The 80s: Shogun (1980)

Blackthorne (Richard Chamberlain) und Marika (Yoko Shimada) am Hof des Fürsten; „Shogun“ (1980); © CBS/Paramount

James Clavell (1924 – 1994) lieferte die literarische Vorlage für die längst zum Klassiker gewordene TV-Serie „Shogun“. Der Roman erschien 1975 und wurde wie alle seine Bücher (z.B. Noble House Hong Kong – 1988 verfilmt mit Pierce Brosnan) zu einem Bestseller. Die TV-Serie führte sozusagen dazu, dass auch die Leute den Namen James Clavell kannten, die keine Bücher lesen.

„Shogun“ war damals eine echte Sensation und hat auch heute nichts von seinem Reiz verloren. Als ich kürzlich die Serie nochmals gesehen habe, war ich erstaunt, an wie viele Szenen ich mich noch erinnern konnte. Von Serie zu sprechen, ist eigentlich nicht ganz richtig. Denn im Grunde genommen handelt es sich um einen mehr als zehnstündigen Spielfilm.

Es geht um den englischen Navigator John Blackthorne, dessen Schiff im Jahr 1600 vor der Küste Japans auf Grund läuft. Blackthorne und seine Mannschaft werden sofort gefangengenommen. Kurz darauf aber wird Blackthorne frei gelassen und an den Hof des Fürsten Yoshi Toranaga gebracht, wo er zum Samurai aufsteigt. Doch Blackthornes Beziehung zu der hübschen Mariko ist vielen ein Dorn im Auge. Währenddessen werden die Anzeichen für einen neuen Krieg zwischen den Feudalherren immer deutlicher.

Sowohl Roman als auch Serie basieren auf historischen Tatsachen. William Adams (1564 – 1620), wie die Hauptfigur ebenfalls Navigator, kam im Jahr 1600  nach Japan, wo er als erster Nicht-Japaner zum Samurai ernannt wurde.

Toshiro Mifune als Fürst Toranaga; „Shogun“ (1980); © CBS/Paramount

Eigentlich hätte Sean Connery die Hauptfigur John Blackthorne spielen sollen, sagte jedoch ab, da er nicht nach Japan wollte. Stattdessen wurde Richard Chamberlain engagiert, den Clavell erst nicht mochte, der dann aber über seine Darstellung Blackthornes überaus begeistert war. Der japanische Schauspieler Toshiro Mifune, der bis dahin vor allem durch seine Zusammenarbeit mit Akira Kurosawa bekannt gewesen war, erlangte durch seine Rolle des Fürsten Toranaga internationale Bekanntheit. Mariko wird von Yoko Shimada gespielt, die in „Crying Freeman“ (1995) Marc Dacascos‘ Gegenspielerin war, ansonsten war ihre weitere Karriere, trotz ihrer sehr guten Englischkenntnisse, auf Japan beschränkt. Für ihre Rolle der Dame Mariko wurde sie 1980 mit dem Golden Globe ausgezeichnet. Richard Chamberlain erhielt ebenfalls einen Golden Globe für die beste männliche Hauptrolle.

„Shogun“ verbindet alles, was einen erstklassigen Film ausmacht: Spannung, Action, eine komplexe Handlung und eine unglaubliche Tiefe der Charaktere. Unerreicht finde ich, ist die zarte und dennoch überaus dramatische Liebesbeziehung zwischen Blackthorne und Marika.

Das Besondere an der Serie ist nicht nur, dass sie an Originalschauplätzen in Japan gedreht wurde, sondern dass die japanischen Dialoge nicht übersetzt wurden und es auch keine Untertitel gibt. Auf diese Weise wollte Regisseur Jerry London die außergewöhnliche Situation, in der sich Blackhtorne befindet, so darstellen, dass sich der Zuschauer besser in die Hauptfigur hineinversetzen kann, was tatsächlich funktioniert. Zugleich zeigt der Film, wie Blackthorne nach und nach die japanische Sprache und die Kultur lernt. Heutige Serien würden sich besonders für diese Aspekt nur wenig Zeit lassen. „Shogun“ jedoch geht hierbei auf fast minutiöse Weise vor, wobei auch der Humor nicht zu kurz kommt.

Keine andere Serie befasste sich so sehr mit der japanischen Geschichte und der damaligen Kultur wie eben „Shogun“. Die Serie kratzt nicht einfach an der Oberfläche, sondern taucht tief in die Gedankenwelt und kulturellen Merkmale ein, was „Shogun“ für jeden, der an Japan und dessen Geschichte interessiert ist, zur Pflicht macht. Interessanterweise floppte die Serie ausgerechnet in Japan. Dort interessierte man sich damals nicht so sehr für das Thema, ganz im Gegenteil zu Europa und den USA, wo die Serie Kultstatus erreichte.

Shogu. Regie: Jerry London, Drehbuch: Eric Bercovici, Produktion: James Clavell, Eric Bercovici, Darsteller: Richard Chamberlain, Toshiro Mifune, Yoko Shimada, John Rhys-Davis. USA/Japan 1980

The 80s: Straßen in Flammen (1984)

Tom (Michael Páre) und Ellen (Diane Lane); „Streets of Flame“ (1984); © Universal Pictures

Es gibt Filme, die filmhistorisch bedeutsam sind, zur Zeit ihrer Veröffentlichung aber gnadenlos floppten. Dieses Schicksal „genießt“ Walter Hills Mischung aus Motorradgang- und Noir-Film „Streets of Fire“ aus dem Jahr 1984.

Damals spielte der Film gerade einmal die Hälfte seiner Produktionskosten ein. Heute zählt der Film zu den bedeutensten der 80er Jahre. Grund dafür ist, dass damals ein neuartiges Filmmaterial verwendet wurde, womit Nachtaufnahmen praktisch ohne zusätzliche Beleuchtung gedreht werden konnten, was zur außergewöhnlichen Farbgebung des Film und auch späterer Filme beitrug.

„Straßen in Flammen“ ist in einer Quasi-50er-Jahre-Epoche angesiedelt, vermischt diese Elemente jedoch mit dem Stil der 80er Jahre. Es geht um die Bomber, eine Motorradgang, die eine Stadt terrorisiert. Eines Tages entführt Raven, der Anführer der Gang, die Sängerin Ellen. Dies führt dazu, dass Reva ihren Bruder Tom bittet, in die Stadt zu kommen, um zu helfen, Ellen aus den Fängen der Gang zu befreien. Tom kommt der Bitte nach, immerhin war Ellen früher einmal seine Freundin. Schließlich stehen sich Raven und Tom gegenüber …

Wer einmal Willem Defoe in schwarzer Latexlatzhose sehen möchte, der ist bei „Straßen in Flammen“ genau richtig. Eigentlich ist das Kostüm eich echter Hingucker und stellt alles andere in den Schatten, besonders, da Defoe darin wie ein wirklicher Bösewicht aussieht. Doch unabhängig davon, spielt Willem Defoe als Raven so ziemlich alle übrigen Schauspieler gegen die Wand. Sogar Rick Moranis, der hier ausnahmsweise nicht für die Comedyeinlagen zuständig ist, sondern Billy Fish, einen schleimigen Manager, der es nur aufs Geld abgesehen hat, spielt. Allerdings nimmt man ihm die Rolle nicht ganz ab, irgendwie wirkt er immer wieder unbeholfen.

Ein Beispiel für die großartige Optik des Films; „Streets of Flame“ (1984); © Universal Pictures

Wirklich hervorragend ist allerdings die Optik des Films, die gekonnt den klassischen Noir-Stil mit den Neonfarben der 80er Jahre vermischt, was dazu führt, dass hin und wieder ein in leichten Ansätzen „Blade Runner“-artiges Gefühl aufkommt. Sehr gut choreographiert sind die einzelnen Actionsequenzen. Für den Endkampf zwischen Raven und Tom benötigte die Crew ganze zwei Wochen, bis er im Kasten war.

Walter Hill überließ praktisch nichts dem Zufall, sondern sorgte dafür, dass auch wirklich alles genauso funktionierte, wie er es haben wollte. Diese Sorgfalt führt letztendlich zu den großartigen Bildkompositionen, in denen der Film geradezu schwelgt und für die „Straßen in Flammen“ berühmt geworden ist.

The 80s: The Big Blue – Im Rausch der Tiefe (1988)

1988 konnte Regisseur Luc Besson endlich das Projekt realisieren, an dem er 10 Jahre lang hingearbeitet hatte: den Taucherfilm „Le Grand Bleu“. Besson, der früher selbst als Tauchlehrer gearbeitet hatte, erzählt darin die Geschichte der beiden Extremtaucher Jacques Mayol und Enzo Molinari, die seit ihrer Kindheit befreundet sind und nun gemeinsam an internationalen Tauchwettbewerben teilnehmen.

Der Film entwickelte sich innerhalb kurzer Zeit zum Kultfilm, der allein in Frankreich ein ganzes Jahr lang im Kino lief. Die damalige Version hatte eine Länge von etwa zwei Stunden. Inzwischen allerdings gibt es den Director’s Cut mit einer Länge von etwa 164 Minuten.

„The Big Blue“, so der internationale Verleihtitel, lieferte die Grundlage für die weitere Karriere des Regisseurs, als auch seines Hauptdarstellers Jean Reno. Nur Jean Marc Barr, der den introvertierten Jacques spielt und dafür viel Anerkennung erhielt und damals als erotischter Mann galt, konnte durch den Film seine Karriere nicht wirklich in Schwung bringen. Inzwischen aber ist er nicht nur als Schauspieler, sondern auch als Regisseur tätig.

Dem Film merkt man von der ersten Sekunde Luc Bessons Leidenschaft an der Thematik an. Die grandiosen Bilder wirken geradezu berauschend, die ganze Optik des Films ist eine einzige Wucht. Egal, ob auf oder unter dem Wasser, Luc Besson schafft dabei grandiose Bilder, die zwischen hypnotisch und märchenhaft wirken. Und dabei natürlich darf die Farbe Blau nicht unerwähnt bleiben, die in unterschiedlichen Abstufungen fast alle Szenen bestimmt.

Jean Reno und Jean Marc Barr ließen sich bei den grandiosen Tauchszenen keineswegs doubeln, sondern führten diese selbst aus, nachdem sie ein Tauchtraining absolviert hatten. Im Film tauchen beide bis zu 120 Meter tief – in der Realität waren es immerhin 40 Meter. Untermalt werden diese Szenen von der Musik Eric Serras, dessen Synthisizerklänge längst zum Klassiker geworden sind. Die Ouvertüre zu „Im Rausch der Tiefe“ gilt bis heute als einer der prägendsten und faszinierendsten Filmmelodien. Aus welchem Grund auch immer, ersetzte der US-Verleih die Originalmusik durch Musik von Toni Conti. Auch wurde für die US-amerikanischen Kinos das Ende umgeschnitten. Amis brauchen nun einmal ihr Happy End.

„The Big Blue“ gehört nicht nur zu den Klassikern des Kinos der 80er Jahre, sondern ist einer der Filmklassiker schlechthin. Egal, wie oft man ihn bereits gesehen hat, er ist immer wieder faszinierend und beeindruckend, ja, einfach wunderschön.

The Big Blue – Im Rausch der Tiefe (OT: Le Grand Bleu). Regie, Produktion, Drehbuch: Luc Besson, Darsteller: Jean Reno, Jean Marc Barr, Rosanna Arquette. Frankreich 1988, 164 Min.

 

 

The 80s: Das fliegende Auge (1982)

Szene aus „Das fliegende Auge“ (USA 1982); © Sony Pictures/Columbia Pictures

Die Frage lautet, welcher Film aus den 80er Jahren denn kein Klassiker ist? Einen Film aus diesem Jahrzehnt zu finden, der nicht auf irgendeine Weise prägend gewesen wäre, ist fast unmöglich. Egal ob Mainstream, Arthouse oder Trash, die 80er Jahre beeinflussen bis heute die Art und Weise und den Stil des Filmemachens.

Hierbei natürlich auch das Actiongenre. 1982 drehte John Badham den Thriller „Das fliegende Auge“, dessen Titel im Original „Blue Thunder“ lautet, und landete damit einen Riesenerfolg. Das Drehbuch stammte von Dan O’Bannon, der unter anderem auch das Drehbuch für den SF-Klassiker „Alien“ verfasst hat. In der Hauptrolle brilliert Roy Scheider, der durch Spielbergs „Der weisse Hai“ einen deutlichen Karriereschub erfuhr.

Gleich zu Anfang wird erwähnt, dass alle technischen Aspekte, die in dem Film vorkommen, tatsächlich existieren. Und dennoch wirkte die Thematik damals noch wie Science Fiction – jedenfalls für mich, als ich den Film damals gesehen hab. Heute dagagen wirkt der Film auf berunruhigende Weise real, da sich immer mehr Staaten in Überwachungsstaaten transformieren.

Kinoplakat von „Das fliegende Auge“

Und da wären wir auch schon mitten in der Handlung. Es geht nämlich um den Polizisten Frank Murphy, der als Helikopterpilot die Straßen Los Angeles‘ von oben überwacht. Eines Tages erhält die Polizeizentrale einen neuen Helikopter, den sie testen soll. Die Maschine besitzt nicht nur hochempfindliche Mikrophone, um Gespräche abzuhören, sondern kann auch mithilfe von Spezialkameras durch Wände filmen. Und: der Helikopter ist mit mehreren Waffen ausgestattet.

Murphy kommt bei einem dieser Probeflüge einer Staatsverschwörung namens „Thor“ auf die Spur. Im spanischen Viertel von Los Angeles soll eine Revolte angezettelt werden, um den Helikopter als Probeversuch einsetzen zu können …

Um es gleich zu sagen: „Das fliegende Auge“ ist unglaublich spannend inszeniert. Das erste Viertel des Films zeigt Murphy bei seinem Arbeitsalltag, während er über die Stadt hinwegfliegt und dabei seinen Kollegen bei der Verbrecherjagd hilft. Schon allein diese Szenen sind genial gefilmt und besitzen eine überaus dichte Atmosphäre.

Als dann auch noch der neue Helikopter Blue Thunder ins Spiel kommt, entwickelt sich der Film zu einem echten Actionhighlight. Etwas mehr als 20 Minuten dauert dann auch der packende Showdown, in dem Murphy mit Blue Thunder zwischen den Hochhäusern herumsaust, während er von zwei Kampfjets verfolgt wird.

Wie bereits erwähnt, sind die Action und die Spannung hochgradig gut inszeniert. Nicht weniger großartig ist die eingewebte Kritik an der Überwachungstechnik und das rücksichtslose Vorgehen seitens der Politik (heute müsste man diverse Konzerne hinzuzählen), diese auf eine Weise einzusetzen, um damit auch unbescholtene Bürger zu kontrollieren. Wie oben bereits erwähnt, ist speziell dieser Aspekt des Films heute noch aktueller als damals und sorgt dabei für ein ungutes Gefühl. Denn das, was damals noch eher wie ein düsterer Blick in eine noch düsterere Zukunft gewirkt hat, ist heute düstere Realität.

Das fliegende Auge (OT: Blue Thunder). Regie: John Badham, Drehbuch: Dan O’Bannon, Don Jakoby, Produktion: Gordon Carroll, Darsteller: Roy Scheider, Warren Oates, Candy Clark, Daniel Stern, Malcom McDowell. USA 1982, 105 Min.

The 80s: The Stepfather (1986)

stepfather„Kill Daddy Kill“ lautete in den 80er Jahren der Alternativtitel zu „The Stepfather“. Wie immer brachte dies Pädagogen und Elterninitiativen außer Rand und Band, die ja bereits mit ihrem Slogan „Mama, Papa, Zombie“ in der ersten Hälfte der 80er Jahre auf die angebliche Schädlichkeit von Horrorfilmen aufmerksam machen wollte. Ein weiteres Mal hatte das Horrorgenre gegen sein schlechtes Image zu kämpfen. „The Stepfather“ wurde indiziert. Erst vor wenigen Jahren wurde die Indizierung aufgehoben.

Der Film handelt von Jerry Blake, einem Psychopathen, der auf der Suche nach der perfekten Familie ist. Da trifft er auf Susan Maine, die zusammen mit ihrer Tochter Stephanie in einer netten Vorortsiedlung wohnt. Bereits nach kurzer Zeit heiraten Jerry und Susan. Ihr neuer Ehemann gilt geradezu als vorbildlich. Doch der Schein trügt. Denn Stephanie kann ihn nicht leiden. Dies bringt Jerry immer mehr in Rage.

Was dem Zuschauer hier geboten wird, ist der etwas andere Familienfilm. „The Stepfather“ ist Psycho-Thriller und Gesellschaftssatire zugleich. Er macht sich lustig über das suburbane Spießertum der US-amerikanischen Mittelschicht, indem er ausgerechnet einen völlig gestörten Serienmörder als jemanden auftreten lässt, der nach dem perfekten Familienglück strebt. Dies sorgt für viele ironische Momente und ein paar äußerst schwarzhumoriger Gags. Dabei kommt auch die Spannung nicht zu kurz. Denn Jerry Blake ist eine tickende Zeitbombe. Alles, was nicht in sein Schema einer vorbildlichen Familie passt, treibt ihn sofort in den Wahnsinn. Mit Stephanie, einer pubertierenden Jugendlichen, stößt er hierbei an seine Grenzen. Denn sie ist ständig am Nörgeln und möchte nichts lieber, als dass Jerry endlich wieder verschwindet.

„The Stepfather“ gehört inzwischen zu den Klassikern des 80er Jahre Horrorfilms. Wie auch „Nightmare on Elmstreet“, „Bloody Valentine“ oder „Poltergeist“ blickt er hinter die ruhigen Fassaden der Vororte der Post-Hippie-Ära. Im Gegensatz zu den oben genannten Filmen ist „The Stepfather“ allerdings kein Teeny-Slasher, sondern ein reiner Psychopathenfilm. Terry O’Quinn haucht der Figur des Jerry Blake ein wirklich fieses Eigenleben ein. Sein Spruch „Wer bin ich hier?“ ist inzwischen einer der bekanntesten des Horrorfilmgenres.

The Stepfather, Regie: Joseph Ruben, Drehbuch: Caroline Lefcourt, Donald E. Westlake, Produktion: Jay Benson, Darsteller: Terry O’Quinn, Jill Schoelen, Shelley Hack. USA 1986, Laufzeit: 86 Min.