die berühmteste Szene des Films, in dem Alice am späten Abend im Pool schwimmt und plötzlich von einer schattenhaften Riesenkatze bedroht wird. Diese äußerst intensive Szene wird bis heute immer wieder zitiert.

All dies macht „Katzenmenschen“ zu einem ganz besonderen Film und letztendlich zu einem Klassiker des Horrorfilms. Jacques Tourneur zählt bis heute zu den wichtigsten Horror- und Thrillerregisseuren.

 

 

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Cover der Originalausgabe von 1958

Mit seiner Novelle „Frühstück bei Tiffany“ hatte der Exzentriker Truman Capote (1924 – 1984) endgültig das Podest der amerikanischen Literatur erklommen. Seine Novelle wurde quasi über Nacht zum Bestseller und Paramount erwarb die Filmrechte, um 1961 (also drei Jahre nach Erscheinen des Buches) einen der Klassiker der Filmgeschichte zu produzieren.

Die Frage, die ich mir immer stelle, lautet, was ist so herausragend an dieser Geschichte? Was so einzigartig? Ich habe keine Ahnung, ob es darauf eine klare Antwort geben kann, sicher ist nur, dass, wer Capotes Novelle liest, sich in diese genauso heimlich verliebt wie der Erzähler in Holly, den sie den Namen ihres Bruders Fred gibt.

Eigentlich erzählt Truman Capote lediglich die freundschaftliche Beziehung zwischen einem Mann, der Schriftsteller werden möchte, und einer jungen Frau, die sich leichtfüssig durchs Leben schlägt. Halb Prostituierte, halb It Girl gelingt es ihr im Handumdrehen, reiche Männer an sich zu binden. Dass sie jedoch nebenher mit der New Yorker Unterwelt verkehrt, scheint niemanden groß zu stören.

Capote erzählt die Novelle mit einer unerhörten Leichtigkeit, die dem Namen der weiblichen Hauptfigur alle Ehre erweist. Voller Witz, voller überraschender Wendungen, ist „Frühstück bei Tiffany“ ein wahres literarisches Feuerwerk. Doch so leicht Capote über „Freds“ Beziehung mit Holly schreibt, so schwer und tragisch sind zugleich die Themen, die darin anklingen.

So unter anderem um Eltern, die ihre Kinder aussetzen, um schwere Verluste, um das Verdrängen von Wirklichkeit – immer dann, wenn Holly sich an ihr wahres Ich erinnert, geht sie zu Tiffany’s, um sich wieder zu beruhigen und sich dem Trug hinzugeben -, es geht um Einsamkeit und um zerstörte Träume. Es wäre unfair gegenüber Lesern, die die Novelle noch nicht kennen, auf die einzelnen Aspekte genauer einzugehen, da sie die Überraschungsmomente und die Spannung wegnehmen würden.

Capote glingt jedenfalls das Meisterstück, all diese Themen in eine Art melancholische Sichtweise zu verpacken, die der Novelle diese ganz spezielle Atmosphäre verleiht. Die Tragik ist stets allgegenwärtig, doch Holly gelingt es immer wieder, sich zu behaupten. Sie ist eine Kämpfernatur, da sie von Anfang an hatte kämpfen müssen. Schließlich macht sie sich ihr Aussehen zunutze und verdient dadurch ihr Geld.

Man merkt regelrecht, dass der Erzähler bei Hollys rasantem Lebenswandel kaum oder so gut wie gar nicht mithalten kann. Er beobachtet völlig erstaunt und beinahe hilflos ihre spontanen Handlungen und merkt dabei zugleich, wie er sich in sie zu verlieben beginnt. Doch der Erzähler bewahrt, manchmal beinahe mit sich selbst ringend, die Distanz, so als sei ihm ihre Lebensart nicht ganz geheuer. Ist sie ihm zu wild, zu unberechenbar?

Truman Capote (1958)

Holly verhält sich gegenüber „Fred“ völlig anders als zu allen anderen Figuren. Sie mag ihn, seine zurückhaltende und zugleich hilflose Art scheint sie auf eine gewisse Art anzuziehen, sie aber keineswegs zu bändigen. Gleich am Anfang nennt sie ihn Fred, als zeichen für Leute, die sie gerne hat und die sie an ihren Bruder erinnern, der eingezogen wurde und nun an der Front in Europa kämpfen muss. Auf diese Weise bekommt der Erzähler so gut wie alles mit, was mit Holly und ihrem sprunghaften Leben zu tun hat. Doch gelingt es ihm nie, sie vor bestimmten Dingen zurückzuhalten. Sie lässt sich nichts sagen und hat es nicht gerne, wenn man sie mit der Wahrheit konfrontiert. Auf diese Weise wirkt Holly, als sei sie ständig auf der Flucht, und zwar auf der Flucht vor sich selbst.

Es scheint manchmal so, als versuchte Capote selbst, seine Figur wieder einzufangen, um sie im Rahmen der Handlung zu belassen, als versuchte er zu verhindern, dass Holly seine Geschichte übernimmt. Auf diese Weise entsteht eine ungeheure Lebendigkeit und Schnelligkeit, bei der man als Leser selbst aufpassen muss, dass man nicht aus der Puste kommt.

Wenn ich nur drei Bücher mit auf eine einsame Insel mitnehmen dürfte, so wäre „Frühstück bei Tiffany“ auf jeden Fall dabei. Es ist ein Buch, das man immer wieder liest, in das man sich immer wieder von neuem verliebt und das man vor allem immer wieder von neuem erleben kann. In der Tat gibt es nicht viele Romane oder Novellen, die man wirklich erlebt. Truman Capotes Meisterwerk ist solch eine wundervolle Ausnahme.

 

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„Der Seewolf“ war und ist der Klassiker der damaligen ZDF-Adventsvierteiler

Heute mag man es kaum glauben, doch in früheren Zeiten produzierte das ZDF hochkarätige Abenteuerfilme, die in der Regel zur Weihnachtszeit ausgestrahlt wurden. Das Besondere war, dass alle Filme vier Teile hatten, was letztendlich zum Namen Adventsvierteiler führte. Es handelte sich dabei um europäische Gemeinschaftsproduktionen, bei denen außer Deutschland auch noch Frankreich, Italien und Bulgarien beteilgt waren.

Begonnen hatte alles 1964 mit der Verfilmung „Robinson Crusoe“, in dem der bekannte österreichische Schauspieler und damalige Bravo-Star Robert Hoffmann die Titelrolle spielte. Es folgten beinahe jedes Jahr weitere Vierteiler, so im Jahr 1965 „Don Quijote“ und ein Jahr darauf „Die Schatzinsel“. 1967 blieb der erwartete Vierteiler aus, doch 1968 folgte „Tom Sawyer und Huckleberry Finns Abenteuer“ und 1969 „Die Lederstrumpferzählungen“.

Den Höhepunkt der Reihe erlebten die Adventsvierteiler aber mit dem absoluten Klassiker der ZDF-Produktionen, nämlich 1971 mit Jack Londons „Der Seewolf.“ Hauptdarsteller Raimund Harmstorf, der Kapitän Wolf Larson spielte, sagte bereits während der Dreharbeiten, dass die Kartoffel sein Schicksal werden würde.

Der erste Adventsvierteiler aus dem Jahr 1964

Gemeint ist damit die wohl berühmteste Szene des deutschen TV-Films: Wolf Larson, der in der Kombüse der Ghost steht, eine rohe Kartoffel aus dem Eimer nimmt und diese vor den Augen Humphrey van Weydens (gespielt von Edward Meeks) mit seiner rechten Hand zerquetscht. Es war die Szene, die bis heute für Gesprächsstoff sorgt und an die sich jeder erinnert, der damals den Film gesehen hat.

Zwar spielte Harmstorf auch noch 1976 in dem Vierteiler „Michael Strogoff“ die Titelrolle und später war er immer mal wieder in „Bud Spencer“-Filmen zu sehen, dennoch assoziierten ihn alle Zuschauer stets nur mit seiner Rolle des brutalen Wolf Larson und eben mit dieser unglaublich starken Szene.

Es folgten weitere Verfilmungen: „Cagliostro“ nach Alexandre Dumas, den das ZDF allerdings 1973 nur in drei Teilen ausstrahlte, die Jules Verne-Adaption „Zwei Jahre Ferien“ (1974), „Lockruf des Goldes“ (1975) und der bereits erwähnte „Michael Strogoff“ aus dem Jahr 1976. 1978 landete das ZDF mit der Stevenson-Adaption „Die Abenteuer des David Balfour“ einen erneuten Hit, dieses Mal auch in Sachen Musik. Denn die Titelmelodie wurde so bekannt, dass sie als Schallplatte veröffentlicht wurde. 1979 folgte eine weitere Jules Verne-Verfilmung mit dem Titel „Matthias Sandorf“.

Einer der letzten Vierteiler aus dem Jahr 1981

Danach näherte sich das Konzept der Adventsvierteiler so langsam dem Ende. Der Grund war, dass die Produzenten keine geeigneten Vorlagen mehr fanden, die man als Vierteiler hätte verfilmen können. So griff man 1980 zu William Godwins Klassiker „Caleb Williams“, der in Deutschland damals völlig unbekannt war, was sich dann durch die TV-Verfilmung schlagartig änderte. William Godwin war übrigens der Vater von „Frankenstein“-Autorin Mary Shelley.

Es folgten noch „Wettlauf nach Bombay“ (1981), „Der schwarze Bumerang“ (1982) und schließlich „Der Mann vom Suez“ (1983), wobei „Der schwarze Bumerang“ der einzige Vierteiler ist, der nicht auf einem Roman basiert. Danach folgten keine weiteren Vierteiler mehr. Es wurden zwar immer mal wieder Abenteuerfilme als Mehrteiler produziert, wobei „Das Geheimnis der Sahara“ (1987) am erfolgreichsten war und in einer umgeschnittenen Fassung sogar in die Kinos kam, doch mit den einzigartigen Adventsvierteilern war es aus.

Den Versuch eines Mehrteilers übernahm 2016/2017 RTL mit den Winnetou-Filmen, die durchaus ihren Reiz hatten und in die richtige Richtung wiesen, allerdings immer weniger Zuschauer bekamen. Daher ist die Frage groß, ob der Sender ein solches Projekt nochmals wiederholen wird. Das ZDF jedenfalls garantiert nicht, denn was dort heutzutage so produziert wird, darüber sollte man größtenteils lieber schweigen.

 

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