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Archive for Oktober 2016

muehlecoverDer Name Pierre Briece ist unweigerlich verbunden mit Winnetou. Diese Figur machte den französischen Schauspieler zum Star in Deutschland. Dass seine eigentliche Karriere allerdings mit einem Horrorfilm begann, dürfte den wenigsten bekannt sein.

1960 erhielt Pierre Briece die Hauptrolle in dem Gothic-Horror „Die Mühle der versteinerten Frauen“. Dieser Film, der auf einer flämischen Erzählung beruht, beinhaltet das gesamte Repertoire der englischen Hammer-Produktionen, der Poe-Filme von Roger Corman sowie des italienischen Horrorfilms. Die stilvolle, satte Farbgebung, die düsteren, detaillierten Kulissen sowie die originellen Kameraeinstellungen lassen den ganzen Film als echtes Kunstwerk erscheinen. Einzelne Szenen erinnern an die Gemälde flämischer Meister. Und dies hat auch seinen Sinn, hat doch der gesamte Film Kunst zum Thema.

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Professor Wahl (Wolfgang Preiss) begrüßt seine Besucher.

Pierre Briece spielt darin den Architekturstudenten Hans van Harnim, der eine Arbeit über das „Carillon der versteinerten Frauen“, welches unheimliche Frauenstatuen auf einem Mühlrad zeigt, schreiben möchte. Dieses befindet sich in einer einsam gelegenen Mühle. Er trifft auf seinen Lehrer Professor Wahl, dem die Mühle gehört. Dessen Tochter leidet jedoch unter einer seltsamen Krankheit. Um überleben zu können, benötigt sie ständig frisches Blut. Als Hans van Harnims Verlobte spurlos verschwindet, versucht er, auf eigene Faust, sie wieder zu finden. Dabei kommt er dem Geheimnis der Mühle und jenes seltsamen Kunstwerks mehr und mehr auf die Spur.

Gerüchten zufolge soll der bekannte italienische Horrorregisseur Mario Bava bei der Entstehung des Filmes mitgewirkt haben. Für Filmhistoriker scheint diese These plausibel, da dadurch die spezielle Farbgebung sowie der dramaturgische Stil des Films erklärt werden könnten. Diese tauchen erst wieder in Bavas eigenen Werken und in denen seines Schülers Dario Argento auf.

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Hans von Harnim (Pierre Briece) entdeckt das schreckliche Geheimnis des Kunstwerks.

Der Film selbst lief zwar durchaus erfolgreich in den europäischen Kinos, entwickelte sich allerdings keineswegs, wie etwa Cormans „Die Verfluchten“, der im selben Jahr erschien, zum Kassenschlager. Dies hatte zur Folge, dass „Die Mühle der versteinerten Frauen“ sehr schnell wieder wieder in Vergessenheit geriet, sodass nach ein paar Jahren das Gerücht kursierte, dass der Film verschollen sei. Nur einzelne Szenenfotos zeugten überhaupt von der Existenz dieses Meisterwerks. Zum Glück jedoch entpuppte sich dieses Gerücht als Trugschluss. Denn die Filmrollen staubten seelenruhig in einem Archiv vor sich hin.

Obwohl der Film im Grunde genommen eine weitere Variation des „Wachsfigurenkabinett“-Themas darstellt, erweitert er dieses durch eine Art moderne Form des Vampirismus. Auf diese Weise gelingen Giorgio Ferroni viele unheimliche Momente, angefangen von dem schrillen Schrei, der hinter einem tiefroten Vorhang hervordringt, bis hin zu eben jenem unheimlichen Kunstwerk, das von allen bestaunt wird. Für Liebhaber klassischer Horrorfilme sind die „versteinerten Frauen“ daher ein wahrer Genuss.

Die Mühle der versteinerten Frauen (OT: Il Mulino delle Donne di Pietra), Regie u. Drehbuch: Giorgio Ferroni, Produktion: Giampaolo Bigazzi, Darsteller: Pierre Briece, Wolfgang Preiss, Scilla Gabel, Dany Carrel. Italien/Frankreich 1960, 90 Min.

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crimsonpeakÜber Guillermo del Toro lässt sich natürlich streiten. Eigentlich ein Regisseur, der zeigt, dass Film auch noch immer so etwas wie Kunst sein kann, kann man ihm zugleich vorwerfen, fast schon unmoralische Summen für sinnentleertes Kino zu verbraten. So als habe del Toro die Kritik an seinem Blockbuster „Pacific Rim“ verstanden, versuchte er es anscheinend allen zu zeigen, um dabei die Botschaft zu vermitteln: Nein, ich verstehe mich noch immer als Künstler.

Damit war „Crimson Peak“ geboren, ein Geisterhausfilm, der mit einem Budget von über 50 Millionen Dollar mehr als nur überteuert ist. In der Tat fragten sich manche Filmexperten, für was denn das viele Geld ausgegeben wurde. Doch zuerst zur Story: Die Handlung spielt im 19. Jahrhundert und erzählt von der jungen Edith Cushing, die Tochter eines Industriellen, die nichts lieber werden möchte als Schriftstellerin. Eines Tages begegnet sie dem mysteriösen Thomas Sharpe, einem verarmten Adligen aus England, und verliebt sich in ihn. Nachdem Ediths Vaters auf rätselhafte Weise ums Leben kommt, heiratet sie Thomas und reist zusammen mit ihm auf sein Anwesen mit dem Namen Crimson Peak, ein Name, vor dem Edith durch den Geist ihrer Mutter gewarnt wurde …

Schon von Anfang an ist klar, was del Toro möchte: Eine Hommage an die klassische Schauergeschichte und zugleich an den klassischen Horrorfilm. Sogleich der Nachname Ediths verweist auf Horror-Ikone Peter Cushing, der in diversen Filmen der Hammer Studios mitgewirkt hat. Die Figur Edith allerdings ist eine Anspielung auf Jane Austen, deren postum veröffentlichter Roman „Northanger Abbey“ eine Persiflage auf die damaligen Schauerromane darstellt. Del Toro selbst behauptete, „The Haunting“ (die Verfilmung von Shirley Jacksons Roman „The Haunting of Hill House“) als Vorbild für seinen Film genommen zu haben. In der Tat ist auch das ersichtlich. Doch während „The Haunting“ (Bis das Blut gefriert) ein recht unheimlicher Geisterhausfilm ist, ist del Toros Film ein Geisterhausfilm fast ohne Geister.

Nun gut, es kommen gerade einmal zwei Gespenster vor: Ediths Mutter und ein weiterer Geist, der sein Unwesen in Thomas Sharpes gewaltigem Haus treibt. Beide sind jedoch hauptsächlich Computeranimationen und wirken daher alles andere als unheimlich. Auch wenn die Handlung zum Teil nach den typischen Mustern eines Geisterhausfilms oder einer Geisterhausgeschichte verläuft, so besteht der eigentliche Plot aus einer Kriminalgeschichte. Hier bezieht sich del Toro wiederum auf klassische Vorbilder: auf die Werke von Wilkie Collins und Sheridan Le Fanu, die beide unheimliche Kriminalromane schrieben, die man aus heutiger Sicht als Mystery-Thriller bezeichnen könnte.

All dies ist natürlich nett gemeint und auch recht gut umgesetzt. Vor allem das prächtige Farbenspiel, das sich auf die Horrorfilme der 60er Jahre bezieht und vor allem am Anfang des Films hervorsticht, ist ein rechter Augenschmaus. Das Problem jedoch ist, dass der Film nie so etwas wie Gänsehaut hervorruft. In dieser Hinsicht ist „Crimson Peak“ ein wahrer Rohrkrepierer. Del Toro konzentrierte sich so sehr auf die ästhetische Umsetzung, dass er vergaß, seinem Film etwas zu geben, dass den Zuschauer zum Gruseln bringt. Schuld daran sind auch oder vor allem (wie bereits bemerkt) die CGI-Geister, die so unecht wirken, dass sie fast schon langweilig sind. Nur dann, wenn im Hintergrund Monsterdarsteller Doug Jones in merkwürdigen Bewegungen durchs Bild gleitet, kommt ein wenig Freude auf.

Im Groben und Ganzen aber verfehlte del Toro das Ziel, einen unheimlichen Gruselfilm zu drehen. Und es stellt sich wirklich die Frage, wieso er dafür ein so hohes Budget benötigte. Mario Bava oder Terence Fisher, Regisseure, auf die er sich ja bezieht, schafften dasselbe um ein Vielfaches besser und mit einem viel kleineren, ja geradezu winzigen Budget.

 

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ladyinwhiteEs gibt viele Beispiele in der Geschichte des Films, die zeigen, dass Qualität nicht unbedingt mit Erfolg einhergeht. Eines davon ist „Lady in White“ aus dem Jahr 1988, der in Deutschland den esoterisch-angehauchten Verleihtitel „Die phantastische Reise ins Jenseits“ aufgedrückt bekam. Der Film spielte gerade einmal ein Viertel seiner Produktionskosten ein. Auch heute noch ist der Film relativ unbekannt, zählt in den USA aber als eine Art geheimer Klassiker des 80er Jahre Horrorfilms.

Regisseur Frank LaLoggia erzählt darin die Geschichte des Jungen Frankie, der in den 60er Jahren in der Kleinstadt Willowpoint lebt. An Halloween wird er Opfer eines gemeinen Streichs, sodass er, unbemerkt von allen anderen, in der Schule eingeschlossen wird. Dort wird er in der Nacht Zeuge einer unheimlichen Erscheinung: ein geisterhaftes Mädchen erscheint, das von einem Unsichtbaren ermordet und weggetragen wird. Der Unbekannte verliert dabei seinen Ring. Kurz nach diesem gespenstischen Zwischenfall kehrt der Mörder unerwartet zurück, um den Ring zu holen. Dabei entdeckt er Frankie und erwürgt ihn. Der Junge ist allerdings nur bewusstlos. Nachdem sich Frankie von dem Mordversuch erholt hat, versucht er, das Rätsel des Zwischenfalls zu lösen.

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Frankie (Lukas Haas) auf dem Weg zur Schule.

„Lady in White“ ist eine Mischung aus Kinder-, Mystery- und Horrorfilm, der ganz ohne Blut auskommt. Vielmehr setzt LaLoggia voll und ganz auf Atmosphäre. Er vermischt den Stil klassischer Gespenstergeschichten mit dem Stil moderner Horrorstorys. Das Resultat ist ein Film, der spanned und stellenweise auch unheimlich ist, nie aber über die Stränge schlägt. Geschickt fedelt LaLoggia die damaligen sozialen und politischen Konflikte in die rätselhafte Story mit ein. Denn als erstes wird der schwarze Hausmeister der Schule verdächtigt, der Mörder an dem Mädchen zu sein. Was Frankie nicht ahnt, ist, dass sich der Mörder stets in seiner Nähe befindet und eigentlich nur darauf wartet, ein weiteres Mal zuzuschlagen.

LaLoggia, der auch das Drehbuch schrieb, orientierte sich bei seiner Arbeit an einer amerikanischen Legende über die Weiße Frau, die dazu verdammt ist, auf ewig nach ihrer verschwundenen Tochter zu suchen. So ist es nicht verwunderlich, dass LaLoggia auch ein wenig Folklore mit in die Geschichte einbaut. Manchmal scheint es daher beinahe so, als sei der Film von unterschiedlichen Stilen des Unheimlichen fast schon überfrachtet. Irgendwie wollte der Regisseur alles Mögliche in einen Topf schmeißen. Interessanterweise aber entsteht dadurch keineswegs irgendein Kuddelmuddel. LaLoggia versteht es, den Zuschauer von Anfang an zu packen und die Story nicht nur unterhaltsam, sondern auch durchgehend spannend zu erzählen. Dieser Aspekt wird von einer manchmal ein wenig an Steven Spielberg erinnernden Optik unterstrichen.

Frank LaLoggia gelang mit „Die phantastische Reise ins Jenseits“ ein wirklich wunderbarer Film, den man sich immer wieder mal ansehen kann, ohne dass er langweilig wird. Aber das haben Klassiker bekannterweise an sich.

Die phantastische Reise ins Jenseits (OT: Lady in White). Regie, Drehbuch u. Produktion: Frank LaLoggia, Darsteller: Lukas Haas, Len Cariou, Alex Rocco, Katherine Helmond, Jason Presson. USA 1988, 112 Min.

 

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nachtmahrZurzeit tut sich etwas innerhalb des deutschen Films: Es werden mehr Thriller produziert. Gut, die Zeiten der albernen Komödien sind leider nicht vorbei, aber es gibt Regisseure, die sich nicht vom ZDF an die Leine legen lassen, sondern im wahrsten Sinne des Wortes lieber ihr eigenes Ding drehen. Dazu gehört Achim Bornhak, der unter seinem Künstlernamen Akiz mit „Der Nachtmahr“ einen Genremix abliefert, den es in Deutschland bisher noch nicht gegeben hat.

Der Film handelt von der 17jährigen Tina, deren Leben plötzlich vollkommen durcheinander gerät, als sie in der Küche auf ein kleines, hässliches Wesen trifft, das auf mysteriöse Weise mit ihr verbunden ist.

Die Frage, die man sich als erstes stellt, nachdem man den Film gesehen hat, lautet: Was habe ich da überhaupt gesehen? Akiz betrachtet sich, wie er in einem Interview gesagt hat, vor allem als Künstler. Und das merkt man dem Film an. Denn wie bei einem Gemälde oder einer Skulptur bleibt es jedem Betrachter überlassen, was er nun darin sieht. Akiz gelingt dies, indem er keine Erklärungen für die Geschehnisse liefert, sondern einfach die Geschehnisse schildert. Heraus kommt dabei ein Film, der irgendwie nicht wirklich Horror, nicht wirklich Thriller, aber auch nicht wirklich Jugendfilm ist. Es ist alles zusammen und zugleich nichts davon. Denn Akiz gleitet über die Genregrenzen hinweg, ohne dabei bestimmte Merkmale zu sehr anzutasten. Das ist keineswegs negativ, sondern verleiht dem Film eine unerhörte Frische und Originalität, die man besonders vom deutschen Film nicht kennt. Hin und wieder sorgt der Film auch für diverse Schmunzler, besonders dann, wenn Akiz ein wenig satirisch wird, was sich besonders im Verhalten der Eltern bemerkbar macht.

Insgesamt ist der Einfluss von David Lynch nicht zu verkennen. Besonders die Unfallszene erinnert sehr stark an Lynchs Stil, die reale Katastrophe, die dann aber doch etwas Surreales an sich hat. Wenn Akiz dann aber beginnt, „E.T.“ zu zitieren, dann wird „Der Nachtmahr“ kitschig und wirkt speziell in diesen Szenen wenig überzeugend. Allerdings bekommt der Film zum Schluss noch die Kurve und schafft dadurch ein recht witziges Ende.

Wer sich gruseln möchte, ist bei „Der Nachtmahr“ eher an der falschen Adresse, was daran liegt, da Akiz – wie zuvor schon erwähnt – die diversen Genremerkmale lediglich streift. Aber einen Horrorfilm wollte der Regisseur auch gar nicht machen. Es handelt sich eher um einen surrealen Film, der immer wieder zwischen Techno und sehr weichen Tönen wechselt. In dieser Hinsicht darf man gespannt sein, was Akiz als nächstes auf die Leinwand bringen wird.

Der Nachtmahr, Regie, Drehbuch, Produktion: Akiz (Achim Bornhak), Darsteller: Carolyn Genzkow, Wilson Gonzalez Ochsenknecht, Sina Toktsch, Lynn Femme, Alexander Scheer, Kim Gordon, Deutschland 2015, Laufzeit: 89 Min.

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briefeausdemjenseitsDer amerikanische Schriftsteller Henry James ist in Deutschland vor allem durch seinen Roman „Der scharlachrote Buchstabe“ bekannt. Freunde der Phantastik hingegen schätzen vor allem seine Novelle „Das Drehen der Schraube“, welche zu den Klassikern der unheimlichen Literatur zählt. Neben weiteren unheimlichen und mysteriösen Geschichten, verfasste er u. a. den Roman „The Aspern Papers“, in welchem es um eine geheimnisvolle alte Frau und die Briefe eines berühmten Dichters aus dem 19. Jahrhundert geht.

1947 wurde dieser Roman, mit Robert Cummings und Susan Hayward in den Hauptrollen, verfilmt. Es handelt sich dabei um eine eher freie Adaption von James´ Geschichte, die noch mehr als der Roman auf das Mysteriöse und Unheimliche setzt. Heute würde man den Film wahrscheinlich in die Kategorie Mystery einordnen. Es geht um den Verleger Lewis Venable, der nach den verloren geglaubten Briefen des Dichters Jeffrey Ashton sucht. Durch den Autor Charles Russel erfährt er, dass diese Briefe noch immer existieren. Und zwar bei seiner einstigen Geliebten Juliana Bordereau in Venedig. Venable scheint dies unmöglich, denn diese Frau müsste nun weit über 100 Jahre alt sein. Doch als er das Haus in Venedig besucht, in welchem Juliana zusammen mit ihrer Urenkelin Tina lebt, wird er eines Besseren belehrt. Das ist jedoch noch nicht alles. Denn in dem Haus gehen sonderbare Dinge vor sich. Beim Versuch, diesen rätselhaften Zwischenfällen auf den Grund zu kommen, stößt Lewis Venable auf die Spur eines düsteren Familiengeheimnises.

Zwielichtige Gestalten, ein fast schon ins übermenschliche charakterisierter Dichter aus dem 19. Jahrhundert und ein düsteres Rätsel, das es zu lösen gilt. Diese Aspekte mischt Martin Gabel zu einem dichten und spannenden Film, der zudem ein hohes künsterlisches Niveau aufweist. Laut den Produktionsmitteilungen soll es vier Stunden gebraucht haben, um Agnes Moorehead, welche die weit über 100jährige Juliana Bordereau spielt, in eben jene alte Frau zu verwandeln. Dennoch bleibt es stets bei Andeutungen, sodass man die uralte Frau nie richtig zu Gesicht bekommt, was das Rätselhafte und Unheimliche noch verstärkt.

Diese Methode verschafft dem Film seine knisternde Atmopshäre, der man sich nicht entziehen kann. Die düstere Architektur des alten Hauses in Venedig ist dabei hervorragend in die Handlung eingearbeitet. Das Gebäude wirkt wie ein unheimlicher Fremdkörper und besitzt dadurch beinahe den Charme eines Geisterhauses. Eine sehr gute Optik, hervorragende Dialoge und natürlich sehr gute Schauspieler runden die Produktion ab.

Briefe aus dem Jenseits (OT: The lost Moment), Regie: Martin Gabel, Drehbuch: Leonardo Bercovici, Produktion: Walter Wanger, Darsteller: Robert Cummings, Susan Hayward, Agnes Moorhead, John Archer. USA 1947, 89 Min.

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frauen1In den 70er Jahren hatten die deutschen Vertriebe noch wirklich Fantasie, wenn es um Verleihtitel ging, besonders dann, wenn die entsprechenden Filme nur in Bahnhofkinos vorgeführt wurden. „Frauen bis zum Wahnsinn gequält“ ist dann auch der Titel eines Films, der im Original Le foto proibite di una signora per bene heißt, was in etwa „Das verbotene Foto einer angesehenen Frau“ bedeutet.

Es geht darin um Minou, die Frau eines Firmenchefs, die eines Abends bei einem Strandspaziergang plötzlich von einem Unbekannten überfallen wird. Dieser behauptet, ihr Mann sei ein Mörder. Tatsächlich starb ein Gläubiger der Firma ihres Mannes auf seltsame Weise. Wenige Tage später bekommt es Minou erneut mit dem fremden Mann zu tun. Am Telefon teilt er ihr mit, dass sie zu ihm kommen soll, da er sonst ein Tonband an die Polizei schicken werde, auf dem zu hören ist, wie sich ihr Mann über den Mord an den Gläubiger mit jemand anderem unterhält. In der Hoffnung, dass sie das Tonband erhält, sucht sie die Wohnung auf, wo sie der Mann zwingt, sich ihm in SM-Manier zu unterwerfen. Minou weiht daraufhin ihre beste Freundin Dominique in die Angelegenheit ein. Diese glaubt, dass der Mann mehr Geld erpressen möchte. Doch die Situation spitzt sich zu, als der Fremde in Minous Haus eindringt …

Das Plakat des Films suggeriert, dass man es hier mit einem Erotik-Thriller zu tun hat. Doch wird dies dem Film in keiner Weise gerecht, denn Regisseur Luciano Ercoli schuf mit Le foto proibite di una signora per bene, eher eine Mischung aus Krimi und Thriller, der in manchen Szenen durchaus an Hitchcock erinnert und vor allem, im Hinblick auf Erotik, eher mit Andeutungen spielt, diese jedoch intensiv zu nutzen weiß. Das Leben Minous gerät von einer Sekunde auf die andere aus den Fugen, wird regelrecht zu einem Albtraum. Wirklich toll inszeniert Ercoli hierbei den Übergang vom normalen Leben Minous hin zu Angst, Verstörung und Gewalt. Geradezu surreal erscheint die erste Begegnung mit dem Fremden, wenn Minou im blau-violett-farbenen Licht über die einsame Strandpromenade spaziert und ihr auf einmal ein Motorradfahrer folgt.

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Minou (Dagmar Lassander) betritt die Wohnung des Fremden.

Von da an geht es beinahe Schlag auf Schlag. Die Frage, die sich Minou und der Zuschauer stellt, lautet, ob Minous Mann tatsächlich ein Mörder ist. Noch mysteriöser wird es, als Minou auf einem der Fotos, die Dominique ihr zeigt, der fremde Mann zu sehen ist. Steckt etwa Minous beste Freundin hinter den Erpressungsversuchen?

Ercoli schafft mit seinem Thriller ein gelungenes Spiel, in dem im Grunde genommen jeder verdächtig ist. Auf diese Weise gelingen ihm immer wieder äußerst überraschende Wendungen, welche die Spannung jedes Mal noch um einen weiteren Grad erhöhen. Auch Minou ist von der Rätselhaftigkeit, welche die Figuren umgibt, nicht ausgeschlossen, ist sie letztendlich den SM-Spielchen des fremden Mannes keineswegs abgetan. So offenbart sich auch bei der eigentlichen Hauptfigur ein doppelter Boden. Auch hier zeigt sich Ercoli wieder als Meister, wenn er Minou die Wohnung des Fremden betreten lässt: satte rote Farben, tiefe Schatten und ein surreales Interieur, bei dem weiße Hände aus Pfeilern und Wänden ragen.

„Frauen bis zum Wahnsinn gequält“ besitzt damit die Eigenschaften eines typischen Giallos (das von Mario Bava ins Leben gerufene italienische Thriller-Mystery-Genre), in dem es stets um rätselhaften Mord, zwielichtige Figuren und unheimliche Zwischenfälle geht. Die Qualität bei diesen Filmen ist natürlich sehr unterschiedlich. Ercolis Film gehört hierbei ganz klar zur Spitzenklasse dieses Genres und zählt neben Bavas und Argentos Thrillern zu den wichtigsten Beiträgen.

Frauen bis zum Wahnsinn gequält (OT: Le foto proibite di una signora per bene). Regie u.  Produktion: Luciano Ercoli, Drehbuch: Ernesto Gastaldi, Darsteller: Dagmar Lassander, Pier Paolo Capponi, Nieves Navarro, Simon Andreu. Italien 1970, 96 Min.

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uzumakiNormalerweise wandeln langhaarige Geisterfrauen durch Japans Horrorfilme. Parallel dazu aber gibt es noch ein zweites Subgenre, das man vielleicht als eine Art Experimentalkino bezeichnen könnte. Unter anderem gehört dazu „Uzumaki“, ein Film, der einerseits auf einem Manga basiert, andererseits aber auch auf Lovecrafts „Die Farbe aus dem All“.

Der Film erzählt von der lieblichen Kleinstadt Kurouzu, in der auf einmal seltsame Dinge geschehen. Am Himmel bilden sich seltsame Spiralen, die sich auf das Gemüt der Menschen niederschlagen. Denn auf einmal werden alle spiralensüchtig. Dies geht soweit, dass manche einen außergewöhnlichen Spiralentod sterben. Ein Reporter und eine Schülerin versuchen, das Rätsel dieser Veränderungen zu lösen.

Regisseur Higuchinsky gelingt es, mit viel Ironie und schrägem Humor eine originelle Geschichte zu erzählen, die sozusagen eine japanische Version von Lovecrafts Werk darstellt. Der Wahnsinn schleicht sich unerwartet in den Alltag der Menschen der kleinen Stadt Kurouzu, die vielleicht als japanisches Arkham gelten kann. Die stete Zunahme der außergewöhnlichen Ereignisse wird mit einem Hang zu Überraschungen umgesetzt, wobei das Symbol der Spirale immer mehr ins Zentrum des Geschehens rückt. Beinahe in jeder Szene bzw. sogar Einstellung ist eine Spirale versteckt, so dass der Film für den Zuschauer gleichzeitig zu einem Bilderrätsel wird. Schon fast hypnotisch werden die einzelnen Figuren durch die Spiralen beeinflusst. Bis zum Schluss lässt die Handlung es offen, was die Ursachen für diese Veränderungen sind, wodurch die Spannung und das Rätseln bis zur letzten Sequenz aufrechterhalten wird.

Higuchinskys Film ist sicherlich einer der originellsten Adaptionen einer Geschichte von Lovecraft. Die Übertragung des kosmischen Grauens ins „Japanische“ gelingt ihm ohne Probleme. Dabei kommt er sogar dem Unerklärlichen und Unnennbarem in Lovecrafts Gesamtwerk näher als so manche Hollywood-Verfilmung. Ein schöner, witziger und überraschender Film, den man nicht nur als Lovecraft-Fan genießen kann.

Uzumaki, Regie: Higuchinsky, Drehbuch: Kengo Kaji, Produktion: Sumiji Miyake, Darsteller: Eriko Hatsune, Fhi Fan, Hinako Saeki. Japan 2000, 94 Min.

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