Horror de Luxe: Die Prophezeiung (1979)

Pu der Bär einmal anders; „Die Prophezeiung“ (1979); © Paramount Pictures

Als „Die Prophezeiung“ von Regisseur John Frankenheimer 1979 in die Kinos kam, wurde er von manchem Kritiker als schlechtester Film aller Zeiten bewertet. Frankenheimer selbst schob damals alles auf seine Alkoholprobleme. Und dennoch: „Die Prophezeiung“, wobei in dem Film überhaupt nicht klar wird, was das eigentlich für eine Prophezeiung sein soll, ist Unterhaltung pur.

Einerseits verhaftet im typischen Tierhorror der 70er Jahre, geht der Film noch einen Schritt weiter, indem er keine „normalen“ Tiere zeigt, die es auf die Menschheit abgesehen haben, sondern einen mutierten Monsterbären, der durch die Wälder Maines streift und Wanderern und Holzfällern eines auf die Rübe gibt.

Während die dort ansässigen Indianer einer Papierfabrik die Schuld für diverse Todesfälle geben, weist Isley, der Chef der Fabrik, sämtliche Schuld von sich. Schließlich soll der Mediziner Robert Verne untersuchen, ob durch die Fabrik Giftstoffe in die Erde bzw. ins Wasser gelangen. Zusammen mit seiner Frau macht er jedoch unliebsame Bekanntschaft mit einem Monsterbären, der Jagd auf sie macht …

Wie gesagt, der Film ist Unterhaltung pur. David Seltzer, der das Drehbuch zu „Das Omen“ verfasst hat, schrieb auch das Skript für diese Mischung aus Trash und Öko-Horror-Thriller. In dem Monsterbärenkostüm steckte Kevin Peter Hall, der Ende der 80er Jahre auch in die Ganzkörpermaske des Predator schlüpfte. Leider wollte John Frankenheimer, dass das Monster mehr wie ein Bär als wie ein echtes Monster aussehen soll, was dem Aussehen der Kreatur ein wenig schadet.

Was den Film letztendlich so bemerkenswert macht, ist, dass hier eine teils tolle Optik mit teils albern gefilmten Situationen kombiniert wurde – ein echtes Paradoxon, aber Frankenheimer und sein Team haben es geschafft. Dies führt dazu, dass manche Szene, in der das Monster seine Opfer angreift, unfreiwillig komisch wirkt. So zum Beispiel die Szene, in der ein Junge in einem Schlafsack davonhüpft und dabei eines von dem Monsterbären verpasst bekommt, sodass er gegen einen Felsen geschleudert wird. Obwohl die Szene ernst gemeint war, fällt man jedes Mal, wenn man sie sieht, vor Lachen halb vom Stuhl.

Die Öko-Botschaft scheint den Machern von „Die Prophezeiung“ auch nicht so wichtig gewesen zu sein. Sie brauchten nun mal einen Aufhänger, um damit den Monsterfilm besser vermarkten zu können. Das Augenmerk liegt ganz klar auf Monster-jagt-Menschen-durch-den-Wald. Von Anfang an legt der Film dabei ein rasantes Tempo vor. Wenn man einen Vergleich mit einem anderen Film suchen müsste, so würde mir daher als erstes „Komodo“ (1999) einfallen, der nicht weniger eine Mischung aus Trash, guter Optik und rasanter Handlung aufweist.

„Die Prophezeiung“ hat es jedenfalls geschafft zu einer Art Trash- und Monsterklassiker zu werden. Damals war der Film ein großer Erfolg, trotz aller schlechter Kritiken. Zugleich war „Die Prophezeiung“ einer der ersten Hollywoodfilme, der in Kanada gedreht wurde und die dortige Filmwirtschaft ankurbelte.

Die Prophezeiung (OT: The Prophecy). Regie: John Frankenheimer, Drehbuch: David Seltzer, Produktion: Robert L. Rosen, Darsteller: Talia Shire, Robert Foxworth, Armand Assante, Richard Dysart. USA 1979, 98 Min.

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The 80s: Das fliegende Auge (1982)

Szene aus „Das fliegende Auge“ (USA 1982); © Sony Pictures/Columbia Pictures

Die Frage lautet, welcher Film aus den 80er Jahren denn kein Klassiker ist? Einen Film aus diesem Jahrzehnt zu finden, der nicht auf irgendeine Weise prägend gewesen wäre, ist fast unmöglich. Egal ob Mainstream, Arthouse oder Trash, die 80er Jahre beeinflussen bis heute die Art und Weise und den Stil des Filmemachens.

Hierbei natürlich auch das Actiongenre. 1982 drehte John Badham den Thriller „Das fliegende Auge“, dessen Titel im Original „Blue Thunder“ lautet, und landete damit einen Riesenerfolg. Das Drehbuch stammte von Dan O’Bannon, der unter anderem auch das Drehbuch für den SF-Klassiker „Alien“ verfasst hat. In der Hauptrolle brilliert Roy Scheider, der durch Spielbergs „Der weisse Hai“ einen deutlichen Karriereschub erfuhr.

Gleich zu Anfang wird erwähnt, dass alle technischen Aspekte, die in dem Film vorkommen, tatsächlich existieren. Und dennoch wirkte die Thematik damals noch wie Science Fiction – jedenfalls für mich, als ich den Film damals gesehen hab. Heute dagagen wirkt der Film auf berunruhigende Weise real, da sich immer mehr Staaten in Überwachungsstaaten transformieren.

Kinoplakat von „Das fliegende Auge“

Und da wären wir auch schon mitten in der Handlung. Es geht nämlich um den Polizisten Frank Murphy, der als Helikopterpilot die Straßen Los Angeles‘ von oben überwacht. Eines Tages erhält die Polizeizentrale einen neuen Helikopter, den sie testen soll. Die Maschine besitzt nicht nur hochempfindliche Mikrophone, um Gespräche abzuhören, sondern kann auch mithilfe von Spezialkameras durch Wände filmen. Und: der Helikopter ist mit mehreren Waffen ausgestattet.

Murphy kommt bei einem dieser Probeflüge einer Staatsverschwörung namens „Thor“ auf die Spur. Im spanischen Viertel von Los Angeles soll eine Revolte angezettelt werden, um den Helikopter als Probeversuch einsetzen zu können …

Um es gleich zu sagen: „Das fliegende Auge“ ist unglaublich spannend inszeniert. Das erste Viertel des Films zeigt Murphy bei seinem Arbeitsalltag, während er über die Stadt hinwegfliegt und dabei seinen Kollegen bei der Verbrecherjagd hilft. Schon allein diese Szenen sind genial gefilmt und besitzen eine überaus dichte Atmosphäre.

Als dann auch noch der neue Helikopter Blue Thunder ins Spiel kommt, entwickelt sich der Film zu einem echten Actionhighlight. Etwas mehr als 20 Minuten dauert dann auch der packende Showdown, in dem Murphy mit Blue Thunder zwischen den Hochhäusern herumsaust, während er von zwei Kampfjets verfolgt wird.

Wie bereits erwähnt, sind die Action und die Spannung hochgradig gut inszeniert. Nicht weniger großartig ist die eingewebte Kritik an der Überwachungstechnik und das rücksichtslose Vorgehen seitens der Politik (heute müsste man diverse Konzerne hinzuzählen), diese auf eine Weise einzusetzen, um damit auch unbescholtene Bürger zu kontrollieren. Wie oben bereits erwähnt, ist speziell dieser Aspekt des Films heute noch aktueller als damals und sorgt dabei für ein ungutes Gefühl. Denn das, was damals noch eher wie ein düsterer Blick in eine noch düsterere Zukunft gewirkt hat, ist heute düstere Realität.

Das fliegende Auge (OT: Blue Thunder). Regie: John Badham, Drehbuch: Dan O’Bannon, Don Jakoby, Produktion: Gordon Carroll, Darsteller: Roy Scheider, Warren Oates, Candy Clark, Daniel Stern, Malcom McDowell. USA 1982, 105 Min.

Die Klunkerecke: Frankenstein – Wie er wirklich war (1973)

Regisseur Jack Smight und Autor Christopher Isherwood gelang es Anfang der 70er Jahre, einen Frankensteinfilm zu schaffen, der mit der Romanvorlage von Mary Shelley so gut wie nichts zu tun hat und zugleich oder eher dennoch einen Meilenstein des TV-Films darstellt.

Ausgestattet mit einem großen Budget, konnte man nicht nur auf Stars wie James Mason, Jane Seymour oder John Gielgud zurückgreifen, sondern auch tolle Kulissen und großartige Explosionen kreieren. Isherwood übernahm dabei lediglich die Grundhandlung des berühmten Schauerromans, der Rest ist eine rasante Gruselstory, die teils überraschend blutig ausgefallen ist und sich von einem dramatischen Höhepunkt zu nächsten hangelt.

Victor Frankenstein (Leonard Whiting) und Dr. Clerval (David McCallum) bei einem Experiment; „Frankenstein – The true Story“ (1973); © Universal Pictures

Victor Frankenstein trifft hier auf den genialen Chirurgen Henry Clerval, der Totes wiederbeleben möchte. Nach ein paar Experimenten an toten Tieren, baut er aus Leichenteilen einen Menschen zusammen. Clerval bittet bei diesem letzten Arbeitsschritt Victor um Hilfe, was dazu führt, dass sich dieser immer mehr in das Vorhaben hineinsteigert. Das Resultat ist bekannt: ein Monster. Clerval stirbt und Frankenstein versucht, den künstlichen Menschen in die Gesellschaft einzuführen.

Doch steht Frankenstein dabei vor zwei Problemen: zum einen verfällt der Körper des Monsters und zweitens ist ihm Dr. Polidori auf den Fersen, der ihn dazu bringen will, zusammen mit ihm eine Frau zu erschaffen. Auch das gelingt, doch nach und nach gerät die Situation für Frankenstein und Polidori außer Kontrolle, was tragische und tödliche Konsequenzen mit sich bringt …

„Frankenstein – The true Story“ ist packend, dramatisch und zugleich tiefgründig und, wie bereits erwähnt, reiht dabei einen Höhepunkt an den anderen. Schon die Schaffung des Monsters ist eine wahre Sensation, wenn dabei die ganzen Instrumente explodieren. Unglaublich toll, wenn bei der Schaffung der Frau bunte Farbblasen das Bild ausfüllen und dabei dem Prozess einen leicht psychedelischen Touch verleihen. Nicht weniger originell, wenn das Monster einen Tanzabend aufmischt, um die künstliche Frau namens Prima zu entführen – mit einem wahrhaft grausamen Höhepunkt. Und schließlich das Finale auf einem Segelschiff mitten auf dem Atlantik und bei starkem Sturm, während das Monster Amok läuft.

Der Film liefert bei all dem eine grandiose Optik, sodass man nicht glaubt, einen Fernsehfilm vor sich zu haben. Die Schauspieler gehen dabei voll in ihren Rollen auf. Besonders James Mason, der wie immer einen zwielichtigen Charakter mimt. Nicht weniger grandios sind Bond-Girl Jane Seymour als Prima, der künstlichen Frau, oder auch U.N.C.L.E.-Veteran David McCallum als Chirurg Clerval. Kurz: ein absolutes Meisterstück.

Frankenstein – Wie er wirklich war (OT: Frankenstein – The true Story). Regie: Jack Smight, Drehbuch: Christopher Isherwood, Produktion: Ian Lewis, Darsteller: James Mason, Leonard Whiting, Jane Seymour, David McCallum, Michael Sarrazin, Nicola Pagett. England/USA 1973, 182 Min.

What keeps you alive – Horror in Zeiten des Genderwahns

Wehe man ärgert sich heutzutage über jemanden, schon wird man verdächtigt Rassist, Sexist oder alles zusammen zu sein. Angefacht durch die metoo-Debatte erzeugt dies einen pseudmoralischen Selbstläufer, der nicht zu stoppen und von Narzisten, die anderen ihre Meinung wenn nötig auch per Anwalt aufdrücken wollen, missbraucht wird.

Was es also braucht, ist eine Antwort auf das, was zurzeit falsch läuft. Und in diesem Sinne kommt der kleine, aber feine Horrorfilm „What keeps you alive“ genau richtig. Die kanadische Produktion stammt von Regisseur Colin Minhian, der sich davor einen Namen durch den SF-Horrorfilm „Extraterrestial“ gemacht hat. Zusammen mit seiner Lebensgefährtin Brittany Allen, die nicht nur die Hautprolle spielt, sondern auch die Musik komponiert hat, entwickelte er die Mischung aus Psycho-Thriller und Gender-Horror, die es in sich hat.

Erzählt wird die Geschichte des gleichgeschlechtlichen Paares Jules und Jackie, die ihren ersten Hochzeitstag feiern wollen. Dazu fahren sie in ein abgelgenes Haus, in dem Jackie als Kind gewohnt hat. Nach und nach aber erfährt Jules, dass Jackie völlig anders ist, als sie sich ausgibt: sie ist eine gefährliche Psychopathin, die ihre Lebensgefährtinnen ermordet, um an deren Geld zu kommen …

Damit ist keineswegs der Plot verraten, denn all das erfährt man schon gleich am Anfang. Was folgt ist dermaßen spannend inszeniert und derart gut gefilmt, dass man buchstäblich den Atem anhält. Auch als gewiefter Horrorfan saß ich wie gebannt da und zitterte, da man stets auf die nächste krankhafte Gemeinheit Jackies gefasst sein muss.

Das Paar sollte zunächst von einem Mann und einer Frau gespielt werden. Doch wahrscheinlich animiert durch die derzeitge Genderdebatte, die sich nur noch um sich selbst dreht, machten Minhian und Allen daraus ein sog. Same-Sex-Couple. Kein männlicher Psychopath, sondern eben eine weibliche Psychopathin, die sich selbst für unübertroffen hält, macht Jagd auf ihre weiblichen Opfer und sorgt dabei für ein Symbol, das überfällig war: eben für den krankhaften Narzissmus, der zurzeit unschöne Blüten treibt und für teils lachhafte, teils widerliche Konflikte verantwortlich ist und nichts mehr mit dem eigentlichen metoo-Anliegen zu tun hat.

Minhian reichen dafür gerade mal zwei hervorragende Schauspielerinnen, die den gesamten Film mit ihrer Aura ausfüllen. Kurz: ein toller Film, der in jeder Hinsicht überzeugt.

What keeps you alive. Regie u. Drehbuch: Colin Minhian, Produktion: Kurtis David Harder, Darsteller: Brittany Allen, Hannah Emily Anderson. Kanada 2018, 98 Min.

 

 

Genesis 2.0 – Ein Dokumantarfilm, so spannend wie ein SF-Thriller

Man könnte sagen: Die Zukunft ist jetzt. Denn das, was die beiden Filmemacher Christian Frei und Maxim Arbugaev in ihrem neuen Dokumentarfilm zeigen, ist fast schon so erschreckend wie ein SF-Öko-Thriller. Doch alles das, was in „Genesis 2.0“ vorkommt, ist (leider) Realität.

Es scheint sich zunächst um zwei völlig verschiedene Themen zu handeln, mit denen sich Frei und Arbugaev in ihrem Film beschäftigen. Da sind zum einen die Sammler von Mammutstoßszähnen auf einer Insel vor Sibirien, die das Elfenbein an chinesische Geschäftsleute verkaufen. Zum anderen sind da Genforscher, die neue Tierarten züchten und mit den Genen herumexperimentieren, als wäre es nichts anderes als eine bloße Spielerei.

Die Verbindung zwischen beiden Welten findet sich darin, dass bei einer Expedition nach Sibirien ein tiefgefrorenes Mammut entdeckt wurde, dessen Körper sogar noch flüssiges Blut beinhaltete. Dies bescherte den Chefs der Genlabors in Südkorea und China Dollarzeichen in die Augen, könnten sie doch aus dem Blut intakte Zellen extrahieren, um daraus ein Mammut neu zu schaffen.

Der Film zeigt (indirekt) die völlige Verantwortungslosigkeit, mit der nicht nur die oben erwähnten Genlabors arbeiten, sondern auch bestimmte Forscher in den USA vorgehen, um Kasse zu machen. Schlimm hierbei ist, dass selbst die Studenten sich keine moralischen Grenzen setzen, sondern Gene mischen wie es ihnen Spaß macht.

Der Film ist dabei so spannend wie ein SF-Thriller, garniert mit einer unglaublich tollen Optik, wobei man sich stets vergegenwärtigen muss, dass dies alles Realität ist. Vor allem chinesische Forschungsinstitutionen zeigen sich hierbei in einer Rolle aus Habgier und dem Wunsch absoluter Kontrolle. Als ein schwedischer Wissenschaftler die Pressesprecherin der chinesischen Genfirma auf die ethische Problematik des Vorgehens anspricht, ist ihre Antwort ein eisiger Blick.

„Genesis 2.0“ ist verstörend und erschreckend, zugleich aber faszinierend und packend. Es ist ein Film, der hoffentlich zu vielen Diskussionen anregt. Die Zukunft wird er leider nicht verändern. Diese liegt in den Händen geldgeiler Wissenschaftler und anderer Akteure, für die Moral keine Rolle spielt.

Genesis 2.0. Regie: Christian Frei und Maxim Arbugaev. Schweiz 2018. 112 Min.

Die Nebelkrähe – Auf Spurensuche im London der 20er Jahre

Nach seinem erfolgreichen Debut „Sieben Lichter“, in dem es um einen recht sonderbaren Kriminalfall auf hoher See geht, erscheint mit „Die Nebelkrähe“ nun der zweite Roman von Alexander Pechmann.

Es geht um den jungen Kriegsveteranen und Mathematikstudenten Peter Vane, der von einer sonderbaren Stimme heimgesucht wird, die ihm immer wieder den Namen Liliy zuflüstert. Seit dem spurlosen Verschwinden seines Kameraden Finley, lässt Vane eine Sache nicht mehr los: Wer ist das junge Mädchen auf dem Foto, das ihm Finley geschenkt hat? Vane, der nicht an das Übernatürliche glaubt, begibt sich auf der Suche nach Antworten in sonderbare spirtitistische Kreise …

Wer bereits „Sieben Lichter“ verschlungen hat, der wird bei „Die Nebelkrähe“ noch mehr begeistert sein. Dies liegt nicht nur an dem wunderbaren Schreibstil, sondern auch an der Geschichte selbst, die mysteriös, spannend und zugleich mit einem herrlichen Witz garniert ist. Sofort zieht einem die Geschichte um Peter Vane in den Bann. Unvermittelt gerät er an Personen, die alle irgendetwas mit Oscar Wilde zu tun haben. Doch sind es Betrüger? Halten Vane alle zum Narren? Oder ist alles echt, was er erlebt?

Der Roman lässt den Leser miträtseln, was den Unterhaltungswert von „Die Nebelkrähe“ noch zusätzlich steigert. Hinzu kommt, dass es alle Personen, die in dem Roman auftreten, tatsächlich gelebt haben. Angefangen von Dorothy Wilde bis hin zu einer Opium süchtigen Prinzessin – und nicht zu vergessen den außergewöhnlichen Papagei. All das macht den neuen Roman von Alexander Pechmann zu einem echten Lesevergnügen. Kurz: Eine gelungene Mischung aus Mystery, Krimi und historischem Roman.

Alexander Pechmann: Die Nebelkrähe. Steidl Verlag 2019, 173 Seiten, 18,00 Euro

 

J-Pop: Scandal – Alles neu macht der März

Scandal (Tomomi Ogawa, Haruna Ono, Rina Suzuki, Mami Saszaki) bei Billboard Live Osaka 2017; © Billboard Live Osaka

Und es gibt wieder Neuigkeiten der japanischen Girl-Rockband Scandal. Wie in unserem letzten Beitrag Ende Dezember erwähnt, hat sich die Band von Epic/Sony verabschiedet und ihr eigenes Label namens Her gegründet. Ende März wird nun die erste Single mit dem Titel „Masterpiece“ in diesem Label erscheinen. Ein Videoclip dazu wurde ebenfalls gedreht und steht praktisch in den Startlöchern.

Der Titel „Masterpiece“ klingt dabei beinahe wie eine Kampfansage. Denn das Problem, das Scandal zurzeit hat, hängt damit zusammen, dass Epic/Sony die Rechte der früheren Songs und Videos besitzt und sie anscheinend auch weiter besitzen wird. Auf jeden Fall bleiben die meisten Songs und Videos auf diversen Plattformen verschwunden bzw. sind nur in Japan aufrufbar.

Eigentlich ein schlechter Start für eine Band, die sich gerade neu erfindet, indem sie zurück in den Indie-Bereich kehrt, wo ja der musikalische Ursprung der Band liegt. „Masterpiece“ ist ein lautes, rockiges Stück, in dem es, so könnte man es durchaus deuten, um den Streit zwischen Epic und Scandal geht. „Ich habe diese vielen Tage überstanden“, lautet z.B. eine Zeile, während es in einer anderen heißt: „Ich habe endlich meinen Weg gefunden.“ Damit betonen sie zugleich ihren Neustart oder besser ihren neuen Aufbruch als vollkommen unabhängige Künstlerinnen.

Live dürfen Scandal ihre alten Songs noch spielen, wobei sie höchstwahrscheinlich jeweils Abgaben an ihre alte Plattenfirma zahlen müssen. Alles in allem nicht wirklich toll. Dennoch geben die vier jungen Frauen alles und man darf gespannt sein, wann und ob eine neue CD geplant ist und vor allem, ob diese nur, aufgrund des neuen Labels, in Japan bzw. im asiatischen Raum erscheinen wird oder ob sie auch ihren Weg nach Europa finden wird. Es bleibt also spannend.