Influencer – Eine erstklassige Analyse über ein Krisen-Phänomen

Der freie Journalist Ole Nymoen und der YouTuber und Kritiker Wolfgang M. Schmitt betreiben seit längerer Zeit den Kanal „Wohlstand für alle“, auf dem sie auf präzise wie unterhaltsame Weise Entwicklungen und Phänomene in der Wirtschaft darstellen und analysieren. Nun haben beide ein Sachbuch über Influencer verfasst, in dem sie dieses umstrittene Phänomen auf hervorragende Weise untersuchen.

Dabei verorten sie die Anfänge des Phänomens in den 90er Jahren, in dem Filme mehr und mehr Produktplacing betrieben, um die Produktionen zu finanzieren. In zehn Kapiteln geht es dann durch die bizarre, teils dekadente Welt der Influencer. Dabei gehen sie nicht nur auf einzelne Fälle ein, sondern sehen in ihrer Analyse stets den Zusammenhang mit der gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Entwicklung.

So sehen die Konzerne und Werbefirmen Influencer als eine Art Heilsbringer, die den Kapitalismus aus seiner derzeitigen Krise führen könnten. In diesem Sinne nutzen sie diesen medialen Hype gnadenlos aus, denn durch die Influencer erreichen sie weitaus mehr Menschen als durch Anzeigen in der Zeitung oder durch Werbeclips im Fernsehen.

Ole Nymoen und Wolfgang M. Schmitt untersuchen Infuencer jedoch nicht nur auf einer soziologischen und wirtschaftwissenschaftlichen Ebene, sondern auch aus einer medienwissenschaftlichen Perspektive. Dabei stellen sie sich u. a. die Frage, was für Inhalte die Influencer in ihren Beiträgen auf YouTube und Instagram präsentieren und kommen dabei auf das Ergebnis, dass hier eine völlige Inhaltsleere gezeigt wird, eine radikale Oberflächlichkeit, in der es um nichts anderes als ums Shoppen geht. Man fühlt sich bei diesem Phänomen an John Carpenters SF-Film „Sie leben“ erinnert, wo die versteckten Botschaften stets „Konsumieren“ lauten. Denn nicht anders verhält es sich bei den Influencern, die ihren Zuschauern stets weismachen, dass man nichts anderes tun soll, als Geld ausgeben. Das Problem: viele, sogar sehr viele ihrer Follower richten sich nach diesem Motto, wobei es ihnen anscheinend auch nichts ausmacht, dass es in den Beiträgen ansonsten um nichts anderes geht. Sie machen sich sozusagen freiwillig zu Konsumopfern und sehen allein darin den Sinn ihres Lebens.

Der Indie-Regisseur Larry Fessenden sah vor wenigen Jahren in der zunehmenden Inhaltsleere der Blockbuster eine gesellschaftliche Krise aufkommen. Man könnte sagen, diese wird durch das Phänomen Influencer noch deutlicher. Ole Nymoens und Wolfgang M. Schmitts Buch „Influencer – Die Ideologie der Werbekörper“ ist ein Buch, dem man sich nicht entziehen kann. Auf überaus kompetente Weise liefern beide Autoren nicht nur eine Vielzahl an spannenden Informationen über dieses Phänomen, sondern überbringen diese zugleich in einer überaus unterhaltsamen Weise, wobei sie hier und da mit geradezu köstlichen ironischen Bemerkungen aufwarten. Kurz: ein Buch, das einen regelrecht umhaut.

Ole Nymoen/Wolfgang M. Schmitt: Influencer – Die Ideologie der Werbekörper. Suhrkamp Verlag 2021, 192 Seiten, 15 Euro

 

Stürmische Ernte – James Francos Versuch einer Adaption

Mit „Stürmische Ernte“ legte 2016 James Franco bereits seine 16. Regiearbeit vor. Dieses Mal versuchte er sich an John Steinbecks gleichnamigen Roman, in dem es um Wanderarbeiter geht, die während der Großen Rezession in Streik treten, um dadurch mehr Geld zu erhalten.

Der Film bleibt bei einem Versuch. Dies fängt schon damit an, dass Franco sich nicht entscheiden konnte, ob er nun den Film fürs Fernsehen oder fürs Kino drehen sollte. Dementsprechend wirkt die Optik des Films regelrecht unentschlossen. Das Vorhaben, eines epischen Werks ist schon allein dadurch zum Scheitern verurteilt.

Ein zweites Problem, das er Film hat, hängt mit Franco selbst zusammen, der darin gleichzeitig eine der beiden Hauptrollen spielt. Trotzdem er  die Hauptrolle innehat, versucht er beinahe krampfhaft, sich nicht in den Vordergrund zu drängen, was zur Folge hat, dass man nicht genau weiß, welche Geschichte Franco nun eigentlich erzählen möchte: die des Aktivisten Mac McLeod (James Franco) oder die seines Freundes Jim Nolan (Nat Wolff).

Die Folge davon ist, dass beide Figuren darunter leiden und beide dadurch an Interesse verlieren. Zwar enthält „Stürmische Ernte“ durchaus dramatische und spannende Momente, doch überwiegt im Groben und Ganzen Francos Unsicherheit. Auf diese Weise wird man nicht wirklich in die Geschichte hineingezogen, sondern bleibt als reiner Beobachter davor stehen.

Klarerweise ist ein Film, der sich mit dem Schicksal der Wanderarbeiter der 30er Jahre beschäftigt, verbunden mit einer starken Kapitalismuskritik. Damals entstanden in den USA verschiedene sozialistische und kommunistische Bewegungen, die teilweise untereinander zerstritten waren. Geient hat alle lediglich der Umstand, dass sie von den Behörden und der Polizei auf brutalste Weise gejagt und misshandelt wurden.

Franco stellt dies in Ansätzen auch richtig dar und sein Film ist auch eine klare Ansage gegen die Auswüchse des Kapitalismus. Doch Franco scheint sich auch hier rechtfertigen zu müssen. Denn immer mal wieder schreit jemand „Ich bin kein Kommunist!“ und dies auf eine solche Weise, als würde Franco selbst dies gegenüber dem Publikum klar machen wollen, was an manchen Stellen ein bisschen lächerlich wirkt.

Insgesamt wirkt daher „Stürmische Ernte“ eher unbeholfen. Hier muss man unbedingt noch ein Wort über die Zugfahrt verlieren, bei der Mac und Jim an der offenen Wagontür sitzen. Der Wagon bewegt sich kein bisschen, nur die Windmaschine bläst ein hauchzartes Lüftchen und die Kamera fährt immer mal wieder hin und her. Eine solche schlecht gemachte Szene habe ich, muss ich ehrlich sagen, schon lange nicht mehr gesehen.

Nein, James Francos Steinbeck-Adaption möchte einfach nicht gefallen. Der Regisseur macht einfach zu viel falsch. Das liegt nicht daran, dass das Budget gering war, sondern dass Franco nicht wusste, wie er den literarischen Stoff umsetzen sollte.

Stürmische Ernte (OT: In Dubious Battle). Regie u. Produktion: James Franco, Drehbuch: Matt Rager, Darsteller: James Franco, Nat Wolff, Selena Gomez, Robert Duvall, Ed Harris, Sam Shepard, Vincent D’Onofrio. USA 2016, 114 Min.

Öl! – Upton Sinclairs Abrechnung mit dem Kapitalismus

Cover der Neuübersetzung

Oil! lautet der bekannteste und erfolgreichste Roman von Upton Sinclair aus dem Jahr 1927. Der Roman entwickelte sich schnell zum Skandal, da Sinclair darin u. a. über Sex vor der Ehe schrieb, was in den damaligen Medien als geradezu unerhört galt. Der Roman wurde zensiert, Sinclair jedoch verkaufte die Originalfassung selbst auf den Straßen Bostons. Als kleiner Gag hatte er sich ein großes, aus Pappe gefertigtes Feigenblatt umgehängt, um sich lustig über die Moralapostel zu machen.

Diese als Fig Leaf Edition bekannte Ausgabe wurde in Deutschland unter dem Titel Petrolium veröffentlicht. Der Malik Verlag hatte sich einen Spaß erlaubt und ein Lesezeichen eingebunden, das mit einem Feigenblatt versehen war. So konnten die Leser, so lautete die damalige scherzhafte Werbung, die moralisch bedenklichen Stellen mit eben diesem Feigenblatt abdecken.

Cover der Erstausgabe von 1927

Durch diesen Skandal geriet das eigentliche Thema des Romans beinahe aus dem Blickfeld. Öl!, so der Titel der deutschen Neuübersetzung, ist Upton Sinclairs Abrechnung mit dem kapitalistischen System und orientiert sich an tatsächlichen Begebenheiten. Es geht um den Ölbaron James Arnold Ross, der in dem Roman hauptsächlich nur Dad genannt wird, und seinen Sohn James Arnold Ross Jr., von allen Bunny genannt. Dad hat sich vom Maultiertreiber über einen Kramladenbesitzer bis zu einem reichen Besitzer diverser Ölquellen hochgearbeitet und hofft, dass Bunny das Unternehmen weiterführen wird.

Bunny jedoch hat anderes im Sinn. Von Anfang an bemerkt er die soziale Ungerechtigkeit, die von den Ölbossen aufrechterhalten wird, um an billige Arbeitskräfte zu gelangen. Durch die (schwierige) Freundschaft mit Paul Watkins, der in einer bitterarmen Farmerfamilie aufgewachsen ist und nun als Freidenker durch die Lande zieht und sich dabei mehr und mehr zum Kommunismus hingezogen fühlt, beschäftigt sich auch Bunny mit den sozialistischen Theorien und setzt alles daran, um die Bedingungen, unter denen die Arbeiter auf den Ölfeldern arbeiten müssen, zu verbessern.

Upton Sinclair beim Verkauf der „Fig Leaf Edition“ in Boston

Den Konflikt, der dadurch zwischen Dad und Bunny entsteht, nutzt Sinclair, um eine vehemente Kritik am kapitalistischen System der USA einzuflechten. Dabei geht er teils satirisch, teils anklagend vor, schreibt aber vor allem einen der wohl packendsten Romane, die jemals verfasst wurden.

Zwar lässt sich Upton Sinclair anfangs Zeit, um seine beiden Hauptfiguren vorzustellen, doch danach reißt einen der Roman regelrecht mit. Bunny ist hin und her gerissen zwischen seinen Pflichten gegenüber seinem Vater und seinem Drang, die Welt zu verbessern. In der High Society stoßen seine sozialen Verbesserungsvorschläge nur auf Hohn und Spott. Dennoch setzt er seinen Weg fort, gründet eine linke Studentenzeischrift und hilft bei der Organisation der ersten Gewerkschaften mit.

Die Ölmagnaten jedoch wollen diese Entwicklung mit allen Mitteln unterdrücken und senden brutale Schlägertrupps zu den Versammlungen. Parallel dazu schildert der Roman die Entwicklung von Paul Watkins zum Gewerkschaftsführer. Im Ersten Weltkrieg kommt er bis nach Sibirien, wo er mitansehen muss, auf welche grausame Weise die gesellschaftliche Entwicklung in Russland vorangeht, währenddessen US-Konzerne den blutigen Konflikt am Laufen halten wollen, um durch den Verkauf von Waffen weiter Geld scheffeln zu können.

Die mehr als 700 Seiten liest man praktisch in einem Zug durch, so sehr lässt einen die Handlung nicht mehr los. Im Gegensatz zu seinem darauffolgenden Roman Boston, der doch gewisse Längen aufweist, ist Öl! ein durch und durch spannendes Buch, das heute eigentlich zur Pflichtlektüre werden müsste, wenn man die derzeitgen Entwicklungen betrachtet. Denn das, was Upton Sinclair 1927 über die zerstörerische Kraft des Kapitalismus schrieb, hat im Trump-Zeitalter bzw. im Zeitalter des Populismus nichts von seiner Aktualität verloren.

2007 wurde der Roman übrigens unter dem Titel There will be Blood verfilmt, auch wenn es sich um eine sehr lose Adaption handelt.

Der Winter unseres Missvergnügens – John Steinbecks letzter Roman

Kommt man im Leben weiter, wenn man sich an die moralischen Grundsätze hält? Diese Frage beschäftigt Ethan Allen Hawley, der als Verkäufer in einem kleinen Lebensmittelgeschäft arbeitet. Seine Familie war reich gewesen, jedenfalls so lange, bis sein Vater das ganze Vermögen verloren hat. Außer Geld und Land verlor die Familie eben auch den Laden, in dem Ethan nun angestellt ist.

Ethan versucht, sich nichts aus Geld zu machen. Doch nagen an ihm immer wieder Gewissensbisse, wenn er an seine Frau Mary und seine Kinder denkt. So sind sie die einzige Familie in New Baytown, die keinen Fernseher besitzt. Doch alles ändert sich, als Marys Freundin Marge ihr die Karten legt und dabei prophezeit, dass sie großer Reichtum erwartet. Und als der Bankangestellte Joey Morphy ihm erklärt, wie man am besten eine Bank überfällt, keimt in Ethan nach und nach ein Plan.

„Der Winter unseres Missvergnügens“, John Steinbecks letzter Roman aus dem Jahr 1961, nimmt eine Thematik vorweg, die in den 70er Jahren eine zentrale Rolle in Büchern und Filmen spielen sollte: Das Hinterfragen gesellschaftlicher Werte in den USA, verbunden mit einer Kritik am Kapitalismus.

Nachdem sich Ethan einmal dazu entschlossen hat, zu Geld zu kommen, nimmt das Drama seinen Lauf. Und genau hier stellt sich Steinbeck auch immer wieder die Frage, wie Kapitalismus eigentlich funktioniert. Seine Antwort lautet: Menschen, die sich an die moralischen Vorstellungen halten, kommen nicht weit. Wer es in den USA zu etwas bringen möchte, muss sich ganz und gar unmoralisch verhalten, bis er seine Ziele erreicht hat.

Auf diese Weise bleibt es nicht nur bei Ethans Plan, die Bank auszurauben. Sein Verhalten wird von Mal zu Mal verwerflicher und hinterhältiger, selbst seinem Freund, dem Obdachlosen Danny, gegenüber.

Eingewebt in John Steinbecks wunderbare Sprache, ergibt sich daraus eine intensive Tragödie, die präzise Ethans moralischen Unter- oder Werdegang schildert. Besonders stechen hierbei die großartigen Dialoge hervor, welche den Figuren eine besondere Lebendigkeit verleihen. Man gleitet regelrecht durch diesen tollen Roman und kann dabei kaum innehalten, da man stets wissen möchte, wie die Geschichte weitergeht. Und durch seine Thematik wirkt „Der Winter unseres Missvergnügens“ heute aktueller denn je.

John Steinbeck. Der Winter unseres Missvergnügens. Manesse Verlag 2018, 604 Seiten, 25 Euro, ISBN: 978-3-7175-2432-8

 

 

The 80s: Society (1989)

societyProduzent und Regisseur Brian Yuzna ist hauptsächlich durch seine irrwitzige Lovecraft-Adaption „Reanimator“ (1984) bekannt. Schon damals bewies er, dass man ihm in Sachen Puppen- und Make Up-Effekte nichts vormachen muss. Dieser gelungenen Achterbahnfahrt setzte Yuzna 1989 mit „Society“ noch eines oben drauf.

Es geht darin um den Schüler Bill Whitney, dem in seiner Familie und seiner Nachbarschaft plötzlich seltsame Dinge auffallen. Seine Schwester soll in die Gesellschaft aufgenommen werden. Ein großer Abend ist geplant. Doch wieso verhalten sich Bills Eltern und seine Schwester auf einmal so anders? Und vor allem, was ist eigentlich die Gesellschaft? Bill möchte hinter das Geheimnis kommen und gerät dabei in Lebensgefahr …

Brian Yuzna arbeitete immer wieder mit dem japanisch-amerikanischen Effektkünstler Screaming Mad George zusammen, der für seine bizarren und außergewöhnlichen Make Up- und Puppeneffekte bekannt ist. In „Society“ durfte er seinen Hang zum Surrealismus mal so richtig ausleben. Kein anderer Film kommt den Transformationen, die in „Society“ gezeigt werden, auch nur im Ansatz nahe. Was Screaming Mad George kreierte, lässt sich im Grunde genommen nicht beschreiben. Es ist geradezu einzigartig. Yuzna sagte später in einem Interview, dass die Transformationsszenen auf seinen eigenen Albträumen basierten.

Doch ist „Society“ kein Film, der allein um der Effekte willen gedreht wurde. Das Gegenteil ist der Fall, denn Brian Yuzna liefert mit diesem Klassiker des Horrorfilms eine bitterböse Satire auf Kapitalismus und Gesellschaft. Habgier und Rücksichtslosigkeit kennzeichnen die „Gesellschaft“ in Yuznas teilweise an das Paranoia-Kino der 50er Jahre angelehnten Film. Und natürlich das sich gegenseitge Anbiedern und Anschleimen, um an seine eigenen Ziele zu kommen. Besonders letzterem hat der Film ein eindeutiges Denkmal gesetzt. Muss man eigentlich erwähnen, dass die FSK-Stelle den Film 1990 indizierte? Es ist erstaunlich, dass vor allem Horrorfilme, deren Sozialkritik eindeutig erkennbar ist, unseren FSKlern ein Dorn im Auge sind. Erst 2010 wurde die Indizierung aufgehoben. Die Kritik, die „Society“ übt, ist, trotz ihrer herrlichen Ironie und des schwarzen Humors, überaus ernst gemeint und heute aktueller denn je, was den Film zeitlos erscheinen lässt.

Society. Regie: Brian Yuzna, Drehbuch: Woody Keith, Rick Frey, Produktion: Paul White, Darsteller: Billy Warlock, Devon Devasques, Evan Richards, Ben Meyerson, Charles Lucia. USA 1989, Laufzeit: 95 Min.

Sunny Hill oder Erfolg mit Antikapitalismus

Die K-Pop-Gruppe Sunny Hill begann eigentlich völlig unoriginell: Ein paar kitschige Liebeslieder und damit hatte es sich. Der Erfolg war zwar da, doch die Gruppe war nun einmal Durchschnitt. Aber was danach aus der Gruppe gemacht wurde, ist durchaus erwähnenswert.

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Die Formation Sunny Hill in einem Danceshot aus „Monday Blues“.

Die Formation bestand aus vier Sängerinnen und dem Sänger Janghyun, wobei letzterer auch die Songs schrieb. Zurzeit besteht Sunny Hill nur aus den vier Sängerinnen. Der radikale Wandel der Gruppe vollzog sich, nachdem sie die Produktionsfirma gewechselt hatten. Seit 2011 wird Sunny Hill von Leon Entertainment produziert. Radikal war der Wandel deswegen, da von dem vorangegangenen Konzept nichts mehr übrig blieb. Im Gegenteil, die brave Strahlemann-Gruppe wurde zu einer düsteren, mit sozialkritischen Themen ausgestatteten K-Pop-Group.

Gleich ihre erste Single „Midnight Circus“ wurde ein riesiger Erfolg, das surreale Musikvideo mehrfach ausgezeichnet. Mit ihrem Folgevideo „Pray“ produzierten sie einen Medienskandal. Der Clip zeigt Experimente an einem deformierten Menschen. Das Musikvideo wurde für unmoralisch erachtet und indiziert, obwohl auch hier Film- und Musikkritiker den kunstvollen Gehalt des Clips über alle Maßen lobten.

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„Grasshopper Song“ setzt auf kafkaeske Büro- und Arbeitswelten.

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Der Protagonist möchte aus dieser Welt ausbrechen.

Schließlich gelangte Sunny Hill mit „Grasshopper Song“ wiederum ein enormer Erfolg. Zugleich startete die Gruppe in ihre antikapitalistische Phase. Der Song handelt von sinnloser Gleichförmigkeit in der Arbeitswelt und dem Wunsch daraus auszubrechen. Das Video besticht durch eine kafkaeske Sicht auf den Alltag eines Angestellten, der zum Schluss seine sieben Sachen packt und der Eintönigkeit entflieht. Trotz der scharfen Kritik am Kapitalismus gelangte der Song in die Top 10 der koreanischen Charts. In Südkorea, einem Land in dem Kapitalismus und Konfuzianismus eine untrennbare Verbindung eingegangen sind, ist dies durchaus erstaunlich.

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In „Waiting for the Prince“ geht es um Äußerlichkeiten, welche das Leben bestimmten.

Auch der nächste Song „Waiting for the Prince“ machte in Sachen Sozial- und Kapitalismuskritik keine halben Sachen. Es geht darum, immer der Beste sein zu müssen. Die Gruppe macht sich lustig über diesen Erfolgsstress, der sich bis hinein ins Intimleben fortsetzt. In kurzen Szenen werden skurrile Nominierungen gezeigt, in denen die Sängerinnen Opfer eines Rituals werden, das von niemandem hinterfragt wird und ohne Rücksicht auf Verluste das Leben bestimmt. Zum Schluss des Clips wird ein großes A – als Symbol für das Erfolg-haben-müssen – in den Müllwagen befördert.

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„Monday Blues“ macht sich lustig über den Büroalltag.

Mit „Monday Blues“ setzte Sunny Hill seine Kritik an Wirtschaft und Gesellschaft fort. In dem Clip wird der Büroalltag aufs Korn genommen. Mit viel Witz und Ironie werden so ernste Themen wie völlige Erschöpfung (neudeutsch Burn Out), sinnlose Aufgaben, soziale Konflikte und sexuelle Übergriffe am Arbeitsplatz angesprochen. Der Clip endet damit, dass sämtliche Mitarbeiter aus dem „Gefängnis“ des Büroalltags ausbrechen. In einer der radikalsten Szenen des Clips kniet der Bürochef am Boden, dabei hächelnd wie ein braver Hund, wobei ihm eine der Sängerinnen den Kopf tätschelt.

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Szene aus dem Hook des Clips „Monday Blues“.

Sunny Hill ist eindeutig eine Ausnahmegruppe innerhalb des K-Pops. Ihre düstere Weltsicht verpacken sie in Videos, die vollgepackt sind mit direkter Kritik an der koreanischen Gesellschaft und an der kapitalistisch geprägten Lebenswelt. Dass die Formation mit antikapitalistischen Statements einen so großen Erfolg erzielt, ist mehr als nur überraschend, besteht doch der Hauptteil der K-Pop-Clientel aus Jugendlichen, welche sich, kritisch gesprochen, im besten „Konsum-Animierungs“-Alter befinden und sich keine Gedanken darüber machen, was es mit dem reinen Kapitalismus auf sich hat. In TV-Dokumentationen sind zwar immer wieder kritische Töne hör- und sehbar, doch hat man Angst, zu direkt zu werden (so kritisierte eine koreanische Doku aus dem Jahr 2013 zwar den US-amerikanischen und chinesischen Kapitalismus, nicht aber den koreanischen. In der Tat wurde Südkorea überhaupt nicht erwähnt). Ein Gegensatz besteht dabei im modernen koreanischen Film, bei dem Kapitalismuskritik quasi zum guten Ton gehört. Dass jedoch in Mainstream-Songs darauf eingegangen wird, ist durchaus mutig und zeigt, dass Sunny Hill ernst genommen werden muss. Man darf gespannt sein, auf welche Weise sie in zukünftigen Songs und Clips ihren Hang zur Kapitalismuskritik fortsetzen werden.