Die 90er: The Birdcage – Ein Paradies für schrille Vögel (1996)

Armand (Robin Williams) und Albert (Nathan Lane); The Birdcage (1996); © MGM

Anfang der 90er begann das, was man schlechthin als Hollywood-Krise bezeichnet. Regisseur Paul Schrader hielt diese in einem damaligen Spiegel-Interview vor allem für eine ästhetische Krise. Doch so schlimm war es gar nicht, wenn man mit einiger Distanz auf das letzte Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts zurückblickt. Und deswegen möchten wir in einer neuen Serie auf die 90er Jahre eingehen.

„The Birdcage“ gilt heute als eine der besten Komödien der 90er Jahre. Es handelt sich dabei um die Neuverfilmung des Theaterstücks „La Cage aux folles“ von Jean Poiret (1926 – 1992), das 1973 uraufgeführt wurde. 1978 wurde es bereits von Édouard Molinaro verfilmt. Damals spielten die Hauptrollen Ugo Tognazzi und Michel Serrault. In der Neuverfilmung von Mike Nichols übernahmen diese Rollen Robin Williams und Nathan Lane.

Nichols hatte bereits 1967 mit „Die Reifeprüfung“ Filmgeschichte geschrieben. Auf sein Konto geht auch die berühmte Kriegssatire „Catch 22“. So ist es kein Wunder, dass Nichols sich auch in „The Birdcage“ als absoluter Meister seines Fachs erweist.

Armand und Albert betreiben gemeinsam einen Drag Queen-Nachtclub. Auch privat sind sie ein Paar. Als eines Tages Armands Sohn Val mit der Nachricht kommt, dass er heiraten möchte, droht Chaos. Denn Vals zukünftige Frau ist die Tochter des erzkonservativen Senators Kevin Keeley, der mitten im Wahlkampf steckt …

Um es auf den Punkt zu bringen: „The Birdcage“ ist sowohl eine turbulente Komödie, als auch eine erstklassige Satire. Besonders die satirischen Elemente lassen den Film heute unglaublich aktuell erscheinen. Denn es geht um nichts anderes als um Toleranz gegenüber dem anderen, die speziell in unserer Zeit immer mehr abnimmt. In dieser Hinsicht macht sich der Film lustig über die (politisch) Konservativen, die Nichols als reine Materialisten und schlicht und ergreifend als dumm entlarvt. Man fühlt sich gar zu sehr an Trump und seine intolerante Amateurpolitik erinnert. Eigentlich sollte man daher den Film wieder in die Kinos bringen, ganz einfach deshalb, um ein Zeichen zu setzen.

Man kann ohne weiteres sagen, dass in „The Birdcage“ alles stimmt. Das Timing der Gags ist perfekt, die Farbgebung ist genial, die Optik erstklassig, die Dialoge pointiert. Dies liegt nicht allein an Nichols Können, sondern genauso an dem großartigen Ensemble: Robin Williams als Armand und der Theaterschauspieler Nathan Lane als Albert (sensationell, wenn Lane als Albert John Wayne karikiert). Nichtzuvergessen Gene Hackman als konservativer Senator und Dianne Wiest als seine spießige Frau.

„The Birdcage“ erhielt 1997 den American Comedy Award und den Screen Actors Guilt Award. Für die Kulissen bzw. das Szenenbild war er zudem für den Oscar nominiert.

The Birdcage. Regie u. Produktion: Mike Nichols, Drehbuch: Elaine May, Darsteller: Robin Williams, Nathan Lane, Gene Hackman, Dianne Wiest. USA 1996, 114 Min.

Ex Libris – Die Public Library von New York

Ex Libris (USA 2017); Copyright: Koos/Good Movies

Unter Bibliothek stellt man sich vor allem Regale voller Bücher vor. Mit diesem gedanklichen Bild begann auch der bekannte Dokumentarfilmregisseur Frederick Wiseman seine Arbeit an „Ex Libris – The Public Library of New York“. Und er und nicht weniger man selbst ist erstaunt, dass die weltbekannte Bibliothek weit mehr als das ist.

Viel eher könnte man die Public Library von New York als eine Mischung aus Volkshochschule und Gemeindezentrum bezeichnen, wo von Vorträgen bis hin zu Workshops alles angeboten wird. So gibt es Seniorentanzkurse, genauso wie Jobmessen und Leserunden. Vorträge über Wirtschaftsgeschichte, Philosphopie, Literatur oder Kunst werden ebenso angeboten wie Diskussionen mit Autoren und Musikern. Daneben gibt es Hausaufgabenbetreuung, wobei sich die Library auch den sozialen Problemen der Stadt widmet und Integrationsarbeit leistet.

Der über dreistündigen Dokumentation merkt man die außergewöhnliche Länge kein bisschen an. Man beobachtet gespannt die faszinierenden Abläufe in der Bibliothek und lauscht interessiert den Vorträgen. Gut, von den Meetings der Verwaltung hätte es ruhig weniger sein können. Sie vervollständigen zwar den Ein- bzw. Überblick über die verschiedenen Aufgaben, doch zwischendurch scheint es, als würde die Doku von einer Besprechung zur nächsten springen.

Dennoch macht die Dokumentation Spaß und ist nicht nur etwas für Leseratten. Ja, eigentlich geht es hier gar nicht ums Lesen oder um Bücher, sondern eben um die verschiedenen Abläufe und Angebote, die aus der Public Library mit ihren rund 90 Zweigstellen mehr machen als nur eine Bibliothek im klassischen Sinne. Es geht natürlich in erster Linie um die Vermittlung von Wissen, doch ebenso um das Zusammenführen verschiedener Kulturen und sozialer Schichten. Wiseman selbst sagte, das die Public Library das Gegengift zu Trumps darwinistischer Ideologie sei.- So lange es daher eine solche Institution gibt, darf man noch hoffen.

The 80s: Alien Nation – Space Cop L.A. 1991 (1988)

James Caan und Mandy Patinkin als Matthew Sykes und Sam Francisco; „Alien Nation“ (1988), © 20th Century Fox

Aufgrund seiner Thematik könnte Alien Nation genauso gut aus diesem Jahrzehnt stammen. Es geht um Immigration und Integration mit allen denkbaren Konsequenzen.

Alien Nation, der in Deutschland den Zusatztitel Space Cop L.A. 1991 erhielt, spielt in eben diesem Jahr. 1988 landete in den USA ein UFO, bei dessen Besatzung es sich um geflohene Sklaven handelte. Da die Außerirdischen, die als Slags bezeichnet werden, menschenähnlich sind, wurde versucht, diese in die Gesellschaft zu integrieren, was teilweise tatsächlich funktioniert hat. Teilweise aber auch nicht.

Als bei einem Einsatz zwei Slags einen Laden überfallen, wird der Partner von Matthew Sykes getötet. Gemeinsam mit einem Slag namens Sam Francisco versucht er, das Verbrechen aufzuklären und kommt dabei einem noch größeren Verbrechen auf die Spur …

Faszinierend an Graham Bakers SF-Cop-Thriller ist die Darstellung der Gesellschaft, in der Menschen und Slags versuchen müssen, miteinander zu leben. Dies gelingt nicht immer. Es gibt diejenigen Slags, die sich in die menschliche Gesellschaft integrieren und diejenigen, die in einer Art Parallelgesellschaft leben und sich kein bisschen integrieren wollen. Heutzutage wirkt der Film ungewollt, als wollte uns Baker ein Spiegelbild in Sachen Flüchtlingskrise vorhalten. Dem ist natürlich nicht so. Man könnte daher sagen, dass der Film vom gesellschaftlichen Wandel eingeholt wurde und er dadurch lediglich so wirkt.

Der Film selbst ist von Anfang an spannend inszeniert, obwohl er in seinen Thriller-Elementen nicht wirklich Neuland schafft. Würde der Aspekt mit den Außerirdischen wegfallen, so hätten wir einen durchschnittlichen Krimi vor uns. So aber besitzt Alien Nation durchaus etwas Originelles. Dies hängt auch damit zusammen, dass Baker versucht, so realistisch wie möglich das Zusammenleben zwischen Menschen und Slags zu skizzieren. Leider aber bleibt es dabei mehr oder weniger beim Skizzenhaften. In diesem Sinne geht der Film kaum in die Tiefe, doch das, was er zeigt, wirkt keineswegs an den Haaren herbeigezogen.

Denn diese Gefahr hätte durchaus bestanden. Um dem entgegenzuwirken, wollten die Macher von Anfang an, dass die Slags nicht wie irgendwelche Monster ausschauen, sondern ihr Äußeres mehr oder weniger menschlich wirkt. Dies alles wird von hervorragenden Schauspielern unterstützt: so spiel James Caan den abgebrannten Cop Matthew Sykes, der mehrfach ausgezeichnete Mandy Patinkin mimt seinen Partner Sam Francisco.

Obwohl der Film damals eher negative Kritiken auslöste, lief er recht erfolgreich in den Kinos. So erfolgreich, dass 1989 daraus eine TV-Serie wurde.

Alien Nation – Space Cop L.A. 1991 (OT: Alien Nation). Regie: Graham Baker, Drehbuch: Rockne S. O’Bannon, Produktion: Gale Anne Hurd, Darsteller: James Caan, Mandy Patinkin, Terence Stamp. USA 1988, 85 Min.

Die Klunkerecke: Unsere kleine Schwester (2015)

Unsere kleine Schwester (Japan 2015); © Pandora Film/Toho Inc.

Frauenfilme haben auch in Japan eine lange Tradition. Sie gehen stets einher mit Emanzipationsbewegungen und reichen zurück bis in die 1930er Jahre. So ist auch das moderne japanische Kino eng damit verbunden. Denn Mitte der 90er Jahre formte sich in Japan eine neue Emanzipationsbewegung, die jene Filme beeinflusste, die ab diesem Zeitpunkt produziert wurden. Hirokazu Koreedas 2015 entstandener Film Unsere kleine Schwester gehört zu den besten Beispielen dafür.

Die drei Schwestern Sachi, Yoshino und Chika leben zusammen in einem Haus in dem Küstenort Kamakura. Vor 15 Jahren hat sie ihr Vater wegen seiner Geliebten verlassen. Als sie nun von seinem Tod erfahren, reisen sie zum ersten Mal in die Stadt, in der ihr Vater gelebt hat, um an der Beerdigung teilzunehmen.

Mit großer Überraschung stellen sie dabei fest, dass ihr Vater noch eine Tochter hat: die 13-jährige Suzu, die mit ihrer Stiefmutter nicht zurecht kommt. Kurzerhand beschließen die drei Schwestern, Suzu mit nach Kamakura zu nehmen.

Unsere kleine Schwester ist Hirokazu Kore-edas optimistischster Film, eine helle, leichte und liebevolle Geschichte um eine außergewöhnliche Familie, hat doch nach dem Weggang des Vaters die älteste Schwester Sachi die Rolle des Familienoberhaupts übernommen.

Es ist kein Film über Familienkonflikte, denn diese liegen bereits in der Vergangenheit. Vielmehr ist es ein Film über das Leben selbst, über Zusammenhalt und harmonische Gemeinschaft. Kore-eda entwirft dabei sozusagen ein Gegenmodell zum traditionellen Patriarchat, denn in seinem Film regieren und handeln beinahe ausschließlich Frauen.

Obwohl Kore-eda wie bei jedem seiner Filme das Drehbuch selbst verfasste, so ist Unsere kleine Schwester eine Adaption eines Mangas der preisgekrönten Autorin Akimi Yoshida, deren Geschichten hauptsächlich für junge Frauen konzipiert sind. Während man vor allem in Deutschland noch immer Mangas belächelt, so gehören sie in Japan von Anfang an zur belletristischen Literatur und stehen daher auf derselben Ebene wie etwa die Romane von Haruki Murakami. Aus diesem Grund ist es nicht außergewöhnlich, dass Hirokazu Koreeda sich eines solchen Stoffes angenommen hat.

Was Akimi Yoshidas Werke besonders auszeichnen, ist die sanfte melancholische Atmosphäre, die in ihren Geschichten mitschwingt. Kore-eda griff diese Atmosphäre für seine Adaption auf, die sich nicht nur in der Geschichte, sondern auch in den wunderbaren Landschaftsaufnahmen bemerkbar macht.

Hirokazu Kore-eda verzichtet in Unsere kleine Schwester völlig auf sozialkritische Aspekte, die in seinen Filmen immer mitschwingen. Stattdessen geht der Film voll und ganz im Alltag der Schwestern auf. Fast alle der vier Darstellerinnen haben bereits davor mit Kore-eda zusammengearbeitet. Suzu Hirose, die die „kleine Schwester“ spielt und dabei zugleich ihr Debut gab, erhielt für ihre Rolle den Japanese Academy Award als beste Newcomerin. Zwei Jahre später arbeitete sie wieder mit Kore-eda in dessen Thriller The third Murder zusammen.

Unsere kleine Schwester (OT: Umimachi Diary). Regie u. Drehbuch: Hirokazu Kore-eda, Produktion: Kaoru Matsuzaki, Hijiri Taguchi; Darsteller
Haruka Ayase, Masami Nagasawa, Kaho, Suzu Hirose, Ryo Kase, Kirin Kiri, Lili Franky; Japan 2015, 127 Min.

Die Klunkerecke: King Kong (1976)

Schau mir in die Augen, Kleines. – King Kong (1976); Copyright: StudioCanal

43 Jahre nach dem Sensationserfolg „King Kong“, der Hauptdarstellerin Fay Wray zur ersten Screamqueen der Filmgeschichte machte, wurde der Riesenaffe erneut auf die Zuschauer losgelassen. Dies in dem gleichnamigen Remake von Regisseur John Guillermin.

Nominiert war „King Kong“ für die beste Kamera und den besten Ton. Statt eines Stop-Motion-Monsters, trampelt hier ein Darsteller im Affenkostüm durch die Lande, was aber keineswegs albern aussieht, sondern durchaus Wirkung erzielt. Vor allem beeindruckend ist die Mimik der Affenmaske. Für diese Kreation war der Make-Up-Künstler Carlo Rambaldi verantwortlich, der 1982 auch E.T. erschaffen hatte.

Im Groben und Ganzen erzählt das Remake dieselbe Geschichte wie das Original, wobei es Guillermin jedoch gelingt, die Handlung einwandfrei in die 70er Jahre rüberzubringen. So wird aus dem reinen Monsterfilm ein typischer Vertreter des 70er Jahre-Öko-Horror-Genres. Ein Ölkonzern vermutet auf einer abgelegenen Insel reiche Ölvorkommen. Mit an Bord allerdings schmuggelt sich auch der Anthropologe Jack Prescott, der den Gerüchten um eine seltsame Affenart nachgehen möchte.

Eines Tages erhält das Schiff ein SOS-Notsignal, kann dessen Ursprung allerdings nicht ausfindig machen. Schließlich aber macht die Besatzung ein Schlauchboot aus, das auf dem Meer treibt. An Bord befindet sich die Schauspielerin Dwan, gespielt von Jessica Lange, die hier ihr Debut gab. Gemeinsam erreichen sie schließlich die Insel und treffen auch auf den Monsteraffen …

Im Gegensatz zu dem Originalfilm hinterfragt das Remake das Verhalten der weißen Eindringlinge und wird dadurch zu einem Beitrag des postmodernen Kinos mit postkolonialer Gesellschaftskritik. Die Gier nach Reichtum steht dem Bewahren der Natur und dem Verstehen fremder Kulturen gegenüber. Während Fred Wilson, der das Öl für seine Firma gewinnen möchte, für seinen Profit über Leichen geht, warnt Prescott davor, etwas an dem Sozialgefüge und der Natur zu verändern.

John Prescott (Jeff Bridges) und Dwan (Jessica Lange); King Kong (1976); Copyright: StudioCanal

Die Konsequenz ist für alle Beteiligten katastrophal. Auf diese Weise wird der Film in seinem Finale zu einer vehementen Medienkritik, die für unsere Zeit heute genauso gilt wie für damals. Dwans Verzweiflung wird für alle anderen zur Sensation und damit auch wieder zur reinen Geldmacherei. In diesem Sinne vermittelt „King Kong“ das Bild einer dekadenten, ich-bezogenen Gesellschaft, die nicht mehr auf Werte und Moral achtet. Wie gesagt, das alles trifft nicht weniger auch unsere Epoche mitten ins Schwarze.

Besonders die erste Hälfte des Remakes ist grandios gefilmt, die Story, da sie sehr gut in die damalige Zeit umgesetzt wurde, hervorragend. Die zweite Hälfte jedoch zieht sich ein wenig. Schuld daran ist vor allem, dass Guillermin auf all die Dinos verzichtet, die das Original so aufregend gemacht haben. In dem Remake kommt lediglich eine popelige Riesenschlange vor. Dennoch macht „King Kong“ aus dem Jahr 1976 Spaß und ist letztendlich ebenfalls zu einem Klassiker des Monsterfilms geworden. An das Original reicht er natürlich nicht heran, für sich genommen aber ist Guillermins Version wirklich toll.

1986 versuchte sich der Regisseur mit „King Kong lebt“ an eine Fortsetzung, scheiterte dabei allerdings auf ganzer Linie. Der Film floppte total und das zurecht. Denn die Spezialeffekte und auch die Handlung sind dermaßen schlecht, dass man nicht mal mehr darüber lachen kann.

King Kong. Regie: John Guillermin, Drehbuch: Lorenzo Semple, Produktion: Dino de Laurentis, Darsteller: Jeff Bridges, Jessica Lange, Charles Grodin. USA 1976, 129 Min.

Der Junge im Dunkeln – Mervyn Peakes düstere Fantasy-Erzählung

Der Maler und Illustrator Mervyn Peake (1911 – 1968) verfasste von Mitte der 40er Jahre bis Ende der 50er Jahre eine Romantrilogie, deren literarischer Stellenwert demjenigen von Tolkiens „Herr der Ringe“ durchaus gleichkommt. Im englischen Sprachraum zählt Peakes „Gormenghast“ längst zu den Klassikern der Literatur. In Deutschland dagegen hält sich der Bekanntheitsgrad dieser außergewöhnlichen Romane immer noch in Grenzen.

Dennoch bzw. zum Glück gibt es eine deutsche Übersetzung im Klett-Cotta-Verlag, die erst vor wenigen Jahren neu aufgelegt wurde. 2011 erschien dann sogar der vierte Gormenghast-Roman mit dem Titel „Titus erwacht“, eigentlich ein Romanwrackment, das Mervyn Peakes Frau nach dessen Tod vollendet hat.

In „Gormenghast“ geht es um Titus Groan, der im Schloss Gormenghast aufwächst, es geht um die seltsamen Bewohner des Schlosses und um deren heimtückischen Intrigen. Peakes Romane sind einzigartig, wunderschön geschrieben und besitzen durchweg diese spezielle, düster-schaurige Atmosphäre, welche das uralte Schloss regelrecht lebendig werden lässt.

Nun ist eine weitere Gormenghast-Erzählung erschienen, übersetzt von Alexander Pechmann, der bereits „Titus erwacht“ ins Deutsche übertragen hat. Die Erzählung mit dem Titel „Der Junge im Dunkeln“ erzählt von Titus‘ 14. Geburtstag. Ein geheimnisvolles Ritual steht bevor, dem sich Titus jedoch entziehen möchte. Daher flieht er eines nachts aus dem Schloss und gelangt schließlich an einen äußerst sonderbaren Ort und zu nicht weniger sonderbaren Wesen: Bock und Hyäne, zwei Tiermenschen, die sich gegenseitig nicht leiden können, doch den Jungen unbedingt zu ihrem Herrn bringen wollen, da dieser seit langer Zeit nach einem solchen Jungen sucht.

Die Erzählung ist überaus spannend und genauso wunderbar geschrieben wie die Romane. Titus erlebt darin ein düsteres, ja schauriges Abenteuer, das durch die grotesken Figuren eine ungeheure Faszination erhält. Stets stellt man sich die Frage, wie Titus aus seiner unheimlichen Gefangenschaft wieder entfliehen kann. Denn ein Entkommen scheint erfolglos, besonders da der Herr dieses bizarren Ortes, an den Titus gebracht wird, die Macht besitzt, allein durch einen Blick den Willen seiner Opfer zu brechen.

„Der Junge im Dunkeln“ ist eine erstklassige Mischung aus Fantasy und Schauergeschichte, die man auch lesen und nachvollziehen kann, wenn man Mervyn Peakes Romane noch nicht kennt. Bei der Aufmachung des Buches stellt sich allerdings die Frage, weswegen der Verlag statt eines Nachworts eine Leseprobe des ersten Gormanghast-Romans ans Ende des Buchs gestellt hat. Fast scheint es wie eine hilflose Notlösung, da man nichts anderes hinbekommen hat, was doch recht ärgerlich ist. Ein Nachwort hätte die Ausgabe um ein Vielfaches aufgwertet. Die Geschichte selbst aber ist absolut lesenswert und wird vielleicht auch Leser, die noch nichts von Mervyn Peake gelesen haben, dazu bringen, sich mit den eigentlichen Gormenghast-Romanen zu beschäftigen.

Mervyn Peake. Der Junge im Dunkeln. Klett-Cotta Verlag 2019, 110 Seiten, 16,00 Euro.

FuBs Klassikbox: Die Verdammten der Meere (1962)

Claggart (Robert Ryan), Billy Budd (Terence Stamp) und Kapitän Vere (Peter Ustinov); „BillyBudd“ (1962), © Allied Artists

Die Zeit der Seefahrerfilme war eigentlich fast schon vorbei, da drehte Peter Ustinov „Billy Budd“, einen der wohl außergewöhnlichsten Abenteuerfilme. „Billy Budd“ basiert zum einen auf Herman Melvilles berühmten Roman, zum anderen auf dem gleichnamigen Theaterstück.

Es geht um den jungen Matrosen Billy Budd, der 1797 auf ein englisches Kriegsschiff kommt. Durch seine ehrliche Art ist er schnell bei der Mannschaft beliebt. Doch an Bord befindet sich auch der sadistische Offizier Claggart, der Männer grundlos auspeitschen lässt. Billy möchte er als sein nächstes Opfer, doch die ehrliche Art des Jungen steigert in Claggart mehr und mehr seine krankhafte Wut …

Peter Ustinov in schwarzweiß gedrehter Film ist kein Abenteuerfilm im üblichen Sinn. Man findet hier keine tollkühnen Helden, die andere Schiffe kapern. Der Film spielt fast ausschließlich an Bord der Avenger, dem Kriegsschiff, auf das Billy unfreiwillig gebracht wird. Gleich von Anfang an herrscht dort eine angespannte Atmosphäre. Billy bekommt als erstes mit, wie einer der Matrosen ausgepeitscht wird. Und er begegnet dem unheimlichen Claggart. Fast scheint es so, als wäre er der Kapitän des Schiffes und nicht Kapitän Vere, der zwar streng. doch auch irgendwie gutmütig ist.

Das Kunststück, das Peter Ustinov nun fertig brachte, war, dass er „Billy Budd“ im Stil eines Film Noir drehte. Schließlich geht es unter anderem darum, dass ein gemeingefährlicher Psychopath die Mannschaft terrorisiert. Das ist natürlich vereinfacht dargestellt, denn in dem Film geht es um viel mehr: es geht um die Frage, ob das Gesetz tatsächlich jeden Sachverhalt be- bzw. verurteilen kann, es geht um die Frage der Schuld und damit um moralische Ansichten und inwieweit diese vertretbar sind.

Billy Budd (Terence Stamp) und Claggart (Robert Ryan) in der Kajüte des Kapitäns; „Billy Budd“ (1962); © Allied Artists

All diese Aspekte webt Peter Ustinov gekonnt in eine spannende Geschichte ein, die vor allem durch die Gegenüberstellung von Billy Budd und dem bösartigen Claggart lebt. Bei den jeweiligen Aufeinandertreffen knistert es regelrecht vor Spannung. Robert Ryan, der auf die Rollen psychopathisch veranlagter Bösewichte spezialistiert war, spielt hier Claggart auf eine so bedrohliche Weise, dass sich die Furcht der Mannschaft regelrecht auf den Zuschauer überträgt. Ihm gegenüber hatte Terence Stamp seine erste Filmrolle und war dafür gleich mehrfach ausgezeichnet und sogar für den Oscar nominiert worden. Peter Ustinov selbst führte nicht nur Regie, sondern schrieb auch am Drehbuch mit und produzierte den Film. Zugleich spielte er die Rolle von Kapitän Vere, der sich durch sein Klammern an die Pflicht selbst in die Zwickmühle bringt.

Kurz: „Die Verdammten der Meere“ ist ein erstklassiger (Abenteuer-)Film, der an Spannung kaum zu überbieten ist und der einem aufgrund der grundlegenden Fragestellung, um die es letztendlich geht, nicht mehr so schnell aus dem Kopf geht.

Die Verdammten der Meere (OT: Billy Budd). Regie, Drehbuch, Produktion: Peter Ustinov, Darsteller: Robert Ryan, Terence Stamp, Peter Ustinov, Melvyn Douglas, John Neville, David McCallum. England 1962, 123 Min.