Fubs Klassikbox: Dr. Goldfoot und seine Bikini-Maschine (1965)

Dr. Goldfoot (Vincent Price) in seinem Labor; „Dr. Goldfoot and his Bikini-Machine“ (1965); © MGM

„Dr. Goldfoot und seine Bikini-Maschine“ gilt längst als Kultfilm. Zugleich handelt es sich um einen der teuersten Filme, den die auf B-Picture spezialisierte Produktionsfirma American International Pictures auf die Leinwand gebracht hat. Grund dafür war, dass an Originalschauplätzen in San Francisco gedreht wurde.

Es geht um den größenwahnsinnigen Dr. Goldfoot, der eine Maschine erschaffen hat, die hübsche Roboterfauen in goldenen Bikinis produziert. Diese lässt er auf die reichsten Männer der Welt los, um ihnen ihr Vermögen wegzunehmen. Doch immer wieder durchkreuzt der trottelige Agent Craig Gamble seinen Plan …

„Dr. Goldfoot und seine Bikini-Maschine“ gehört zu den absolut besten James Bond-Persiflagen, die es gibt. Ausnahmsweise waren sogar die damaligen Kritiker von dem Film begeistert, die sonst um AIP immer einen Bogen machten, denn die diversen Gags und die skurrilen Ideen verleihen „Dr. Goldfoot“ einen solchen Schwung, der einen regelrecht mitreißt.

Vincent Price als verrückter Wissenschaftler ist einfach herrlich, nicht weniger Frankie Avalon als tollpatschiger Agent – und nicht zu vergessen die Bikini-Frauen, bei denen es sich größtenteils um Models bzw. Playmates handelte. Der ganze Spaß kostete dem Studio damals über eine Millionen Dollar, was für AIP eine enorme Summe war, denn in der Regel lag das Budget für die jeweiligen Produktionen weit unterhalb dieser Summe – die beiden Produzenten James H. Nicholson und Samuel Z. Arkoff verfolgten dasselbe Konzept wie Roger Corman und waren dabei ungefähr genau so erfolgreich wie der Kult-Filmemacher.

Titelsequenz von „Dr. Goldfoot“; © MGM

Wie gesagt, lagen die Kosten deswegen so hoch, da nicht nur im Studio, sondern vor Ort gedreht wurde. Allein an der finalen Verfolgungsjagd wurde fast ein ganzes Monat gearbeitet. Doch die Mühe hat sich gelohnt, denn der Film wurde vor allem in Europa zu einem großen Erfolg. Übrigens wurde der Film in England unter dem Titel „Dr. G. and his Bikini-Machine“ vermarktet, da AIP befürchtete, dass die Produzenten von James Bond sie aufgrund der Namensähnlichkeit zu „Goldfinger“, der ein Jahr zuvor in die Kinos kam, verklagen könnten.

Dr. Goldfoot und seine Bikini-Maschine (OT: Dr. Goldfoot and his Bikini-Machine). Regie: Norman Taurog. Drehbuch: Robert Kaufman, Produktion: James H. Nicholson, Samuel Z. Arkoff, Darsteller: Vincent Price, Frankie Avalon, Dwayne Hickman, Susan Hart. USA 1965

 

FuBs Klassikbox: Wer den Wind sät (1960)

Anwalt Drummond (Spencer Tracy) und Matthew Brady (Frederic March) vor Gericht; „Inherit the Wind“ (1960); © MGM

Eigentlich hätte der Film heute gedreht werden müssen, passt er doch hervorragend in unsere Zeit. „Wer den Wind sät“ basiert zum einen auf einem Theaterstück von Jerome Lawrence und Robert E. Lee, zum anderen auf einem tatsächlichen Gerichtsfall aus dem Jahr 1925, dem sog. Affenprozess, in dem ein Lehrer angeklagt wurde, da er seinen Schülern die Entwicklungstheorie Charles Darwins beigebracht hat. Stanley Kramer führte Regie.

Der Film handelt von Bertram T. Cates, der in dem kleinen Ort Hillsboro als Lehrer tätig ist. Er wird kurzerhand angeklagt, da er im Biologieunterricht seinen Schülern beigebracht hat, dass der Mensch vom Affen abstammt. In Hillboro jedoch denken die Leute anders, sie sind fest davon überzeugt, dass Gott den Menschen erschaffen hat und die Entwicklungstheorie Teufelszeug ist. Die Bewohner ändern kein bisschen ihre Meinung, obwohl ganz Amerika sich lustig über sie macht.

Daher wird Henry Drummond als Bertrams Anwalt engagiert, um ihn zu verteidigen. Als Ankläger kommt Matthew Harrison Brady nach Hillboro, ein erzkonservativer Mann, der nicht nur nichts anderes als seine eigene Meinung gelten lässt, sondern auch streng nach dem Wort der Bibel lebt. Was sich aus dieser Ausgangssituation ergibt, ist der wohl spannendste und großartigste Schlagabtausch der Filmgeschichte.

„Wer den Wind sät“ erhielt damals nicht nur den Silbernen Bären, sondern auch den Publikumspreis bei der Berlinale und war für vier Oscars nominiert. Der Film ist das, was man anspruchsvolles Unterhaltungskino bezeichnet und präsentiert zugleich Schauspielkunst und fein geschliffene Dialoge in höchster Perfektion. Es geht nicht nur um die Gegenüberstellung zwischen Religion und Wissenschaft, sondern auch um die Dummheit der Menschen.

In dieser Hinsicht ist „Wer den Wind sät“ nicht nur ein faszinierender Gerichtsfilm, sondern zugleich eine hervorragende Satire, macht er sich doch auf köstliche Weise lustig über Kleingeistigkeit und Intoleranz, also genau diese zwei Aspekte, die heute leider vielerorts Gang und Gäbe sind.

Heute scheitert eine Diskussion in vielen Fällen daran, da die jeweiligen Gegenseiten überhaupt nicht mehr gewillt sind, dem jeweils anderen zuzuhören, sondern es wird „gecancelt“, aus Angst, sich anderen Argumenten stellen zu müssen.  Genau das zeigt bereits „Wer den Wind sät“, indem die intoleranten Ankläger keine Argumentation zulassen, damit bloß nicht das eigene kleine Weltbild in Gefahr gerät. Dennoch versucht Drummond, den Lehrer weiter zu verteidigen.

„Wer den Wind sät“ ist ein schlicht und ergreifend großartiger Film, der Vieles vorwegnimmt, was heute leider allzu aktuell ist. Vielleicht aber ist er auch deshalb aktuell, da sich die Menschen im Grunde genommen nie geändert haben.

Wer den Wind sät (OT: Inherit the Wind). Regie u. Produktion: Stanley Kramer, Darsteller: Spencer Tracy, Frederic March, Gene Kelly, Dick York, Donna Anderson. USA 1960

 

FuBs Klassikbox: Hokuspokus oder Wie lasse ich meinen Mann verschwinden (1966)

Liselotte Pulver als Agda Kjerulf in der Komödie „Hokuspokus oder Wie lasse ich meinen Mann verschwinden“ (1966); © Alive

Heinz Rühmann und Liselotte Pulver galten eigentlich als Publikumsmagnet. Doch bei „Hokuspokus oder Wie lasse ich meinen Mann verschwinden“ ging dieses Mal die Rechnung nicht auf. Der Krimikomödie nach einem Theaterstück von Curt Goetz war kein Erfolg beschieden.

Die hübsche Agda Kjerulf wird beschuldigt ihren Mann, den erfolglosen Künstler Hilmar Kjerulf, bei einem Bootsausflug ermordet zu haben. Bei der Gerichtsverhandlung wird sie von dem mysteriösen Anwalt Peer Bille verteidigt, der überaus sprachgewandt sämtliche Anschuldigen ad absurdum führt. Dennoch verhält sich Agda weiterhin überaus verdächtig …

Auch wenn der Film damals floppte, so wird er heute als Komödienklassiker bezeichnet. Dabei handelt es sich nicht einmal um die erste Verfilmung des Theaterstücks von Curt Goetz. Bereits 1930 wurde „Hokuspokus“ zum ersten Mal verfilmt (im selben Jahr erfolgte eine englischsprachige Verfilmung mit Lawrence Olivier), ein Remake folgte 1953. Alle Produktionen feierten große Erfolge, wie gesagt mit Ausnahme der Version mit Heinz Rühmann und Liselotte Pulver.

Möglicherweise lag dies an den surreal angehauchten Kulissen, die dem Film einen leicht psychedelischen Touch verliehen. Für die Kulissen, die für einen deutschen Film einzigartig sind, wurde „Hokuspokus“ damals übrigens ausgezeichnet. Damalige Kritiker bemängelten jedoch an dem Film eine eher schwunglose Inszenierung. Gut, der Film kommt nicht gleich in die Gänge, doch ab dem Moment, da Peer Bille alias Heinz Rühmann auftritt, entwickelt sich der Film zu einem wunderbaren, ja grandiosen und überaus witzigen Schlagabtausch zwischen den Anwälten, dem Richter, den Zeugen und nicht zuletzt der Witwe.

Doch auch schon davor hat der Film einige spaßige Momente zu bieten, besonders dann, wenn der Kunsthändler Amundsen das Haus der Witwe betritt und hofft, das Geschäft seines Lebens zu machen. Denn seitdem der Mord an Hilmar Kjerulf bekannt ist, reißen sich die Kunstsammler um seine Gemälde.

Titelsequenz von „Hokuspokus“, der bereits auf die leicht psychedelische Machart des Films hinweist; © Alive

Da ich den Film bisher nicht kannte, war „Hokuspokus“ für mich eine wahre Entdeckung. Die Pointen sitzen, der Sprachwitz ist einfach herrlich und die Schauspieler sind erstklassig. Nicht nur Rühmann und Lilo zeigen hier ihr Können, sondern auch die Nebendarsteller bereichern den Film ungemein, allen voran Joachim Teege als Munio Eunanio, Besitzer eines Waschsalons, dessen Darbietung fast schon einem eigenen Auftritt im Kabarett gleichkommt. Kurz: „Hokuspokus oder Wie lasse ich meinen Mann verschwinden“ ist eine absolut geniale Komödie.

Hokuspokus oder Wie lasse ich meinen Mann verschwinden. Regie: Kurt Hoffmann, Drehbuch: Eberhard Keindorff, Johanna Sibelius, Produktion: Hans Domnick, Darsteller: Heinz Rühmann, Liselotte Pulver, Richard Münch, Fritz Tillmann, Klaus Miedel, Joachim Teege. Deutschland 1966

FuBs Klassikbox: Die Verdammten der Meere (1962)

Claggart (Robert Ryan), Billy Budd (Terence Stamp) und Kapitän Vere (Peter Ustinov); „BillyBudd“ (1962), © Allied Artists

Die Zeit der Seefahrerfilme war eigentlich fast schon vorbei, da drehte Peter Ustinov „Billy Budd“, einen der wohl außergewöhnlichsten Abenteuerfilme. „Billy Budd“ basiert zum einen auf Herman Melvilles berühmten Roman, zum anderen auf dem gleichnamigen Theaterstück.

Es geht um den jungen Matrosen Billy Budd, der 1797 auf ein englisches Kriegsschiff kommt. Durch seine ehrliche Art ist er schnell bei der Mannschaft beliebt. Doch an Bord befindet sich auch der sadistische Offizier Claggart, der Männer grundlos auspeitschen lässt. Billy möchte er als sein nächstes Opfer, doch die ehrliche Art des Jungen steigert in Claggart mehr und mehr seine krankhafte Wut …

Peter Ustinov in schwarzweiß gedrehter Film ist kein Abenteuerfilm im üblichen Sinn. Man findet hier keine tollkühnen Helden, die andere Schiffe kapern. Der Film spielt fast ausschließlich an Bord der Avenger, dem Kriegsschiff, auf das Billy unfreiwillig gebracht wird. Gleich von Anfang an herrscht dort eine angespannte Atmosphäre. Billy bekommt als erstes mit, wie einer der Matrosen ausgepeitscht wird. Und er begegnet dem unheimlichen Claggart. Fast scheint es so, als wäre er der Kapitän des Schiffes und nicht Kapitän Vere, der zwar streng. doch auch irgendwie gutmütig ist.

Das Kunststück, das Peter Ustinov nun fertig brachte, war, dass er „Billy Budd“ im Stil eines Film Noir drehte. Schließlich geht es unter anderem darum, dass ein gemeingefährlicher Psychopath die Mannschaft terrorisiert. Das ist natürlich vereinfacht dargestellt, denn in dem Film geht es um viel mehr: es geht um die Frage, ob das Gesetz tatsächlich jeden Sachverhalt be- bzw. verurteilen kann, es geht um die Frage der Schuld und damit um moralische Ansichten und inwieweit diese vertretbar sind.

Billy Budd (Terence Stamp) und Claggart (Robert Ryan) in der Kajüte des Kapitäns; „Billy Budd“ (1962); © Allied Artists

All diese Aspekte webt Peter Ustinov gekonnt in eine spannende Geschichte ein, die vor allem durch die Gegenüberstellung von Billy Budd und dem bösartigen Claggart lebt. Bei den jeweiligen Aufeinandertreffen knistert es regelrecht vor Spannung. Robert Ryan, der auf die Rollen psychopathisch veranlagter Bösewichte spezialistiert war, spielt hier Claggart auf eine so bedrohliche Weise, dass sich die Furcht der Mannschaft regelrecht auf den Zuschauer überträgt. Ihm gegenüber hatte Terence Stamp seine erste Filmrolle und war dafür gleich mehrfach ausgezeichnet und sogar für den Oscar nominiert worden. Peter Ustinov selbst führte nicht nur Regie, sondern schrieb auch am Drehbuch mit und produzierte den Film. Zugleich spielte er die Rolle von Kapitän Vere, der sich durch sein Klammern an die Pflicht selbst in die Zwickmühle bringt.

Kurz: „Die Verdammten der Meere“ ist ein erstklassiger (Abenteuer-)Film, der an Spannung kaum zu überbieten ist und der einem aufgrund der grundlegenden Fragestellung, um die es letztendlich geht, nicht mehr so schnell aus dem Kopf geht.

Die Verdammten der Meere (OT: Billy Budd). Regie, Drehbuch, Produktion: Peter Ustinov, Darsteller: Robert Ryan, Terence Stamp, Peter Ustinov, Melvyn Douglas, John Neville, David McCallum. England 1962, 123 Min.

Die Klunkerecke: Die Totenliste (1963)

John Hustons Mystery-Thriller „Die Totenliste“ aus dem Jahr 1963 ist ein Who’s-done-it im doppelten Sinn. Zum einen ist „The List of Adrian Messenger“ ein recht origineller und spannender Krimi, zum anderen ein vergnügliches Ratespiel für die Zuschauer.

Huston kam nämlich auf die Idee, seinen Film voll mit Hollywoodstars zu packen und im wahrsten Sinne des Wortes zu verpacken. Denn Frank Sinatra, Burt Lancaster, Robert Mitchum, Kirk Douglas und Tony Curtis agieren nicht als für alle erkennbare Darsteller, sondern tragen dicke Latexmasken, was dazu führt, dass man neben dem Miträtseln im Hinblick auf den Kriminalfall zugleich ständig am überlegen ist, wer sich hinter welcher Maske verbirgt.

Anthony Gathryn (George C. Scott) versucht, hinter das Geheimnis zu kommen. „Die Totenliste“ (1963); © Universal Pictures

In dem Film geht es um eine sonderbare Mordserie. Alle Opfer stehen auf einer Liste, doch sonst scheinen sie nichts miteinander zu tun zu haben. Dem Schriftsteller Adrian Messenger ist diese Liste in die Hände gefallen und er bittet seinen Freund, den ehemaligen Agenten Anthony Gathryn, zu ergründen, um was für Personen es sich auf dieser Liste handelt. Kurz darauf aber stirbt Messenger bei einem Flugzeugabsturz. Gathryn geht dem Fall nach und kommt dabei tatsächlich auf eine sonderbare Spur …

Wer verbirgt sich hinter dieser Maske? „Die Totenliste“ (1963); © Universal Pictures

„Die Totenliste“ ist ein wahres Spiel mit den Erwartungen der Zuschauer. Denn auch der Mörder ist nicht nur maskiert, sondern erscheint immer wieder in anderen Masken. Aber wer ist nun dieser Mörder und wieso bringt er ausgerechnet diese Leute auf der Liste um? Gathryn bekommt nach und nach heraus, dass auch die Opfer keineswegs ohne dunkles Geheimnis sind. Man muss wirklich sagen, „Die Totenliste“ ist ein absolut außergewöhnlicher Film. Anscheinend war er nicht so erfolgreich in den Kinos, wie man sich aufgrund des Staraufgebots erhofft hatte – den drei Millionen Dollar Produktionskosten standen Einnahmen von knapp zwei Millionen gegenüber. Doch heute zählt das American Film Institute „Die Totenliste“ zu den zehn besten Mystery-Krimis, die jemals gedreht wurden.

Erst am Ende des Films übrigens wird nicht nur das Rätsel gelöst, sondern ziehen die Schauspieler auch ihre Masken ab. Ein wirklich gelungener Filmspaß.

Die Totenliste (OT: The List of Adrian Messenger). Regie: John Huston, Drehbuch: Anthony Veiller, Produktion: Edward Lewis, Darsteller: Kirk Douglas, George C. Scott, Robert Mitchum, Tony Curtis, Frank Sinatra, Dana Wynter, Burt Lancaster. USA 1963, 98 Min.

Trash der 60er (9): Goke – Vampir aus dem Weltall

goke2Fast 20 Jahre vor Tobe Hoopers „Lifeforce“ gelangte schon einmal ein außerirdischer Vampir auf die Erde und zwar in Hajime Satos Film „Goke“. Hajime Sato (1929-1995) war im Trash-Genre beheimatet, wobei „Goke – Vampir aus dem Weltall“ sein bekanntestes Werk darstellt.

„Goke“ hat so ziemlich alles, was ein guter Trash-Film braucht: einen heldenhaften Flugzeugpiloten, einen fiesen Politiker, einen Gangster und einen Außerirdischen. Der Film beginnt damit, dass immer mehr Vögel grundlos gegen die Fenster des Flugzeugs knallen. Kurz darauf erscheint der Himmel blutrot. Im selben Moment erhält der Pilot von der Flugsicherung eine Warnung, dass sich eine Bombe an Bord befindet. Das Gepäck wird durchsucht, der Terrorist gibt sich zu erkennen. Mit vorgehaltener Waffe will er eine Kursänderung erzwingen, doch da kollidiert das Flugzeug beinahe mit einem UFO. Es kommt zur Bruchlandung. In unmittelbarer Nähe befindet sich das unbekannte Flugobjekt. Als der Gangster dieses betritt, wird er von einem Alienparasiten befallen und mutiert dadurch zu einem willenlosen Blutsauger, der Passagiere und Crew an den Kragen will …

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Der außerirdische Vampir (Hideo Ko) macht sich an sein nächstes Opfer (Kathy Horan) ran.

Schon die Handlung beweist, dass hier Trash-Freunde voll auf ihre Kosten kommen. Dennoch ist Satos Film keineswegs eine bloße Aneinanderreihung skurriler Begebenheiten. Sato will eindeutig mehr und seinem Werk eine gewisse Tiefe verleihen. Auf diese Weise überrascht der Film durch seine harsche Kritik an Politik und einer Mahnung über die Sinnlosigkeit des Krieges. Diese Aspekte versinnbildlichen sich in der Figur des Politikers, dessen Charakter überaus unsympathisch, man möchte schon fast sagen widerlich erscheint. Im Gegensatz dazu sind die übrigen Figuren, der Gangster eingeschlossen, Sowohl-als-auch-Charaktere. Nicht weniger erstaunlich ist auch das Ende des Films, das einen regelrecht endzeitlichen Charakter besitzt, das „Goke“ schließlich zu einem überaus düsteren Film werden lässt.

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Gangster Hirofumi (Hideo Ko) Geht auf das UFO zu. Ein Beispiel für die teils intensive Farbgebung des Films.

Bis dahin jedoch wechselt der Parasit öfters seinen Wirt, sodass die Spannung, ähnlich wie in anderen Filmen, die das „Bodysnatcher“-Thema aufgreifen, durch die allgegenwärtige Bedrohung und die daraus resultierende paranoide Angst stets aufrecht erhalten bleibt.

Noch ein Wort zum Vergleich mit Mario Bava: Dieser kam wahrscheinlich durch die Betonung der intensiven Farbgebung zustande. Bava liebte starke, leuchtende Farben, die seine Filme stellenweise wie Gemälde erscheinen lassen. Ähnliches findet man bei „Goke“. Auch hier strahlen die Farben und geben dem Film damit einen bis ins Surreale reichenden Charakter.

Goke – Vampir aus dem Weltall (OT: Kyuketsuki Gokemidoro), Regie: Hajime Sato, Drehbuch: Kyuzo Kobayashi, Susumu Takahisa, Kathy Horan, Produktion: Takashi Inomata, Darsteller: Hideo Ko, Teru Yushida, Tomomi Sato, Japan 1968, 81 Min

Trash der 60er (5): Night of the Big Heat

nightofthebigheatZwar werden die Winter von mal zu mal milder, doch wenn die Temperaturen auf über 30 Grad ansteigen, so ist dies mehr als nur außergewöhnlich. Genau dies geschieht in dem SF-Klassiker „Night of the big Heat“. Die Geschichte spielt auf der Insel Fara, wo eines Winters Temperaturen wie im Hochsommer herrschen, während es im übrigen England Minusgrade hat. In der Dorfschenke Swan treffen sich die Bewohner, um sich etwas abzukühlen. Dort hat auch der eigenartige Wissenschaftler Godfrey Hanson ein Zimmer gemietet. Er behauptet, dass die Hitze von außerirdischen Invasoren verursacht werde. Zunächst glaubt ihm niemand. Doch als immer mehr Menschen spurlos verschwinden, bricht Panik aus …

Filme, in denen die beiden Horrorikonen Christopher Lee und Peter Cushing gemeinsam auftreten, sind in der Regel immer sehenswert. Dies trifft auch auf „Brennender Tod“, so der deutsche Titel, zu. Horrorregisseur Terence Fisher gelingt es darin, eine sehr dichte und bedrohliche Atmosphäre zu schaffen, welche den ganzen Film über bestehen bleibt. Das Unheimliche macht sich zunächst nur durch seltsame Geräusche bemerkbar, deren Ursprung niemand ausmachen kann. Im Laufe des Films führen diese Geräusche bei manchen Bewohnern zu seltsamen Starrkrämpfen und Panikattacken.

Die im Ort eingeschlossenen Bewohner versuchen verzweifelt, dieser Gefahr zu entkommen und die Invasion zu verhindern. Im Grunde genommen schlägt hierbei Terence Fisher Motive an, die die Paranoia-Filme der 50er Jahre aufgegriffen haben. Zum anderen erinnert die Story an den Stil der Romane von John Wyndham und dem frühen John Christopher, deren literarische Bedrohungsszenarien sich ebenfalls immer auf einen bestimmten Ort beschränkten. Ob sich Drehbuchautor Robert Liles von beiden inspirieren ließ, kann nicht beantwortet werden, erscheint aber durchaus möglich.

Aber ganz egal, woher die Inspiration kam, „Night of the Big Heat“ ist ein durch und durch unterhaltsamer Film, das Ergebnis dreier Ikonen des Horrorfilms.

Night of the Big Heat (Dt. Titel: Brennender Tod), Regie: Terence Fisher, Drehbuch: Ronald Liles, Produktion: Ronald Liles, Tom Blakeley, Darsteller: Christopher Lee, Peter Cushing, Patrick Allen, Jane Merrow, Sarah Lawson, England 1967, Laufzeit: 90 Min.

Trash der 60er (2): Der Dämon und die Jungfrau

dämonunddiejungfrauWenn man so will, begann in den 60er Jahren ein Wettbewerb zwischen den US-amerikanischen und den europäischen Filmstudios. Während Hollywood in den 50er Jahren den B-Picture-Bereich dominierte, sprangen in den 60er Jahren England, Frankreich, Italien und auch Deutschland (in der Regel als Coproduzent) mit auf den Zug. In England entstanden die von den Fans so sehr geliebten Horrorfilme der Hammer Studios, auf dem europäischen Festland war es vor allem Italiens Cinecitta, die u. a. mit den Filmen Mario Bavas für Furore sorgte.

Es war die Hochzeit des Gothic-Horror. Die Handlungen spielten in der Regel im 18. Jahrhundert. Die American International Pictures konnten sich auf Vince Price als ihren Stammschauspieler verlassen. Gelegentlich übernahmen auch Peter Lorre, Boris Karloff und Barbara Steele eine Rolle. Technicolor sorgte für satte Farben, die heute genauso faszinieren wie damals. Der Unterschied zu den europäischen Filmen lag in den Darstellungen von Gewalt und Sex. Während in den USA stets nur angedeutet wurde, wagten sich Hammer und Co. an durchaus provokante Szenen heran. Als die AIP-Produzenten James H. Nicholson und Samuel Z. Arkoff nach Italien fuhren, um sich dort über die Machart italienischer Horrorfilme zu informieren, sollen beide schier erstaunt gewesen sein über die freizügige Art der Darstellung.

Ein Beispiel dieser Freizügigkeit ist „La frusta e il corpo“ aus dem Jahr 1963, der in Deutschland unter dem Titel „Der Dämon und die Jungfrau“ in den Kinos lief. Regie führte Mario Bava, dessen Einfluss auf den Horrorfilm bis heute anhält. Bava, der eigentlich Maler werden wollte, setzte seine malerischen Fähigkeiten stets in wunderbaren Farbspielen um, die seine Filme zu wahren Kunstwerken machen. Erst vor kurzem wird sein Werk auch von etablierten Filmkritikern ernst genommen, davor galt Bavas Oeuvre als trivial, was zur Folge hatte, dass sich lange Zeit niemand damit beschäftigte.

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Kurt Menliff (Christopher Lee) schwingt gleich die Peitsche. In: „Die Jungfrau und die Peitsche“ (1963).

In seinem Film „Die Jungfrau und die Peitsche“ setzte Mario Bava alle Register. Es handelt sich im Grunde genommen um eine Familiengeschichte. Kurt Menliff wurde von seinem Vater verstoßen, da er eine Beziehung zu einem Dienstmädchen hatte. Nach Jahren kehrt Kurt wieder in das alte Schloß der Menliffs zurück. Während sein Bruder Christian als auch sein Vater über die Rückkehr bestürzt sind, entwickelt Christians Frau Nevenka ganz andere Gefühle. Kurt merkt schnell, dass Nevenka daran leidet, dass sie ihre Sexualiät nicht ausleben kann. Zwischen beiden entwickelt sich eine heimliche Beziehung, die bestimmt ist von sado-masochistischen Praktiken. Später wird Kurt ermordet aufgefunden. Von da an geschehen auf dem Schloß unheimliche Dinge. Die Bediensteten glauben, dass Kurt von den Toten zurückgekehrt ist, um Rache zu nehmen.

Die sexuellen Anspielungen in „Die Jungfrau und die Peitsche“ waren so direkt, dass der Film zunächst nur für Erwachsene freigegeben wurde. Die Folge davon war, dass Mario Bava den Film kürzen musste. In Deutschland wurde versucht, die SM-Thematik ganz unter den Tisch fallen zu lassen, was dazu führte, dass die Auspeitschszenen aus dem Film genommen wurden. Erst vor ca. zehn Jahren erschien zum  ersten Mal eine ungeschnittene Fassung des Films auf DVD. In der Tat lässt einen Bavas Umsetzung von Nevankas Lust auf Schmerz auch heute noch erstaunen. Die Szenen, in der sich Nevanka unter den Peitschenhieben Kurt Menliffs lustvoll rekelt, haben es durchaus in sich.

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Nevanka (Daliah Lavi) während einer „SM-Sitzung“. Schön zu sehen: Bavas Spiel mit den Farben. „Die Jungfrau und die Peitsche“ (1963).

Gespielt wurde Nevanka von dem israelischen Fotomodel Daliah Lavi, die hier in ihrer mit Sicherheit sinnlichsten Rolle zu sehen ist. Christopher Lee übernahm die Rolle des Kurt. Wie oben bereits angedeutet, ist „Die Jungfrau und die Peitsche“ nicht nur ein Horrorfilm. Es handelt sich zugleich um ein prächtiges Farbenspiel, in dem Bava wie ein Maler auf einer Palette das farbige Licht der Scheinwerfer mischt. So gibt es nicht nur satte Rotfarben, sondern wunderbare Blau- und Violetttöne sowie unterschiedliche Variationen von Grün.

„Die Jungfrau und die Peitsche“ veranschaulicht, dass Horrorfilme keineswegs trivial sind, sondern diese vielmehr eine Kunstform darstellen – eine spezielle Form innerhab der Filmkunst. Bavas Schüler war u. a. Dario Argento, der 1978 mit „Suspiria“ seinem Meister huldigte. Böse Zungen behaupten, dass Bava den Film teilweise mitgedreht habe. Doch Belege dafür gibt es nicht. Sicher ist nur, dass Bava das Horrorfilmgenre sehr stark beeinflusste. Sein Einfluss reicht bis nach Südkorea. So ist z.B. „A Tale of two Sisters“ (2004) eine klare Verneigung von Regisseur Kim Jee-Won vor dem italienischen Meister.