M – Eine Stadt sucht einen Mörder (2018)

Auch im deutschsprachigen Raum versucht man sich an Remakes. Jedenfalls dann, wenn den Autoren und Regisseuren nichts Eigenes einfällt. So auch der österreichische Regisseur und Drehbuchautor David Schalko, der mit seiner Serie „Braunschlag“ Kultstatus erreichte, jetzt aber den Fehler beging, sich den Klassiker der Klassiker, nämlich Fritz Langs „M“, vorzunehmen.

Schalko machte daraus keinen Spielfilm, sondern eine sechsteilige Miniserie. Diese ist genau das Gegenteil von Langs Überfilm, nämlich einfach nicht spannend. Schalko beweist zwar, dass er es in Sachen Optik drauf hat und in dieser Hinsicht wirklich großartige Bilder komponieren kann, die sich gelegentlich, wie um Lang zu huldigen, am Expressionismus orientieren, aber das reicht bei weitem nicht aus, um daraus einen dichten Kriminalfilm zu drehen.

Vielleicht hat Schalko dies selbst bemerkt, denn schon bald setzt er den Fokus nicht mehr auf den Fall an sich, sondern auf jede Menge satirischer Seitenhiebe. Genau hier befindet sich der Regisseur und Autor dann auch voll und ganz in seinem Element, und wahrscheinlich wäre es besser gewesen, er hätte überhaupt eine Satire auf den derzeitigen Zustand unserer Gesellschaft gedreht. In „Braunschlag“ gelang ihm dies auf herrlich politisch unkorrekte Weise, in „M“ macht er sich vor allem lustig über die derzeitige österreichische Innenpolitik. Schön und gut, aber wie gesagt, reicht dies nicht für einen Krimi und schon gar nicht für das Remake eines Klassikers.

Auf diese Weise plätschert die Serie dann auch nur so vor sich hin, Schalko versucht gleich am Anfang ein bisschen auf „Es“ zu machen, was aber, trotz schöner Kamerafahrt, eher armselig wirkt. Nein, mit dieser Serie hat David Schalko nicht ins Schwarze getroffen. Er ist zwar ein erstklassiger Satiriker, aber hat sichtbare Probleme damit, einen erstklassigen Thriller zu kreieren. Dies macht sich dann besonders im Finale bemerkbar. Schalko war sicherlich bewusst, dass er Peter Lorres bisher unerreichtes Spiel nicht kopieren kann, also versucht er es auch gar nicht, sondern präsentiert stattdessen eine Mischung aus eher unaufgeregter Verbrecherjagd und Ehedrama. Dies führt dazu, dass ausgerechnet die letzte Episode zur langweiligsten der ganzen Serie wird. Schade, denn mit dieser Wucht von großartigen Bildkompositionen hätte Schalko einen wirklich großartigen Film drehen können.

M – Eine Stadt sucht einen Mörder. Regie u. Produktion: David Schalko, Drehbuch: David Schalko, Evi Romen, Darsteller: Sarah Viktoria Frick, Christian Dolezal, Gerhard Liebmann, Lars Eidinger, Moritz Bleibtreu, Dominik Maringer, Udo Kier, Bela B. Felsenheimer. Österreich 2018.

 

 

 

Werbeanzeigen

No Way Out – Gegen die Flammen (2017)

Nach dem Katastrophenfilm „Deep Water Horizon“ musste anscheinend ein weiterer Feuerfilm her, der auf realen Begebenheiten basiert – nicht ohne Grund produzierte daher Lorenzo di Bonaventura beide Filme. Herausgekommen ist dabei „Only The Brave“, bei dem sich unsere deutschen Marketingstrategen mal wieder lange den Kopf zerbrochen haben, bis sie auf den englischen Titel „No Way Out“ gekommen sind. Ich frage mich, wann diese Leute z.B. den „Avengers“ einen anderen englischen Titel verpassen.

Nun ja, es lohnt nicht, sich darüber aufzuregen. Früher oder später werden sie es wieder tun und dann werden wir uns wieder darüber aufregen. Aber zum Film: Nachdem sich die örtliche Feuerwehr von Prescot zur Eliteeinheit gewandelt hat, arbeiten die Männer in vorderster Front, wenn es um die Bekämpfung von Waldbränden geht.

Um es vorweg zu nehmen: „No Way Out“ ist durchaus spannend inszeniert, ist aber nicht wirklich das, was man als Katastrophenfilm an und für sich bezeichnet. Regisseur Joseph Kosinski geht es in der Hauptsache um Feuerwehrchef Eric Marsh und den ehemaligen Drogensüchtigen Brendan, der durch die Arbeit bei der Feuerwehr ein neues Leben beginnen möchte.

Auf diese Weise wirkt der Film in großen Strecken dann eher auch wie ein Drama, das jedoch durch die Präsenz von Josh Brolin als Eric Marsh und Miles Teller als Brendan hervorragend besetzt ist. Beide spielen ihre Rollen absolut überzeugend, hier das Rauhbein Marsh, dort der gebrochene junge Mann Brendan, der weg von seiner Drogensucht kommen möchte. Zwar wirkt die Einführung Brendans in die Handlung ein wenig holprig, wenn nicht sogar unbeholfen, doch wirkt sich das nicht auf den restlichen Film aus.

Punktet „No Way Out“ bei den oben genannten Aspekten, so wirkt er dann überraschend farblos, wenn es um die  Feuerbekämpfung geht. Zwar sind die Spezialeffekte absolut hervorragend, sodass man so gut wie nicht zwischen echtem Feuer und CGI unterscheiden kann, damit aber hat es sich dann auch schon. Die einzelnen Einsätze geraten eher kurz, werden eher skizziert als dargestellt, sodass sich daraus keine wirkliche Dramatik ergibt. Dies mach sich dann besonders im Höhepunkt des Films bemerkbar, wenn es zur eigentlichen Tragödie kommt, diese aber weder beklemmend noch bestürzend wirkt. In dieser Hinsicht vergibt der Film viel Potenzial. Dennoch ist „No Way Out“ durchaus sehenswert.

No Way Out – Gegen die Flammen (OT: Only The Brave). Regie: Joseph Kosinski, Drehbuch: Eric Warren Singer, Produktion: Lorenzo di Bonaventura, Darsteller: Josh Brolin, Miles Teller, Jennifer Connely, Pell James, Andie MacDowell, Jeff Bridges. USA 2018, 134 Min.

 

What keeps you alive – Horror in Zeiten des Genderwahns

Wehe man ärgert sich heutzutage über jemanden, schon wird man verdächtigt Rassist, Sexist oder alles zusammen zu sein. Angefacht durch die metoo-Debatte erzeugt dies einen pseudmoralischen Selbstläufer, der nicht zu stoppen und von Narzisten, die anderen ihre Meinung wenn nötig auch per Anwalt aufdrücken wollen, missbraucht wird.

Was es also braucht, ist eine Antwort auf das, was zurzeit falsch läuft. Und in diesem Sinne kommt der kleine, aber feine Horrorfilm „What keeps you alive“ genau richtig. Die kanadische Produktion stammt von Regisseur Colin Minhian, der sich davor einen Namen durch den SF-Horrorfilm „Extraterrestial“ gemacht hat. Zusammen mit seiner Lebensgefährtin Brittany Allen, die nicht nur die Hautprolle spielt, sondern auch die Musik komponiert hat, entwickelte er die Mischung aus Psycho-Thriller und Gender-Horror, die es in sich hat.

Erzählt wird die Geschichte des gleichgeschlechtlichen Paares Jules und Jackie, die ihren ersten Hochzeitstag feiern wollen. Dazu fahren sie in ein abgelgenes Haus, in dem Jackie als Kind gewohnt hat. Nach und nach aber erfährt Jules, dass Jackie völlig anders ist, als sie sich ausgibt: sie ist eine gefährliche Psychopathin, die ihre Lebensgefährtinnen ermordet, um an deren Geld zu kommen …

Damit ist keineswegs der Plot verraten, denn all das erfährt man schon gleich am Anfang. Was folgt ist dermaßen spannend inszeniert und derart gut gefilmt, dass man buchstäblich den Atem anhält. Auch als gewiefter Horrorfan saß ich wie gebannt da und zitterte, da man stets auf die nächste krankhafte Gemeinheit Jackies gefasst sein muss.

Das Paar sollte zunächst von einem Mann und einer Frau gespielt werden. Doch wahrscheinlich animiert durch die derzeitge Genderdebatte, die sich nur noch um sich selbst dreht, machten Minhian und Allen daraus ein sog. Same-Sex-Couple. Kein männlicher Psychopath, sondern eben eine weibliche Psychopathin, die sich selbst für unübertroffen hält, macht Jagd auf ihre weiblichen Opfer und sorgt dabei für ein Symbol, das überfällig war: eben für den krankhaften Narzissmus, der zurzeit unschöne Blüten treibt und für teils lachhafte, teils widerliche Konflikte verantwortlich ist und nichts mehr mit dem eigentlichen metoo-Anliegen zu tun hat.

Minhian reichen dafür gerade mal zwei hervorragende Schauspielerinnen, die den gesamten Film mit ihrer Aura ausfüllen. Kurz: ein toller Film, der in jeder Hinsicht überzeugt.

What keeps you alive. Regie u. Drehbuch: Colin Minhian, Produktion: Kurtis David Harder, Darsteller: Brittany Allen, Hannah Emily Anderson. Kanada 2018, 98 Min.

 

 

Genesis 2.0 – Ein Dokumantarfilm, so spannend wie ein SF-Thriller

Man könnte sagen: Die Zukunft ist jetzt. Denn das, was die beiden Filmemacher Christian Frei und Maxim Arbugaev in ihrem neuen Dokumentarfilm zeigen, ist fast schon so erschreckend wie ein SF-Öko-Thriller. Doch alles das, was in „Genesis 2.0“ vorkommt, ist (leider) Realität.

Es scheint sich zunächst um zwei völlig verschiedene Themen zu handeln, mit denen sich Frei und Arbugaev in ihrem Film beschäftigen. Da sind zum einen die Sammler von Mammutstoßszähnen auf einer Insel vor Sibirien, die das Elfenbein an chinesische Geschäftsleute verkaufen. Zum anderen sind da Genforscher, die neue Tierarten züchten und mit den Genen herumexperimentieren, als wäre es nichts anderes als eine bloße Spielerei.

Die Verbindung zwischen beiden Welten findet sich darin, dass bei einer Expedition nach Sibirien ein tiefgefrorenes Mammut entdeckt wurde, dessen Körper sogar noch flüssiges Blut beinhaltete. Dies bescherte den Chefs der Genlabors in Südkorea und China Dollarzeichen in die Augen, könnten sie doch aus dem Blut intakte Zellen extrahieren, um daraus ein Mammut neu zu schaffen.

Der Film zeigt (indirekt) die völlige Verantwortungslosigkeit, mit der nicht nur die oben erwähnten Genlabors arbeiten, sondern auch bestimmte Forscher in den USA vorgehen, um Kasse zu machen. Schlimm hierbei ist, dass selbst die Studenten sich keine moralischen Grenzen setzen, sondern Gene mischen wie es ihnen Spaß macht.

Der Film ist dabei so spannend wie ein SF-Thriller, garniert mit einer unglaublich tollen Optik, wobei man sich stets vergegenwärtigen muss, dass dies alles Realität ist. Vor allem chinesische Forschungsinstitutionen zeigen sich hierbei in einer Rolle aus Habgier und dem Wunsch absoluter Kontrolle. Als ein schwedischer Wissenschaftler die Pressesprecherin der chinesischen Genfirma auf die ethische Problematik des Vorgehens anspricht, ist ihre Antwort ein eisiger Blick.

„Genesis 2.0“ ist verstörend und erschreckend, zugleich aber faszinierend und packend. Es ist ein Film, der hoffentlich zu vielen Diskussionen anregt. Die Zukunft wird er leider nicht verändern. Diese liegt in den Händen geldgeiler Wissenschaftler und anderer Akteure, für die Moral keine Rolle spielt.

Genesis 2.0. Regie: Christian Frei und Maxim Arbugaev. Schweiz 2018. 112 Min.

Auslöschung oder Endlich mal wieder richtige Science Fiction

Der SF-Film „Annihilation“ von Regisseur Alex Garland wurde, um es auf den Punkt zu bringen, Opfer des aktuellen Produktions- und Kinogeschehens. Die Produktionsfirma hielt den Film für zu intellektuell und anspruchsvoll und wollte, dass Garland „Annihilation“ komplett umschneidet. Zum Glück konnte dies verhindert werden und „Auslöschung“, so der deutsche Titel, wurde in der Version veröffentlicht, die der Regisseur gewollt hatte.

Die Folge jedoch war, dass der SF-Streifen lediglich zwei Wochen in den US-amerikanischen Kinos lief, bevor er von Netflix online veröffentlicht wurde. In Deutschland wurde „Auslöschung“ nicht einmal in den Kinos gezeigt. Einmal mehr haben damit Kinobetreiber und Produzenten bewiesen, dass Anspruch für sie ein Pfui-Wort darstellt und sie nichts anderes haben wollen, als gehirnlose Kost.

Es geht in „Auslöschung“ um eine Gruppe Forscherinnen, die ein Gebiet untersuchen sollen, in dem sich sonderbare Veränderungen abspielen. Bisherige Expeditionen sind nicht zurückgekehrt – bis auf Kane, dem Mann von Lena, einer Molekularbiologin, die sich der Forschergruppe anschließt. Kane kann sich an nichts erinnern, daher hofft Lena herauszufinden, was in dem Gebiet vor sich geht.

Die Handlung erinnert ein wenig an Robert Charles Wilsons SF-Roman „Darwinia“, in dem sich in ganz Europa seltsame Veränderungen abspielen, doch handelt es sich bei „Annihilation“ um die Adaption eines Romans des SF-Autors Jeff VanderMeer. Regisseur Alex Garland schuf einen ruhigen, doch nicht weniger intensiven Film, in dem es um die Frage der menschlichen Existenz und den Sinn des Lebens an sich geht. Nicht weniger steht dabei die Frage der eigenen Identität im Mittelpunkt sowie die Wahrnehmung des Anderen und damit das Hinterfragen, was das Andere überhaupt ist.

Alles in allem schürft der Film damit in zentralen philosophischen Fragen, was „Auslöschung“ eine solche Tiefe verleiht, die man im heutigen Kino nicht mehr oder kaum noch gewohnt ist. Garland aber reizt das Thema vollkommen aus und macht aus der Expedition einen geradezu psychedelischen Trip. Der Film bekommt dadurch eine solch düstere Atmosphäre, dass er an manchen Stellen eine regelrechte Trostlosigkeit zelebriert, indem er nach dem Sinn von allem fragt, jedoch keinen Sinn findet.

Auf diese Weise schuf Garland einen großartigen und tiefschürfenden SF-Film, absolut jenseits hohler Actionszenen, ja in dem sogar die wenige Action, die in dem Film vorkommt, eine wesentliche Tiefe besitzt. Garlands Film fasziniert jedoch nicht nur aufgrund seiner Thematik, sondern ebenfalls aufgrund seiner ungeheuer guten Optik. Die Kameraführung ist exzellent, die Bilder, die uns Garland zusammen mit seinem Kameramann Rob Hardy präsentiert, wirken wie surreale Gemälde.

Wirklich schade, dass ein so großartiger Film quasi mit Füßen getreten wurde. Aber in einer solchen Epoche leben wir nun einmal.

Auslöschung (OT: Annihilation). Regie u. Drehbuch: Alex Garland, Produktion: Andrew MacDonald, Darsteller: Natalie Portman, Jennifer Jason Leigh, Gina Rodrigues, Tuva Novotny, Tessa Thompson, Oscar Isaak. England 2018, 115 Min.

 

 

 

 

The happy Prince – Oscar Wildes letzte Jahre

In einem seiner Briefe schrieb Oscar Wilde, dass man in dieser Welt nicht umhin könne, eine Maske zu tragen. Jeder in der Gesellschaft verstelle sich, niemand zeige sein wahres Ich. Dies trifft auch auf Wilde selbst zu (der sich von diesem Verhalten nicht ausschloss), was zu der bis heute gültigen Frage geführt hat, was für ein Mensch Oscar Wilde nun eigentlich wirklich war.

Der Schauspieler Rupert Everett versucht dieser Frage in seinem Regiedebut „The happy Prince“ auf  den Grund zu gehen. Der Film, zu dem Everett auch das Drehbuch verfasste und selbst die Hauptrolle übernahm, beschäftigt sich mit den letzten Jahren Oscar Wildes, nachdem er aus dem Zuchthaus, in das er wegen seiner Homosexualität für zwei Jahre gesperrt worden war, wieder frei kam.

Wilde floh aus England, um nie wieder dorthin zurückzukehren. Die letzten Jahre seines Lebens verbrachte er in Frankreich und Italien, bevor er in einem Hotelzimmer in Paris starb. Bis heute ist unklar, ob Syphilis oder eine Hirnhautentzündung die Ursache für seinen Tod waren, und so lässt auch der Film diese Frage offen bzw. spricht beide Möglichkeiten an.

Alternatives Plakat zu „The happy Prince“

Rupert Everetts Verdienst ist es, sich recht genau an Wildes Leben zu halten. Doch wer einen Film wie „Oscar Wilde“ (1997) von Brian Gilbert ewartet, in dem Stephen Fry die Rolle des Dichters und Jude Law die seines Liebhabers Bosie einnahm, wird sich sicherlich wundern. Denn Everett entzaubert quasi das schöngeistige Bild, das viele von Oscar Wilde haben. Er blickt, um den Anfang des Textes wieder aufzugreifen, hinter die Maske des berühmten Schrifstellers – oder besser, er versucht dies.

Herauskommt ein durchaus düsteres und nicht weniger tragisches Drama um den körperlichen und geistigen Verfall eines Genies. Die beiden Jahre im Zuchthaus haben Wilde psychisch wie physisch zerstört. Wilde selbst hat nicht mehr die Kraft, etwas zu schreiben, er ist mittellos und auf die monatlichen Zahlungen seiner Frau angewiesen, die zusammen mit den beiden Kindern in Heidelberg wohnt. Allerdings sind diese Zahlungen mit einer Bedingung verbunden: Wilde darf sich auf keinen Fall mehr mit Bosie treffen, den alle für Wildes Gefängnisaufenthalt verantwortlich machen. Wilde selbst aber kommt von seinem einstigen Liebhaber trotz allem nicht los und bereist zusammen mit ihm Italien. Die Konsequenz: Wildes Frau schickt ihm kein Geld mehr.

Rupert Everetts Film ist erschütternd und packend zugleich. Ein durchdringendes Drama, dem man sich nicht entziehen kann, auch wenn es, wie bereits erwähnt, das Idol demontiert. Dies ist keineswegs als Kritikpunkt zu bewerten, im Gegenteil, es ist Everett hoch anzurechnen, dass er als einer der ersten versucht, sich Wildes wahrem Charakter und seinem tragischen Schicksal zu nähern – bei Brian Gilberts Version erschien doch alles eher harmlos. „The happy Prince“ wird daher sicherlich nicht jedem gefallen. In der Tat lässt einen der Film zwiespältig zurück. Aber genau das soll ja gutes Kino machen: zum Nachdenken und Diskutieren anregen. Rupert Everett ist beides geglückt.

The happy Prince. Regie u. Drehbuch: Rupert Everett, Produktion: Jörg Schulze, Darsteller: Rupert Everett, Colin Firth, Emily Watson, Colin Morgan, Tom Wilkonson. England/Italien/Deutschland 2018, 106 Min.

The Nun oder Nicht das, was es sein könnte

Ja, da hat mal wieder ein weiteres „Conjuring“-Spin Off zugeschlagen. Dieses Mal geht es nach Rumänien in ein verlassenes Kloster. Es ist Anfang der 50er Jahre – und aus dem Radio (mitten im damaligen Ostblock) trällert amerikanische Musik. Jawoll, sagen wir da nur und der restliche Film ist eigentlich genau das, was wir uns gedacht haben: alles, außer originell.

Die Fließbandproduzenten haben gezeigt, was herauskommt, wenn man am fließenden Band produziert. „The Nun“ hätte durchaus das Zeug dazu gehabt, ein netter Gruselfilm zu werden, doch reicht die Handlung nicht einmal dazu, um damit eine Briefmarke zu füllen. Es geht um eine Geisternonne, die in einem alten Kloster ihr Unwesen treibt. Ein Exorzist, eine Nonne und ein Kanadier namens Frenchie (wie lustig) machen sich auf den Weg, um der Nonne zu zeigen wo der Ausgang ist.

Selten hat man sich bei einem Gruselfilm so gelangweilt. Immer geschieht genau das, was man erwartet. Es bleibt kein Platz für Überraschungen – wie denn auch, wenn man uninspiriert einen Film herstellt? Ja, man hat fast schon Mitleid mit Regisseur Corin Hardy, der mit „The Nun“ seinen zweiten Spielfilm vorweist. Denn wenn Hardy eines kann, dann düstere, atmosphärische Bilder kreieren, was er ja schon in „The Hallow“ unter Beweis gestellt hat. Hier bei „The Nun“ durfte er nicht ganz so wie er wollte.

Denn trotz unseres Gezeteres besitzt „The Nun“ eine wirklich gute Optik, die eben auf Hardys Handwerk verweist. All das wird jedoch durch die bereits erwähnte flache Handlung und die noch flacheren Charaktere zunichte gemacht. Mit Tiefgang hätte etwas draus werden können. So aber ist eben nichts draus geworden.

Übrigens: „The Nun“ ist kein Remake des gleichnamigen spanischen Horrorfilms aus dem Jahr 2005. Dort hieß die Geisternonne noch dazu Schwester Ursula und war ein Grund von vielen, weswegen Brian Yuznas Produktionfirma Fantastic Factory pleite ging.

The Nun. Regie: Corin Hardy, Drehbuch: Gary Dauberman, Produktion: Peter Safran, James Wan, Darsteller: Demian Bichir, Taissa Farmiga, Jonas Bloquet. USA 2018, 96 Min.