FuBs Klassikbox: Jenny – Rendezvouz mit einer Toten (1948)

„Ich komm aus der Unendlichkeit, ich geh in die Unendlichkeit“; „Portait of Jenny“ (1948)

In Deutschland kaum bekannt, zählt „Portait of Jenny“ in den USA zu den Filmklassikern. Wie bei so vielen Klassikern, so war der Verfilmung des gleichnamigen Romans von Robert Nathan (1894 – 1985) zunächst kein Erfolg beschienen. Mit den Jahren jedoch erlangte „Jenny – Rendezvouz mit einer Toten“ immer größere Beliebtheit. Heute zählt das American Film Institute das Drama zu den zehn besten Fantasyfilmen.

Es geht um den erfolglosen Maler Eben Adams, der eines Tages in einem Park auf ein Mädchen namens Jenny trifft. Doch genauso plötzlich wie sie erschienen ist, ist sie auch schon wieder verschwunden. Wenige Tage später trifft er sie erneut, allerdings ist sie da älter. Schließlich taucht sie als junge Frau auf. Ihre außergewöhnliche Schönheit und ihre sonderbare Traurigkeit bringen Eben dazu, von ihr ein Porträt anzufertigen. Doch wer ist Jenny? Eben versucht das Geheimnis zu lösen …

Vom Erfolg des Fantasy-Dramas „The Ghost and Mrs. Muir“ (1947) animiert, suchte Produzent David O. Selznick nach einem ähnlichen Stoff, um dadurch die Kinokassen zum klingen zu bringen. Wahrscheinlich bedingt durch das schlechte Marketing wurde „Portrait of Jenny“ jedoch ein Flop – trotz Starbesetzung. Den Maler Eben Adams spielt Joseph Cotten, Jenny wird von Jennifer Jones dargestellt, als Kunsthändlerin tritt Ethel Barrymore auf. Regie führte William Dieterle, der vor allem für seine hervorragenden Noir-Filme bekannt war. Nichtzuletzt verfasste der mit Thomas Mann befreundete Autor Ben Hecht das Drehbuch.

Nicht bewegen: Eben Adams erschafft das Gemälde; „Portrait of Jenny“ (1948)

Bei den Oscarverleihungen 1949 erhielt der Film den Oscar für die besten Spezialeffekte und war für die beste Kameraarbeit nominiert worden. Das Besondere an dem Film ist, dass das Finale in gespenstischen Grüntönen koloriert wurde, der übrige Film ist in schwarzweiß. Besonders die außergewöhnlichen Farbsequenzen machten die Produktion für die damalige Zeit ziemlich teuer: etwa vier Millionen Dollar. Wer die sich verändernden Wolkenformationen im Finale genau ansieht, wird feststellen, dass er diese in einem anderen Film schon mal gesehen hat. Und ja, Regisseur Richard Kelly zeigt ganz ähnliche Gebilde in seinem Klassiker „Donnie Darko“ (2001).

„Jenny – Rendezvouz mit einer Toten“ ist eine wundervolle Mischung aus Drama, Mystery und Liebesfilm, der noch lange nachwirkt. Schon allein die tolle Optik macht den Film sehenswert – die Aufnahmen des winterlichen New York sind einfach wunderschön. Das Gemälde von Jenny hängte sich Produzent Selznick übrigens nach den Dreharbeiten in seinem Wohnzimmer auf.

Jenny – Rendezvouz mit einer Toten (OT: Portait of Jenny). Regie: William Dieterle, Drehbuch: Ben Hecht, Produktion: David O. Selznick, Darsteller: Joseph Cotton, Jennifer Jones, Ethel Barrymore. USA 1948

FuB glotzt: Maria Theresia – Der sensationelle TV-Vierteiler

Marie-Louise Stockinger als Maria Theresia in den ersten beiden Folgen; © ORF/Polygram

In FuB glotzt beschäftigen wir uns mit allem, was mit Fernsehen zu tun hat. Den Anfang macht die großartige TV-Miniserie „Maria Theresia“ aus Österreich. Dabei handelt es sich um vier Teile von je 100 Minuten. Die ersten beiden Folgen wurden 2017 ausgestrahlt, Folge drei und vier im Jahr 2019.

Maria Theresia (1717 – 1780) zählt zu den prägensten Monarchen des 18. Jahrhunderts. Mit 23 Jahren, nach dem Tod ihres Vaters, kam sie auf den Thron, da es keine männlichen Nachfolger gab. Während ihrer Herrschaft führte sie einige wichtige Reformen durch, wie etwa die allgemeine Schulpflicht. Ebenfalls setzte sie Maßstäbe in Sachen Hygiene. Doch war ihre Herrschaft stets durch Frankreich und Preußen bedroht. Erst durch den Einsatz des umstrittenen Baron von Trenck und seiner Armee änderte sich das Blatt zu ihren Gunsten.

Stefanie Reinsperger als Maria Theresia in den Folgen 3 und 4; © ORF/Polygram

Regisseur Robert Dornheim, der immer wieder in Hollywood tätig ist und auch mit Steven Spielberg zusammengearbeitet hat, führte in allen vier Teilen Regie. Das Besondere der Serie ist, dass Maria Theresia von zwei verschiedenen Darstellerinnen gespielt wird. In den jungen Jahren übernimmt Marie-Louise Stockinger die Rolle, die späteren Jahre Stefanie Reinsperger. Beide Schauspielerinnen spielen überaus überzeugend, stellen Maria Theresia als trotz allem einsame Frau dar, die sich in einer von Männern dominierten Welt durchsetzen muss, die zunächst immer wieder Fehler begeht, aber durch eben diese Fehler lernt und dadurch mehr und mehr an Akzeptanz und Macht gewinnt.

Parallel zu den Intrigen und Machtspielchen zeigt der Film die konfliktreiche Ehe mit ihrem Mann Franz Stephan von Lothringen, überaus gut gespielt von Vjotech Kotek. Die Serie glänzt durch ihre wunderbaren Schauspielerinnen und Schauspieler, durch großartige Kostüme und Farben und durch eine erstklassige Optik. Hinzu kommt eine dichte und spannende Dramatik, die einem keine einzige Minute loslässt. In dieser Hinsicht sind die Folgen drei und vier sogar noch um einiges besser als die ersten beiden.

„Maria Theresia“ kann man durchaus als ein TV-Ereignis bezeichnen. Trotz der Komplexität und Tragik gelingt der Serie eine feine Leichtigkeit, die man vielleicht eher als eine tiefgründige Leichtigkeit bezeichnen sollte, da der Vierteiler alles andere als oberflächlich ist. In den letzten beiden Folgen glänzt hier und da auch ein wenig Humor durch, der passend und wirkungsvoll in Szene gesetzt ist.

Man kann nicht anders, als „Maria Theresia“ als eine großartige TV-Miniserie zu bezeichnen, die sich kein bisschen vor der internationalen Konkurrenz zu verstecken braucht und ohne wenn und aber die US-Miniserie „Katharina die Große“ (2019) in den Schatten stellt.

Maria Theresia. Regie: Robert Dornheim, Drehbuch: Mirka Zlatnikova, Produktion: Andreas Kamm, Oliver Auspitz, Darsteller: Marie-Louise Stockinger, Stefanie Reinsperger, Vjotech Kotek, Karl Markovics, Julia Stemberger, Anna Posch. Österreich/Tschechien 2017/2019

 

Blutspur durch Thüringen – 25 Jahre Verlag Kirchschlager

Wer sich für Kriminalistik und Kriminalgeschichte interessiert, ist beim Verlag Kirchschlager stets an der richtigen Adresse. Bereits seit 25 Jahren bringt der Historiker und Verleger Michael Kirchschlager Sachbücher über diese Themen heraus. Autoren der Bücher sind u. a. Kommissare und Kriminaltechniker, die über ihre Fälle und über ihre Arbeit berichten.

Zum 25-jährigen Jubiläum erschien nun der Sammelband „Blutspur durch Thüringen – Berichte, Bilder, Dokumente“, der Fälle aus dem Zeitraum von 1884 bis 2020 beinhaltet. Wie auch alle anderen Bücher des Verlags, so ist auch die Jubiläumsausgabe ungemein informativ, die einzelnen Beiträge sind sehr spannend geschrieben und beinhalten zudem eine wahre Lebendigkeit, was u. a. daran liegt, dass, wie oben bereits bemerkt, aus erster Hand berichtet wird. Es geht u. a. über Raubmord, Mord aus Liebe, um Erpressung und über einen angedrohten Amoklauf. Kommissarin Kerstin Kämmerer schildert im letztgenannten Fall sehr genau, wie die Ermittlungen abliefen, sodass der Leser einen überaus interessanten Einblick in die Polizeiarbeit erhält. Doch auch die Berichte der Kommissare Wolfgang Tanner, Lutz Harder, Frank Richter und Lothar Schirmer stehen dem in nichts nach. Lothar Schirmer berichtet dabei auf packende Weise über den Fall eines desertierten russischen Soldaten in der ehemaligen DDR, wobei er die Zusammenarbeit zwischen dem russischen Militär und der Polizei bei den Ermittlungen und der Verfolgungsjagd genauestens schildert.

In dem Sammelband vertreten ist auch Gerichtsreporterin Sieglinde Schwarzer, die gleich neun Berichte abgeliefert hat. Der Kriminalhistoriker Wolfgang Krüger schildert in seinen Beiträgen Fälle aus den Jahren 1884 bis 1941, die mit dem Tode bestraft wurden. Vom Archivar Frank Esche stammen drei Berichte aus den Jahren 1925 bis 1951, die von Giftmord, einem Fall, in dem der Angeklagte frei gesprochen wurde, und einem Mord an einer Geliebten handeln. Sowohl Woflgang Krüger als auch Frank Esche führten für ihre Beiträge aufwendige Recherchen durch, was sich auch in den Texten bemerkbar macht. Denn der Leser erfährt nicht nur, wie die jeweiligen Fälle aufgeklärt wurden, sondern auch wie die damaligen Lebensumstände waren und welche sozialen und psychologischen Aspekte zu den Taten geführt haben. Vom Verleger Michael Kirchschlager stammen zwei Beiträge über einen brutalen Mord an einem Ehemann sowie über einen Fall, in dem es um Mord und gleichzeitige Brandstiftung geht. Der erste Fall stammt aus dem Jahr 1925, der zweite aus dem Jahr 1960, wobei beide Fälle nicht nur packend geschrieben sind, sondern genauso spannende Informationen über die jeweiligen gesellschaftlichen Hintergründe bieten. Zudem beinhaltet der Band auch den Augenzeugenbericht des „Helden von Gera“, der überaus mutig drei junge Menschen vor einem schrecklichen Verbrechen geschützt hat.

„Blutspur durch Thüringen“ ist durch die Vielzahl an Beiträgen ein großartiges Sachbuch, das die Polizeiarbeit aus der Sicht unterschiedlicher Akteure betrachtet und zusätzlich einen hochinteressanten Blick auf die Historie wirft. Dadurch deckt das Buch so ziemlich jedes Thema in Sachen Kriminalistik ab und schafft einen spannenden und informationsreichen Ein- und Überblick in die Ermittlungsarbeit und in die Kriminalgeschichte. Zurecht ein Jubiläumsband.

Blutspur durch Thüringen. Berichte – Bilder – Dokumente. 1884 – 2020. Verlag Kirchschlager 2020, 274 Seiten, 14,95 Euro, ISBN: 978-3-934277-88-5

 

Gut gemeint: Ad Astra – Zu den Sternen

Tolle Aussicht; „Ad Astra“ (2019); © 20th Century Fox

James Gray ist ein Regisseur der leisen, düsteren Töne. Vor allem machte sich dies in dem Abenteuerfilm „Die versunkene Stadt Z“ (2016) bemerkbar, in dem er mithilfe seines speziellen Stils das Geheimnisvolle mit den Elemten eines Dramas verbindet. Drei Jahre später versuchte Gray, diesen Stil in dem SF-Film „Ad Astra“ zu involvieren. Das Ergebnis ist zwar gut gemeint, aber seltsam leer.

Im Grunde genommen geht es um eine Vater-Sohn-Beziehung, wobei der Sohn trotz Verlust und Enttäuschung in die Fussstapfen des Vaters tritt und ebenfalls Astronaut wird. Roys Vater ist vor 20 Jahren auf seiner Reise zum Neptun verschwunden („Event Horizon“ lässt grüßen). Nun aber gibt es Indizien, dass Roys Vater noch lebt und er Auslöser für Naturkatastrophen auf der Erde ist. Roy macht sich auf den Weg, um seinen Vater zu suchen.

Die Optik des Films ist in der Tat eine absolute Wucht, dasselbe trifft auf die großartigen Spezialeffekte zu, die richtiges Weltraumfeeling schaffen. Und dennoch bleibt „Ad Astra“ ein seltsam leerer Film, der nicht wirklich enttäuscht, dennoch ratlos zurücklässt. Denn die Frage, die offen bleibt, lautet, was Regisseur Gray eigentlich mit seinem Film aussagen wollte. Im Grunde genommen müsste die Antwort „nichts“ lauten. Denn außer der Vater-Sohn-Beziehung enthält „Ad Astra“ kein konkretes Thema. Alle anderen Aspekte, die die Handlung mit Leben und Sinn gefüllt hätten, werden lediglich angedeutet.

Hierbei helfen auch nicht die pseudophilosophischen Gedanken Roys, die durch Brad Pitts Stimme aus dem Off für Nachdenklichkeit sorgen sollen. Das größte Problem dabei ist, wie ich finde, dass James Gray darauf verzichtet, der zukünftigen Gesellschaft ein konkretes Bild zu geben, wobei wir wiederum bei der oben erwähnten Skizzenhaftigkeit wären. Da dieser Rahmen fehlt, wirkt auch die Vater-Sohn-Beziehung und sämtliche Handlungsgründe wie lose in der Luft oder besser im Weltraum hängend. – Wie schon gesagt: gut gemeint.

Ad Astra – Zu den Sternen (OT: Ad Astra); Regie u. Drehbuch: James Gray, Produktion: James Gray, Brad Pitt; Darsteller: Brad Pitt, Tommy Lee Jones, Donald Sutherland, Lyv Tyler. USA 2019

Archive – Großartige Science Fiction mit sanften Tönen

J3 (Stacy Martin) erwacht zum Leben; „Archive“ (2020); © Capelight

Gavin Rothery arbeitete bisher als Effektkünstler beim Film. U. a. schuf er dabei die Spezialeffekte für Duncan Jones‘ wunderbaren SF-Film „Moon“. Mit „Archive“ legt Rothery nun seine erste Regiearbeit vor, einen SF-Film, der in leisen, aber eindrucksvollen Tönen sich dem Thema Mensch-Maschine annimmt.

Im Jahr 2038 lebt George Almore alleine in eine riesigen Forschungsstation in einem Waldgebiet Japans, wo er an humanoiden Robotern experimentiert. Als es ihm tatsächlich gelingt, eine Menschmaschine zu schaffen, ist das Ergebnis anders als erwartet.

Gavin Rotherty zur Seite stand der bekannte Kameramann Laurie Rose, der für das SF-Drama wundervolle Bilder einfing. Sorgfältige Bildkompositionen wechseln ab mit grazilen Kameraschwenks, was den Film allein schon deswegen zu einem visuellen Genus macht. Hierbei herrschen vor allem unterschiedliche Grautöne vor, die erstklassig Almores außergewöhnliche Situation widerspiegeln sowie die durchaus trostlose, von Konzernen beherrschte Zukunft. Stellenweise fühlt man sich an die Farbgebung von „Moon“ erinnert, was – wie oben ja bereits bemerkt – kein Wunder ist.

Almore lebt völlig alleine mit drei Robotern in der Station: dem ersten Prototyp J1, der verbesserten Version J2 und seinem Meisterstück J3. Die Maschinen sind so hoch entwickelt, dass sie nicht nur Gefühle besitzen, sondern sogar träumen können. Doch aufgrund dessen entwickelt J2 zunehmend Eifersucht gegenüber der neuesten J-Version – einem Ebenbild von Jules, Almores verstorbener Frau.

Durch diese Konstellation fühlt man sich ein wenig an den SF-Klassiker „Silent Running“ (1972) erinnert, in dem der Biologe Freeman Lowell alleine mit seinen Arbeitsrobotern durch den Weltraum gondelt. Die Situation jedoch ist natürlich eine völlig andere – ging es bei dem Klassiker um die Rettung der Natur, so geht es in „Archive“ um die Herausforderung, eine fühlende Maschine zu kreieren.

Dabei gelingen Gavin Rotherty unglaublich gute Szenen, von denen zwei geradezu perfekt sind: die eine, in der sich Almore mit dem humanen Androiden Elson in einer Bar trifft – wobei Rotherty auf gewitzte Weise „Blade Runner“ zitiert – und die zweite, in der J3 durch das Wohnzimmer tanzt. Diese zweite Szene wirkt geradezu schön und unheimlich zugleich, handelt es sich letztendlich doch um ein künstliches Wesen, um eine Maschine, die sich überaus lebendig zu den Klängen eines Popsongs bewegt.

So gut der Film als Ganzes ist, so enttäuscht dann doch die Pointe, die dem Spannungsaufbau im gewissen Sinne den Stecker zieht. Der Film als solcher jedoch besitzt eine feinfühlige, spannende und auch sinnliche Ästhetik, die einen völlig in den Bann zieht.

Eigentlich hätte der Film in die Kinos kommen sollen, doch aufgrund der bekannten Situation wurde er gleich als VOD und auf DVD veröffentlicht. Trotz der Schwäche am Ende handelt es sich um einen großartigen SF-Film. Kurz: Absolut sehenswert.

Archive. Regie u. Drehbuch: Gavin Rotherty, Produktion: Theo James, Darsteller: Theo James, Stacy Martin, Toby Jones, Hans Peterson. USA 2020, 105 Min.

 

Die 90er: Robin Hood – König der Diebe (1991)

Robin Hood (Kevin Costner) bei der Arbeit; „Robin Hood“ (1991); © Warner Bros.

Wahrscheinlich löse ich einen Shitstorm ungeahnten Ausmaßes aus, wenn ich verrate, dass ich immer dann das Radio ausschalte, wenn Brian Adams‘ Sülzballade „Everything I do I do it for you“ läuft. Man sollte jedoch nicht von dem Song auf den Film schließen, denn „Robin Hood – König der Diebe“ aus dem Jahr 1991 gehört zu den unterhaltsamsten und actionreichsten Robin Hood-Verfilmungen.

Robin von Locksley kann in Jerusalem aus der Kriegsgefangenschaft fliehen – zusammen mit dem Mauren Azeem. Jahre später gelangen beide nach England, wo Robin zurück zu seinem Vater kehren möchte. Doch als er erfährt, dass sein Vater ermordet wurde und der Sheriff von Nottingham das Land drangsaliert, schließt er sich einer Räuberbande an, die in den tiefen Wäldern haust. Von dort aus nimmt Robin zusammen mit seinen neuen Freunden den Kampf gegen den Sheriff auf.

Zurück zu Brian Adams‘ Song, der sich auf die Liebesbeziehung zwischen Robin und Lady Marian bezieht. Im Grunde genommen ist das erstaunlich, denn das Thema spielt im ganzen Film eine eher untergeordnete Rolle. Vor allem geht es Regisseur Kevin Reynolds darum, Robins Aufstieg zum legendären Robin Hood nachzuverfolgen. Und dies geschieht mit viel Witz und Action, was „Robin Hood“ zu einem überaus gelungenen Abenteuerfilm macht.

Kevin Costner verleiht der Figur den dafür notwendigen Heldencharakter, Morgan Freeman als Maure hat immer wieder Seitenhiebe auf die nicht vorhandene Hygiene im Mittelalter auf Lager und Alan Rickman spielt auf köstliche Weise den bösen Sheriff. Demgegenüber verblasst die Rolle der Lady Marian beinahe, besonders auch aus dem Grund, da sie im Verhältnis zu den anderen Figuren, überraschend wenig auftaucht.

„Robin Hood – König der Diebe“ war 1991 der zweiterfolgreichste Film – geschlagen wurde er nur durch „Terminator 2“. Nach diesem Erfolg legte Regisseur Kevin Reynolds mit dem Abenteuerdrama „Rapa Nui“ (1994) und dem mit Kevin Costner zusammen gedrehten SF-Film „Waterworld“ (1995) zwei Flops hin. Mit seiner Version von Robin Hood jedoch schuf er einen Klassiker der 90er Jahre.

Robin Hood – König der Diebe (OT: Robin Hood – Prince of Thieves). Regie: Kevin Reynolds, Drehbuch u. Produktion: Pen Densham, Darsteller: Kevin Costner, Morgan Freeman, Alan Rickman, Mary Elizabeth Mastrantonio. USA 1991, 137 Min.

FuBs Jukebox: One stormy Night oder Was Züge mit der Schmuddel-Ära zu tun haben

Das Cover des ersten Albums des Mystic Mood Orchestras aus dem Jahr 1966; © Philips

Im Bereich des Easy Listening nimmt der sog. Porn-Tune eine besondere Rolle ein. Mit dieser Musik wurden in den 70er Jahren europäische Trash-, Horror- und (Soft-)Pornofilme unterlegt. Als absoluter Klassiker hierbei zählt u. a. das Stück „Pearls“ aus Ridley Metzgers Film „Kameliendame 2000“ (eine freie Adaption des berühmten Romans von Alexandre Dumas d. J. von 1969), das von Piero Piccioni komponiert wurde.

Zurück geht jedoch alles auf eine Schallplatte des Mystic Mood Orchestras mit dem Titel „One Stormy Night“ aus dem Jahr 1966. Gründer dieses Jazz-Ensambles war Brad Miller. Miller interessierte sich seit seiner Kindheit für Züge. Mitte der 50er Jahre kam er auf die Idee, Zuggeräusche aufzunehmen. Aus diesem Hobby wurde ein Beruf, als er die Mobile Fidelity Records gründete, die Aufnahmen von Zuggeräuschen an Zugmagazine verkaufte.

Das berühmte Cover der Platte „Erogenous“ des Mystic Mood Orchestras; © Warner

Eines Tages wurde der Radiomoderator Ernie McDaniel auf Millers Geräusch-Schallplatten aufmerksam und er kam in einer seiner Sendungen auf die Idee, die Geräusche und Easy Listening-Musik gleichzeitig laufen zu lassen. Die begeisterten Reaktionen der Zuhörer waren enorm.

Motiviert durch dieses Experiment tat sich Brad Miller mit dem Komponisten Don Ralke zusammen und nannten sich Mystic Mood Orchestra. Auf diese Weise entstand das erste Album „One Stormy Night“, das sich schnell zu einem enormen Erfolg entwickelte und dazu führte, dass Miller und Ralke weitere Platten in diesem Stil veröffentlichten.

„One Stormy Night“ gilt als erste Schallplatte, in der es keine Pause zwischen den Stücken gibt. Die „Lücken“ füllt das ständige Geräusch des Regens aus, wobei hin und wieder auch Donnergrollen zu hören ist. Und dann ist da natürlich auch der Zug, der durch die Nacht rattert und sein schrilles Pfeifen von sich gibt. Auch bei den Musikstücken selbst ist stets der Regen zu hören.

Ein Plattencover des Mystic Mood Orchestras aus den 70er Jahren; © Decca

Wie oben bereits erwähnt, gehört die Stilrichtung dem Easy Listening an. Leute, die gerne James Last oder Bert Kämpfert hören, werden von „One stormy Night“ mit Sicherheit begeistert sein. Für alle anderen ist es auf jeden Fall ein spannender und unterhaltsamer Blick in eine durchaus außergewöhnliche Produktion.

Aber was hat das nun alles mit Porn-Tune zu tun? Die ersten Platten wurden von Philips veröffentlicht. Anfang der 70er Jahre wanderte das Mystic Mood Orchestra dann zu Warner. Die 70er Jahre werden medial gesehen gerne auch als Schmuddel-Ära bezeichnet, da dort die Hochphase der Erotik- und Pornofilme begann. Und wie ebenfalls bereits erwähnt, wurde zur Untermalung der entsprechenden Szenen Easy Listening-Musik verwendet.

Warner machte sich diesen Umstand zu nutze und veröffentlichte sämtliche bereits erschienenen Alben des Mystic Mood Orchestra nochmals mit anderem Cover. Auf diesen waren vor allem nackte Paare in eindeutigen Situationen zu sehen. Eines der bekanntesten späteren Alben war „Erogenous“ (1974), auf dessen Cover ein psychedelisch designter Phallus zu sehen ist.

Wer einen akustischen  Versuch starten möchte, kann dies auf YouTube machen, wo man sich „One Stormy Night“ anhören kann. Das Mystic Modd Orchestra agierte noch bis 1993. Später wurden manche der Platten auf CD wiederveröffentlicht.  

FuBs Fundgrube: „Wenn du wüsstest“ von Peter Straub

Cover der deutschen Übersetzung im dtv-Verlag

Zwei Jahre vor seinem internationalen Durchbruch mit seinem Roman „Geisterstunde“ (Ghost Story; 1979), verfasste der US-amerikanische Horrorautor Peter Straub den Mystery-Thriller „Wenn du wüsstest“ (If you could see me now; 1977). Wenn man seinen berühmten Roman „Geisterstunde“ kennt, so kommt einem „Wenn du wüsstest“ wie eine Art Vorarbeit zu dem großartigen Horrorroman vor.

Es geht um den Dozenten Miles Teagarden, der zurück in seinen Geburtsort Arden kommt, in der Hoffnung, dort die Ruhe für seine Doktorarbeit zu finden. Aber noch ein zweiter Grund hat ihn dazu bewegt, zurückzukehren: er und seine Cousine Alison haben sich vor genau 20 Jahren geschworen, sich hier wieder zu treffen. In Arden jedoch kommt es seit wenigen Tagen zu einer unheimlichen Mordserie an Schülerinnen. Miles wird verdächtigt, etwas mit den Morden zu tun zu haben, da er angeblich schon einmal einen Mord begangen hat …

Cover der Originalausgabe

Peter Straubs Roman ist eine Mischung aus Krimi und unheimlichen Zwischentönen, wobei das Unheimliche eher am Rande erscheint. Viel mehr konzentriert sich Straub auf die Figuren, auf die Scheinheiligkeit der Bewohner Ardens und auf den Konflikt zwischen Miles und den Einheimischen. Der Roman wirkt dadurch sehr lebendig, die Spannung wird durch das dichte Geschehen aufrechterhalten.

Mehr Mystery als Horror vermengt Straub darin das Übernatürliche mit dem Alltäglichen, worin er durchaus ein Meister ist. Doch wie oben bereits bemerkt, zu seiner vollen Meisterschaft gelangte Straub erst durch seinen darauffolgenden Roman „Geisterstunde“. Durch seine Zusammenarbeit mit Stephen King („Der Talisman“, 1984; „Das schwarze Haus“, 2001), wurde er einem noch breiteren Publikum bekannt.

„Wenn du wüsstest“ erschien zum ersten Mal auf Deutsch 1979 im Paul Zsolnay Verlag und danach in unterschiedlichen Verlagen wie Moewig und Heyne. Meine Ausgabe stammt aus dem Jahr 1995 und war damals im dtv-Verlag erschienen.

Peter Straub. Wenn du wüsstest. dtv 1995, 385 Seiten.

 

Schwestern der Nacht – Ein Meilenstein des Kriminalromans

Cover der deutschen Übersetzung im Unions Verlag

Die Autorin Masako Togawa (1931 – 2016) verfasste seit den 60er Jahren 20 Romane, wurde jedoch erst Mitte der 80er Jahre auch in Deutschland bekannt. Bevor sie als freie Schriftstellerin tätig war, arbeitete sie als Sängerin in einem Nachtclub. Gleich für ihren ersten Roman „Der Hauptschlüssel“ erhielt sie den Edogawo-Ranpo-Preis. Doch erst ihr zweiter Roman „Schwestern der Nacht“ (1963) wurde zu einem Bestseller, wodurch sie auch international bekannt wurde.

„Schwestern der Nacht“ zählt in Japan inzwischen zum Meilenstein der Kriminalliteratur. Nicht nur, da der Roman unglaublich spannend ist, sondern da Masako Togawa mit sämtlichen bisherigen Konventionen brach. Wie Thomas Wörtche in seinem Nachwort bemerkt, ahmten bis dahin japanische Krimiautoren ihre westlichen Kollegen nach. Masako Togawa aber ging einen anderen Weg. Sie schrieb einen Roman über das Nachtleben in Tokio, ein Thema, bei dem sie sich durch ihre Arbeit als Nachtclubsängerin bestens auskannte. Zudem schrieb sie als Frau offen über Sexualität, was damals in Japan eine Sensation war.

Masako Togawa (1931 – 2016)
                   

In „Schwestern der Nacht“ geht es um den Ingenieur Ichiro Honda, der unter der Woche von seiner Frau getrennt in einem Hotel lebt. Nachts macht er sich auf die Suche nach weiblichen Bekanntschaften, in der Hoffnung, mit ihnen im Bett zu landen. Minutiös führt Ichiro darüber Tagebuch, in dem er die Frauen als Opfer bezeichnet. Eines Tages jedoch wird eine der Frauen, mit denen er geschlafen hat, ermordet. Dann eine weitere …

Mehr möchte ich hier nicht verraten. „Schwestern der Nacht“ hat mich regelrecht umgehauen. Der Roman ist sowohl Krimi als auch Großstadtroman in einem. Die Autorin schildert verlorene Existenzen, Nachtschwärmer und auch einige Aspekte des Rotlichtmilieus. Hinzu kommt, wie oben bereits bemerkt, die überaus spannende Handlung. „Schwestern der Nacht“ ist erstklassig konzipiert – und die Pointe ist dermaßen grandios, dass es einem den Atem raubt.

Kinoplakat von „The Hunter’s Diary“ (1964)

Der Roman wurde ein Jahr nach Veröffentlichung unter dem Titel „The Hunter’s Diary“ verfilmt. Angeblich gab es Mitte der 90er Jahre ein US-amerikanisches Remake mit dem Titel „The Lady Killer“. Dabei handelt es sich jedoch um keinen Kino-, sondern um einen TV-Film. In der japanischen Fassung spielte übrigens Masako Togawa selbst mit.

Einziges Manko der deutschen Übersetzung ist, dass sie nicht aus dem Japanischen stammt, sondern die englische Übersetzung ins Deutsche übertragen wurde. Interessanterweise steht aber unterhalb des Klappentextes „aus dem Japanischen“. Die Übersetzerin hat Germanistik und Anglistik studiert, hat jedoch mit Japan nichts am Hut.

Der Roman selbst aber besitzt eine unglaubliche Wucht und hält einen noch Tage nach dem Lesen gefangen.

BUtterfield 8 – John O’Haras New York-Roman

Gloria Wanderous ist das, was man schlechthin als leichtes Mädchen bezeichnet. Sie geht mit so ziemlich jedem ins Bett, macht sich über nichts und niemanden Gedanken, sondern möchte vor allem eines haben: Spaß. Doch dann begegnet sie in einer Kneipe den fast 20 Jahre älteren Weston Liggett und verliebt sich in ihn. Liggett aber möchte nur eines: mit ihr ins Bett.

John O’Hara (1905 – 1970) sorgte mit seinem zweiten Roman „BUtterfield 8“ (der zweite Großbuchstabe ist von O’Hara so gewollt und bezieht sich auf die Telefonnummern der Upper Eastside), der 1935 erschien, für einen riesigen Skandal. Keiner vor ihm hatte so freimütig über Sex geschrieben wie er. Hinzu kommt eine gelegentlich recht derbe Sprache, die sogar Krimiautoren wie Jim Thomson u. Co. blass aussehen lässt.

Cover der deutschen Übersetzung im dtv-Verlag

„BUtterfield 8“ ist jedoch keineswegs ein Schmuddelroman (auch wenn er von den damaligen Kritikern als schmutzig bezeichnet wurde), sondern O’Haras Abrechnung mit New York, wo er selbst lebte. Dahingehend erinnern manche Absätze, in denen er das Treiben in der Großstadt beschreibt, an John Don Passos‘ Meisterwerk „Manhattan Transfer“. In seinem zweiten Roman ist jeder sich selbst am nächsten. Sogar Glorias bester Freund Eddie, der ihr zum ersten Mal begegnet, als er als Türsteher in einem Bordell arbeitet. Zwischen beiden existiert eine Art Hassliebe, wobei Gloria Angst hat, Eddie zu zerstören, wenn sie mit ihm eine richtige Beziehung beginnen würde. Und Eddie möchte ihr im Grunde auch nicht näher kommen, da er bereits eine richtige Freundin hat.

Da Gloria auf niemanden Rücksicht nimmt – nicht einmal auf sich selbst – wirft sie sich ins New Yorker Nachtleben, wo sie von einer Kneipe zur nächsten tingelt, Drogen nimmt und jede Menge Alkohol trinkt. Doch dann, wie bereits erwähnt, trifft sie auf Weston Liggett, einem widerlichen Kerl, der mit seiner Frau nicht mehr klar kommt, doch in Erklärungsnot gerät, da Gloria den Pelzmantel seiner Frau hat mitgehen lassen.

Die Suche nach Gloria und Glorias ausschweifendes Leben machen die Geschichte zu einem wirbelnden Großstadtroman, der in den USA zu den wichtigsten Romanen der Moderne zählt. Als Leser ist man mitten drin in der Hektik, der atemlosen Vergnügungssucht und der sich daraus ergebenden Dramatik. An wenigen Stellen geraten die Schilderungen zu ausschweifenden Ausführungen, doch so als hätte O’Hara dies selbst bemerkt, hüpft er mit einem Satz zurück in die rasante Handlung – und schon ist man wieder inmitten des turbulenten Nachtlebens.

1960 wurde der Roman mit Elizabeth Taylor verfilmt, erhielt jedoch (trotz diverser Oscarnominierungen) schlechte Kritiken. John O’Haras zweiter Roman jedoch ist nicht nur großartig, frech und witzig, sondern absolut zeitlos.