FuBs Fundgrube: „Das Schnurren der Katze“ von Hugh B. Cave

In den 70er und 80er Jahren veröffentlichte der dtv-Verlag mehrere unheimliche und generell phantastische Romane und Anthologien unter dem Reihentitel dtv phantastica. Der damalige Slogan zu der Reihe lautete: „Schwarz: der Umschlag. Schwarz: Der Inhalt. Schwarz: Die Reihe“. In der Reihe erschienen sowohl klassische Autoren wie Leo Perutz, Bram Stoker oder Mary Shelley, aber auch George Langelaan („Die Fliege“) und sogar Stephen King.

Eine besondere Stellung nimmt in dtv phantastica sicherlich das Buch „Das Schnurren der Katze“ von Hugh B. Cave ein – und zwar deshalb, da dies die einzige Sammlung von Erzählungen des amerikanischen Horrorautors ist, die jemals auf Deutsch erschien. Cave (1910 – 2004) zählte in den 30er, 40er und 50er Jahren zu den erfolgreichsten Horrorautoren. Er veröffentlichte in den damaligen Pulp Magazinen insgesamt über 1000 Kurzgeschichten. Hinzu kommen über 20 Romane, von denen sich die meisten mit dem Voodoo-Kult befassen.

Der Hang zum Grauen wurde ihm quasi schon in die Wiege gelegt, las seine Mutter doch gerne Schauerromane. Besonders hatte es ihr „Die Burg von Otranto“ von Hugh Walpole angetan, weswegen sie auch ihrem Sohn den Namen Hugh gab. Trotz seines Erfolgs gelangte keines seiner Werke bis nach Deutschland. Dies änderte sich 1981 mit der oben genannten Storysammlung. Man hätte meinen können, dass diese den Weg für weitere Übersetzungen bereiten würde, aber weit gefehlt.

Wirklich schade, denn Hugh B. Caves Geschichten machen regelrecht süchtig. Egal ob es um angenähte Hände mit einem unheimlichen Eigenleben geht, um ein Funkgerät, mit dem man Botschaften aus dem Jenseits empfangen kann, um Vampire oder um lebendig werdende Filmmonster, die Handlungen sind stets überaus spannend, sinnlich und angenehm gruselig. Ich weiß gar nicht, wie oft ich das Buch bereits gelesen habe, es wird auf jeden Fall nie langweilig. Die Geschichten faszinieren stets aufs Neue und lassen einen nicht mehr los.

Caves unheimliche Fantastie ist geradezu plastisch, fast so wie das Monster, das nachts lebendig wird und Frauen entführt. Es ist jedes Mal ein wahrer Genuss, die einzelnen Geschichten zu lesen, und wenn man mal mit der ersten begonnen hat, dann muss man einfach die übrigen ebenfalls verschlingen, so sehr zieht einem dieses Buch immer wieder in seinen Bann.

Wie gesagt, ist leider nie wieder etwas von dem Autor auf Deutsch erschienen. Mittlerweile sind seine Bücher auch in den USA nur mehr antiquarisch erhältlich. Wer noch bei einem Antiquariat ein Exemplar von „Das Schnurren der Katze“ findet, sollte sofort zuschlagen, er hält damit einen wahren Schatz in der Hand.

Hugh B. Cave. Das Schnurren der Katze. dtv 1981 (dtv phantastica), 129 S.

Parasite – Bong Joon-Ho schreibt Filmgeschichte

Damit hatte wahrscheinlich niemand gerechnet: ein koreanischer Film erhält den Oscar in der Kategorie Bester Film. Damit ist die Gesellschaftssatire „Parasite“ der erste nicht-englischsprachige Film der in dieser Kategorie ausgezeichnet wurde.

Regisseur Bong Joon-Ho hat damit nicht nur den bisherigen Höhepunkt seiner Karriere erreicht, sondern ebenfalls Filmgeschichte geschrieben. Bong, der zunächst Soziologie studierte, bevor er sich der Filmkunst zuwandte, ist in so ziemlich allen Genres zuhause. Gleich mit seinem zweiten Spielfilm „Memories of Murder“ (2003) präsentierte er einen exzellent gefilmten Krimi, der auf einem wahren, bis heute ungelösten Fall beruht. Mit „The Host“ (2006) machte er sich nicht nur über die US-amerikanische Außenpolitik lustig, sondern lieferte zugleich den ersten koreanischen Monsterfilm ab. 2013 schließlich folgte unter seiner Regie die erste koreanische Produtkion mit internationaler Besetzung. In dem SF-Film „Snowpiercer“ griff er bereits jene Gesellschaftkritik auf, die er sechs Jahre später in „Parasite“ nochmals auf den Punkt bringen sollte: die immer größer werdende Lücke zwischen Arm und Reich.

Bei „Snowpiercer“ legte sich Bong damals mit Harvey Weinstein an, der den Vertrieb für die USA übernommen hatte. Weinstein wollte den Film kürzen, um aus „Snowpiercer“ einen reinen Actionfilm zu machen, was Bong allerdings nicht zuließ (Weinstein soll damals gesagt haben, der Film sei zu intelligent für das amerikanische Publikum). Dies sorgte bei Weinstein für große Verstimmung, was dazu führte, dass er den Film in nur wenigen Kinos laufen ließ.

Und nun sorgte Bong Joon-Ho erneut für Aufsehen. Denn „Parasite“ erhielt ja nicht nur den Oscar, sondern ein Jahr zuvor die Goldene Palme. Hatte damals ganz Korea bereits gejubelt, so gab es dieses Mal gar kein Halten mehr. Beide Preise sind nicht nur Auszeichnungen für Bongs großartige Filmkunst, sondern zugleich für den neuen koreanischen Film.

Der neue koreanische Film entstand Mitte der 90er Jahre. Die Entwicklung war an westlichen Kritikern völlig vorbei gegangen. Erst das Soldatendrama „Joint Security Area“ (2000), das auf der Berlinale 2001 gezeigt wurde, ließ sämtliche Filmexperten staunen. Danach ging es Schlag auf Schlag. Die Korean Wave kam ins Rollen und veränderte die Filmlandschaft – parallel dazu wurde K-Pop immer populärer. Heute gilt die koreanische Filmwirtschaft als der größte Konkurrent Hollywoods. Und durch den Oscar hat sich einmal mehr die These bestätigt: die besten Filme kommen zurzeit aus Südkorea.

Wenn es Nacht wird – Ein neuer Fall für Susan Gant

„Wenn es Nacht wird“ ist der vierte Roman mit Chefinspector Susan Gant. Und in Sachen Spannung steht er den vorangegangenen Horrorthrillern „Monster“, „Boten des Schreckens“ und „Menschenfresser“ in nichts nach.

„Wenn es Nacht wird“ beginnt in einer stürmischen Winternacht, in der ein Truckfahrer am Rand eines einsamen Highways die verstümmelte Leiche einer Frau findet. Der Zwischenfall ereignet sich in der Nähe von Nemaska, einem Ort weit im Norden Kanadas.  – Altamont, drei Jahre später. Eine Frau verschwindet spurlos. In derselben Nacht wird eine Studentin und ihr Freund in Wald brutal ermordet. Die Suchaktion liefert keinen Aufschluss über den Verbleib der Vermissten. Auch der Doppelmord gibt Susan Gant Rätsel auf. Der Mann wurde erstochen, die Studentin allerdings wurde wie von einer Bestie regelrecht zerfleischt. Hinzu kommt ein weiterer, rätselhafter Zwischenfall: auf dem Friedhof hat jemand versucht, drei Gräber zu öffnen.

Was haben die unheimlichen Ereignisse in Altamont mit der Toten in Nemaska zu tun? Susan Gant ermittelt auf Hochtouren. Sicher ist nur, dass sich die jeweiligen Zwischenfälle nachts ereignen. Doch bald steht Susan Gant dem Grauen selbst gegenüber …

„Wenn es Nacht wird“ verbindet erneut auf erstklassige Weise Krimi mit Horror. Wie immer bei den Romanen von Carl Denning rast die Handlung regelrecht voran, sodass man, selbst wenn man eigentlich schon schlafen gehen sollte, mit dem Lesen einfach nicht aufhören kann. Das führt dazu, dass man den Roman (immerhin ca. 320 Seiten) fast in einem Rutsch durchliest.

Es ist einfach wundervoll, wie Carl Denning die Handlung sich entwickeln lässt. Wie z.B. aus einem kleinen Zwischenfall nach und nach ein regelrechter Albtraum entsteht. Carl Denning ist in dieser Hinsicht geradezu ein Meister, einerseits subtil, andererseits mit voller Wucht lässt er das Grauen seinen unheimlichen Lauf nehmen. Aber der Roman lebt nicht allein von der Spannung und den unheimlichen Momenten, sondern ebenso von den überaus lebendigen Figuren, allen voran natürlich Susan Gant, die für mich zu den faszinierendsten Figuren überhaupt gehört. Kurz und knapp: ein toller Horrorroman, der Spannung mit einer interessanten Handlung verbindet. Einziger Wermutstropfen ist, dass es den Roman nur als eBook gibt. Gerne würde ich mal alle Susan Gant-Romane auch als Taschenbuch lesen. Dennoch ein echtes und vor allem spannendes Lesevergnügen.

The 80s: Die dreibeinigen Herrscher (1984)

The Tripods (1984); © Koch Media/BBC

Wer Science Fiction-Romane liest, kennt John Christopher (1922 – 2012). Zwischen den 60er und 80er Jahren war der englische Autor aus dem Bereich der Kinder- und Jugendbücher nicht wegzudenken. Mit seinen Werken prägte und beeinflusste er viele andere Autoren und gilt nicht nur aufgrund seiner Trilogie über die Dreibeinigen Herrscher als Klassiker des Genres. Seine Zukunftsszenarien sind überaus düster, sein Menschenbild sehr pessimistisch. Doch gerade das macht seine Werke so interessant und faszinierend. Seine Bücher sind nicht nur spannend, sondern rütteln auf.

In „Die dreibeinigen Monster“, so der damalige deutsche Titel der Romanreihe, sind die verschiedenen Nationen zurück in eine Form des Feudalismus gefallen. Technische Errungenschaften sind in Vergessenheit geraten. Die Menschen betreiben in der Hauptsache Landwirtschaft und einfaches Handwerk. Aberglaube und Traditionen beherrschen das Leben. Das Wissen über die menschliche Vergangenheit ist abhanden gekommen.

Die Trilogie (später kam ein Prequel als vierter Band hinzu) erschien bereits Ende der 60er Jahre. Zwanzig Jahre später verfilmte die BBC die Romane als Fernsehserie. Auch die Serie entwickelte sich innerhalb kürzester Zeit zum Kult.

Die Menschheit wird von Außerirdischen beherrscht, die in riesigen dreibeinigen Maschinen durch die Lande ziehen. Sie kontrollieren die Menschen durch Chips, die jeder Person auf dem Kopf befestigt wird. Dadurch erfahren die Menschen eine Art Gehirnwäsche. Sie glauben fest daran, dass die Anwesenheit der Außerirdischen gut für die Menschheit ist. In der Tat gibt es seit der Besatzung keine Kriege mehr. Als der Junge Will Parker und sein Cousin Henry kurz vor der Weihung stehen (also kurz bevor sie den Chip erhalten sollen), stellen sie sich immer mehr Fragen über den Sinn dieses Ritus. Sie erfahren, dass es auch Menschen gibt, die nicht geweiht wurden und in Freiheit in einem Gebiet leben sollen, das die Weißen Berge genannt wird. Will und Henry beschließen daraufhin, dorthin zu fliehen, um somit ihrem eigentlichen Schicksal zu entgehen. Die Reise erweist sich jedoch als äußerst gefährlich.

The Tripods (1984); © Koch Media/BBC

Die dramaturgische Umsetzung der Romane von John Christopher ist einwandfrei gelungen. Die Kulissen sind hervorragend, die Effekte für eine damalige Fernsehserie überdurchschnittlich. Jeder Teil kreiert eine extrem dichte Atmosphäre und ist spannend von der ersten bis zur letzten Minute. Überaus detailliert liefert die Serie ein unheimliches Zukunftsszenario.

Zu den beeindruckensten Szenen gehört sicherlich der Aufenthalt von Will und Henry in Paris, das – wie auch alle anderen Großstädte auf der Welt – von den Außerirdischen völlig zerstört wurde. Hier wird zum Teil „Der Omegamann“ zitiert, andererseits spiegeln sich hier die Ängste vor einem atomaren Kahlschlag wider.

Wer die Romane bereits kennt, sollte sich auf jeden Fall auch die TV-Adaption ansehen. Hier wurde keine Mühe gescheut, um eine erstklassige SF-Serie hinzubekommen. Nicht nur ein Klassiker, sondern ein Meilenstein der TV-Geschichte.

Die dreibeinigen Herrscher (OT: The Tripods) Regie: Christopher Barry u. a., Drehbuch: Christopher Penfold, Produktion: Richard Bates, Darsteller: John Shackley, Jim Baker, Ceri Steel. England 1984

Ruhestörung – Richard Yates‘ Roman über Alkoholsucht

Cover der Übersetzung im Verlag DVA

Richard Yates‘ Werk wurde erst nach seinem Tod Wiederentdeckt. Er war vor allem für seinen Debutroman „Zeiten des Aufruhrs“ (1961) bekannt, den er selbst für seinen besten Roman hielt. Später sollte er in einem Interview sogar sagen, dass es schlimm sei, wenn man seinen besten Roman gleich am Anfang schreibt.

In der Tat reichen seine nachfolgenden Romane nicht mehr ganz an den Klassiker heran. Allerdings gelang ihm 1976 mit „Easter Parade“ nochmals ein genialer Wurf. Ein Jahr davor erschien mit „Ruhestörung“ ein Roman, der eher wie eine Art Flickwerk aus verschiedenen Ansätzen wirkt. Es geht um den Verkäufer von Werbeanzeigen John C. Wilder, der sein Leben so richtig satt hat. Am liebsten würde er Filme produzieren, doch stattdessen versinkt er immer mehr im Alltagstrott. Hinzu kommt seine Alkoholsucht, die er nicht mehr im Griff hat. Sein Freund, der Anwalt Paul Borg, liefert ihn, als John während eines Alkoholexzesses durchdreht, in eine Nervenheilanstalt ein.

Doch hilft dies nicht. John kommt von seiner Alkoholsucht einfach nicht los. Eines Tages begegnet er Pamela Hendricks, die sich genauso wie er für das Filmgeschäft interessiert. Beide beginnen eine Affäre und fahren schließlich gemeinsam nach Hollywood, um ihrer vermeintlichen Berufung nachzugehen. Doch die nächste Katastrophe lässt nicht lange auf sich warten …

Cover der amerikanischen Erstausgabe

„Ruhestörung“ beginnt recht vielversprechend, doch dann wird man plötzlich von einer Art Kurzversion von Ken Keseys Roman „Einer flog über das Kuckucksnest“ überrascht. Später, als John auf Pamela trifft, wirkt die Handlung wie eine Art Kurzversion von Sinclair Lewis‘ „Babbitt“. Wie George Babbitt, so gerät John Wilder in eine Gruppe Bohemians. Was für ihn zunächst wie ein Weg in die Freiheit vorkommt, wird für ihn zu einer einzigen Enttäuschung.

In seinem Roman wirft Yates zwar erneut in seiner für ihn typischen bitter-satirischen Weise einen Blick auf die US-amerikanische Gesellschaft, doch wirkt dieser hier nicht wirklich überzeugend. Vielleicht liegt dies daran, dass sich Yates geradezu offen an den beiden oben genannten Romanen von Kesey und Sinclair bedient beziehungsweise ihnen zu ähnlich wird. Das Thema der Alkoholsucht schwingt zwar immer mit, doch gerät es nicht wirklich ins Zentrum der Handlung, so wie man es sich eigentlich erwartet hätte. Hätte Yates den Roman wie sein Debut konzipiert, wäre es sicherlich grandios geworden. So aber wird man nicht wirklich schlau daraus, da man sich ständig fragt, was Yates einem eigentlich sagen möchte.

Andererseits ist es auch wieder durchaus gelungen, wie Yates den amerikanischen Traum durch den Kakao zieht. John und Pamela gehen äußerst naiv an ihr Werk, um ins Big Business der Filmwelt einzusteigen, doch werden ihre Träume durch die bittere Realität, die in diesem Geschäft nun einmal herrscht, nach und nach zerstört. Dennoch fehlt es dem Roman an Kraft, die Figuren erlangen keine richtige Tiefe. Die ganze Handlung, wie bereits erwähnt, wirkt eher zusammengeschustert als fließend.

Auch die damaligen Kritiken fielen negativ aus. Man erkannte in dem Roman nichts mehr von dem Autor von „Zeiten des Aufruhrs“. Erst mit „Easter Parade“ sollte er wieder ein weiteres Meisterwerk schaffen.

J-Pop: Scandals A.M.D.K.J. – Ein Song, dessen Kritik genau ins Schwarze trifft

Scandal „A.M.D.K.J.“; © Mazri/Her

Kaum ist das Jahr ein paar Tage alt, meldet sich die japanische Band Scandal mit einem neuen Song zurück, einem Song, der es in sich hat. Denn hier üben die vier Musikerinnen Kritik am derzeitigen Zustand der Gesellschaft – und diese Kritik war längst überfällig und trifft daher genau ins Schwarze.

Der ominöse Titel des Songs A.M.D.K.J. bezieht sich auf ein in Japan beliebtes Losverfahren mit dem Namen Amidakuji. Es ist ein Spiel, bei dem niemand voraussagen kann, wer als erstes gewinnt. Amidakuji nehmen Scandal als Symbol für die düstere Gegenwart, in der es scheint, dass nur noch jeder gegen jeden kämpft, in der es kein Miteinander mehr gibt, sondern nur noch Egoismus und sich daher jeder selbst am nächsten ist.

Scandal „A.M.D.K.J.“; © Mazri/Her

Die Drummerin Rina Suzuki, die den Text verfasst hat, findet für unsere Zeit eine großartige, bildhafte Sprache und bringt zugleich die Kritik genau auf den Punkt. Die Leute, denen nichts besseres einfällt als Hasskommentare zu schreiben, bezeichnet sie als verlorene Möchtegernkritiker zweiter Klasse. Der zunehmende Egoismus lässt die Gesellschaft zu einem trostlosen Ort werden, aus dem man nur noch fliehen möchte. Und sie geht sogar soweit, dass sie sagt: die Welt, wie sie jetzt ist, ekelt sie nur noch an.

Wow, kann man da nur sagen. Endlich bringt jemand das, was schief läuft, in einem Song zum Ausdruck. Sie fordert die Leute dazu auf, endlich umzudenken. Doch sieht sie selber ein, dass dies leider nur Wunschdenken ist. Denn was bleibt, ist die Angst vor einer noch schlimmeren Zukunft.

Grandios, was die Band da geschaffen hat. Genau so muss Sozialkritik sein. Doch wie Rina Suzuki selbst schreibt, ist eine Änderung des derzeitigen Zustands kaum in Sicht. Auf jeden Fall beweisen Scandal damit, dass sie zurecht zu den besten Rockbands Japans zählen.

J-Pop: Chai – Zwischen Punk, Rock und Pop und vor allem originell

Chai in dem Musikvideo „N.E.O.“; © Sony Music Japan/Burger Records

Chai ist die etwas andere Indie-Band aus Japan, die sich bereits 2012 gegründet, doch erst in den vergangenen zwei Jahren an zunehmender Bekanntheit gewonnen hat. Auf den Namen kamen die vier Musikerinnen, die vor ihrer Band-Karriere russische Literatur studiert hatten, wegen des Tees, den sie zusammen mit ihrem Professor getrunken hatten.

Im Gegensatz zu anderen japanischen Girl-Bands sind Chai alles andere als aufgestylt. Kana, Yuna, Mana und Yuuki wirken eher wie Comedians, treten fast immer in pinkfarbener Kleidung auf, doch ihre Texte sind tiefgründig und werfen zugleich einen satirischen Blick auf die moderne Gesellschaft. In dem Song „Good Job“ zum Beispiel, hinterfragen sie das japanische Patriarchat, das am liebsten keinen sozialen Wandel zulassen, sondern alles beim alten lassen möchte.

Die Band Chai in dem Musikvideo „Future“; © Sony Music Japan/Burger Records

Der Song „Future“ handelt von dem Wunsch eines freundlichen Miteinanders zwischen den Menschen. „I’m in Love“ macht sich lustig über die Trends beim Essen. Doch immer wieder kommen sie auf ihr wichtigstes Thema zurück: es geht nicht um das Aussehen bzw. das Äußere, sondern um den Menschen an sich, als Individuum. Auf diese Weise singen sie in „Curley Adventure“, dass sie auf sämtliche modischen Styles pfeifen, sondern sich so kleiden und frisieren wie sie möchten.

Auf diese Weise sehen sich Kana, Yuna, Mana und Yuuki als Feministinnen, was sich auch in ihrem zweiten Bandnamen bemerkbar macht. Denn neben Chai, bezeichnen sie sich auch immer wieder als N.E.O., als New Exciting Onna-Band, als neue aufregende Frauenband. Dabei kommt einem sogleich Ryuichi Sakamotos Band Neo Geo aus den 80er Jahren in den Sinn, und tatsächlich ähneln sich die musikalischen Stilrichtungen ein wenig: zwischen Pop, Punk, Rock und Experimental sorgen Chai für eingehende Melodien, manchmal melancholisch, manchmal auf den Putz hauend, doch immer äußerst minimalistisch.

2019 absolvierte die Band ihre erste Welttournee und brachte mit „Punk“ ihr aktuellstes Album heraus. Der Ideenreichtum der vier Musikerinnen scheint keine Grenzen zu kennen. Das macht sie in der Tat zu der zur Zeit aufregendsten (japanischen) Indie-Band.