Erschienen: Prähuman 21 – Großalarm in Tokio

Nein, Band 20 war nicht der letzte Band der Serie „Prähuman“, wie manche vielleicht geglaubt haben. Mit Band 21 geht es mit den Abenteuern des beliebten Teams um den Grenzwissenschaftler Frederic Tubb weiter. Mit von der Partie sind wie immer Maki Asakawa, Hans Schmeißer und John Arnold.

Dieses Mal ist, wie der Titel bereits verrät, Tokio der Schauplatz der Handlung. Band 21 schließt sich dadurch direkt an das Ende von Band 20 an, in dem Tubb plötzlich eine SMS seiner seit Jahren verschwundenen Frau Kathrin erhält. Demnach hält sich Kathrin Jarvis anscheinend in Tokio auf. Doch kaum sind Tubb und sein Team in Japans Hauptstadt angekommen, geschehen auch schon die sonderbarsten Dinge.

Eigenartige Signale hallen durch die Häuserschluchten. Menschen werden von Wahnvorstellungen heimgesucht. Eine Reihe eigenartiger Beben erschüttern immer wieder die Stadt. Niemand kennt die Ursachen für diese merkwürdigen Zwischenfälle. Während Tubb nach seiner Frau sucht, bringt ein weiteres Ereignis Chaos und Zerstörung – und in Tokio herrscht plötzlich Großalarm …

Band 21 liefert erneut eine spannende, gewitzte und originelle Handlung, die einen nicht mehr losläßt. Der Band beginnt wie ein Thriller, um dann umzuschwenken in eine rasante SF-Geschichte. Mehr soll nicht gesagt werden, da dies sonst zu viel verraten würde. Verraten aber werden darf, dass in „Großalarm in Tokio“ Maki Asakawas Eltern auftreten, was Carl Denning mit viel Humor und überaus liebevoll in Szene gesetzt hat. Miyu und Hiroku Asakawa sind dermaßen sympathisch, dass man die beiden gerne in weiteren Bänden erleben möchte. Gut, über Makis Freundin Yuna hätte man gerne mehr erfahren, aber vielleicht kommt das ja noch in den folgenden Bänden.

Ingesamt ist Band 21 wieder völlig anders als die vorherigen Bände, was ja zum Markenzeichen der „Prähuman“-Reihe ist. Carl Denning zeigt sich hier eindeutig mal wieder als Meister seines Fachs, denn es ist erstaunlich, dass es innerhalb einer so großen Anzahl von Abenteuern bisher zu keinen Wiederholungen gekommen ist. Kurz: „Großalarm in Tokio“ liefert erneut beste „Prähuman“-Unterhaltung und macht von der ersten bis zur letzten Seite Spaß.

Die 90er: Rocketeer (1991)

Bereits 1983 sollte „Rocketeer“ verfilmt werden, doch gerieten Drehbuchschreiber und Produzenten sich in die Haare, sodass das Projekt zunächst einmal auf Eis gelegt wurde. Erst 1990 griffen die Disney Studios auf die Adaption von Dave Stevens Comic zurück. Bereits ein Jahr darauf kam der Film in die Kinos. Die Kritiker waren begeistert, dennoch spielte „The Rocketeer“ gerade mal die Produktionskosten ein.

Wieso der Film ein finanzieller Misserfolg war, kann nicht so richtig beurteilt werden. Manche Filmexperten schieben es auf ein falsches Marketingkonzept. So war das ursprüngliche Kinoplakat im Art Deco-Stil gehalten und darauf lediglich die Figur des Rocketeers zu sehen. Anscheinend konnten viele Zuschauer damit nichts anfangen (böse gesagt: keine Explosionen und keine Waffen = keine Zuschauer). Erst als klar wurde, dass der Film unterzugehen drohte, gestaltete man ein neues Plakat, auf dem die Hauptdarsteller Timothy Dalton, Jennifer Connelly und Bill Campbell zu sehen waren, doch konnte diese Aktion „The Rocketeer“ nicht mehr zum Erfolg verhelfen.

Das Plakat, das keinen Erfolg brachte

Wirklich schade, denn Joe Johnstons Verfilmung des Comics steckt voller Witz und Humor und besticht zugleich durch eine rasante Handlung. Der Film spielt 1938. Durch Zufall gelangen Cliff Secord und sein Freund, der Mechaniker A. Peevy, in den Besitz des Racketenrucksacks, als zwei Gangster während der Flucht vor dem FBI das neuartige Fluggerät in einem der Flugzeuge verstecken, die von Peevy repariert werde sollen. Da Cliff und Peevy so gut wie pleite sind, beschließen sie, mit dem Rucksack ein wenig Geld zu machen, um ihn später der Polizei zu übergeben.

Doch alles kommt natürlich anders als geplant. Denn als Cliff mithilfe der Raketen einen Freund aus einem abstürzenden Flugzeug rettet, ist der Raketenmann in aller Munde. Sogleich gerät Cliff in den Fokus der Nazis. Diese entführen Cliffs Freundin Jenny Blake. Und Cliff setzt alles daran, um sie zu retten.

Das neu gestaltete Plakat

Zunächst war geplant, „The Rocketeer“ in schwarzweiß zu drehen und ihn wie eine der alten Flash Gordon-Filme aus den 30ern wirken zu lassen. Die Produzenten wollten dieses Konzept allerdings nicht mitfinanzieren, also wurde dieser Plan aufgegeben und stattdessen auf Farbe gesetzt. Und speziell die Farbe macht diesen wunderbaren, leichten und positiven Grundton des Films aus. Man gab „The Rocketeer“ eine durchweg helle Farbgebung, die selbst in den düsteren und bedrohlichen Szenen durchscheint. Hinzu kommt die schwungvolle, witzige Story, die hervorragend unterhält und mit einer großartigen Optik daherkommt. „The Rocketeer“ war für den Saturn Award und den Hugo Award nominiert, doch gewann leider nicht (beide Preise gingen damals an „Terminator 2“).

Joe Johnston, der vor allem durch „Jumanji“ (1995) und „Captain America“ (2011) bekannt ist, wurde für die Regie engagiert – zuvor hatte er bei „Liebling, ich habe die Kinder geschrumpft“ (1989) sein Debut gegeben. Trotz des Flops gilt „The Rocketeer“ inzwischen als Klassiker der 90er Jahre und teilweise sogar als Kultfilm, zu dem es sogar noch immer die Actionfiguren zu kaufen gibt. Angestachelt durch den nachträglichen Erfolg, ist zurzeit immer wieder die Rede von einem Sequel. Allerdings soll dieses nicht fürs Kino, sondern für den Streamingdienst von Disney produziert werden.

Rocketeer – Der Raketenmann (OT: The Rocketeer); Regie: Joe Johnston, Drehbuch: Danny Bilson, Paul de Med, Produtkion: Lawrence Gordon, Darsteller: Bill Campbell, Jennifer Connelly, Timothy Dalton. USA 1991

FuBs Fundgrube: „Das Phantom des Alexander Wolf“ von Gaito Gasdanow

Gaito Gasdanow (1934)

Gut, den Roman „Das Phantom des Alexander Wolf“ gibt es auch noch immer im Buchhandel, doch haben wir unsere Ausgabe auf einem Bücherflohmarkt entdeckt. Aus diesem Grund haben wir den Beitrag darüber in unsere „Fundgrube“ gestellt.

Um es gleich auf den Punkt zu bringen: was für ein toller Roman! Gaito Gasdanow erlebte leider seinen Erfolg nicht mehr. Fast völlig vergessen starb er 1971 in München (geboren wurde er 1903 in St. Petersburg). In Deutschland wurde Gasdanow erst 2012 durch die Übersetzung von Rosemarie Tietze bekannt – und das, obwohl er seine letzten Lebensjahre in München verbrachte.

Gaito Gasdanow könnte man irgendwo zwischen Leo Perutz und Robert Siodmak einordnen. Ja, der Vergleich verwirrt, immerhin war der eine Schriftsteller phantastischer Romane und Thriller, der andere Regisseur der bekanntesten Noir-Filme Hollywoods. Aber meiner Meinung nach trifft dieser Vergleich am ehesten zu. Denn „Das Phantom des Alexander Wolf“ ist sowohl geheimnisvoll und rätselhaft wie Perutz‘ einzigartige Romane und zugleich düster und kriminalistisch wie Robert Siodmaks Noir-Filme.

In dem 1947 erschienen Roman geht es um einen ehemaligen Weißgardisten, der in Russland während des Bürgerkriegs einen Reiter erschossen hat. Jahre nach seiner Flucht nach Paris gelangt in seine Hände der Erzählband eines gewissen Alexander Wolf, der in einer der Geschichten exakt das Erlebnis, das den Ich-Erzähler plagt, wiedergibt. Also begibt sich der Mann auf die Suche nach dem Autor und begegnet dabei der geheimnisvollen Jelena, die Alexander Wolf ebenfalls gekannt hat …

Cover der ersten deutschen Übersetzung im dtv-Verlag

„Das Phantom des Alexander Wolf“ ist ein überaus spannender und geheimnisvoller Roman, der, wie oben bereits erwähnt, wie ein Noir-Krimi gestaltet ist. Der namenlose Ich-Erzähler gerät durch sein Geheimnis, das schwer auf seinem Gewissen lastet, in ein noch rätselhafteres Beziehungsgeflecht, in dem es um Liebe und Hass und nicht weniger um die Frage geht, ob das Schicksal eines jeden Menschen vorherbestimmt oder alles bloß Zufall ist.

Auf seiner Suche nach dem mysteriösen Alexander Wolf begegnet der Ich-Erzähler Menschen, die alle etwas über diesen Mann wissen, doch niemand kann etwas Gutes über ihn erzählen. Auf diese Weise schleicht sich Alexander Wolf wie ein Phantom ist das Leben des ehemaligen Soldaten und lastet wie ein unheivoller Schatten auf allem, was der Ich-Erzähler unternimmt. Jelena kommt hierbei die Rolle der femme fatale zu, in dem sie mit ihrer Sinnlichkeit den Ich-Erzähler betört und ihn gleichzeitig in eine zunehmend unheilvolle Situation bringt.

„Das Phantom des Alexander Wolf“ habe ich an einem Tag durchgelesen. Gaito Gasdanow schreibt ungeheuer flüssig, sodass man regelrecht durch die Geschichte gleitet. Zugleich gelingt es ihm, die Spannung von Mal zu Mal zu erhöhen, sodass man nicht anders kann, als weiterzulesen, da man unbedingt wissen möchte, wie der Roman endet. Beim Lesen dachte ich ständig, wieso nie jemand diesen Roman verfilmt hat. Man müsste das Buch einfach in eine Filmrolle legen und fertig. Tatsächlich wurde der Roman in den 50er Jahren verfilmt, allerdings nicht fürs Kino, sondern fürs Fernsehen.

Beim Lesen musste ich ständig an die Filme Robert Siodmaks denken. Auf dieselbe Weise, wie Gasdanow seine geheimnisvolle Geschichte entfaltet, geht Siodmak in seinen Filmen vor. Ava Gardner hätte hervorragend in die Rolle der Jelena gepasst, Burt Lancaster in die Rolle des Weißgardisten.

Gaito Gasadnows süchtig machendes Können blieb leider zum großen Teil unbemerkt. Das lag daran, wie Rosemarie Tietze in ihrem Nachwort bemerkt, dass er seine Romane im französischen Exil nur auf Russisch schrieb und nicht z.B. auf Französisch oder Englisch, was dazu führte, dass seine Werke nie den Bekanntheistgrad erreichten, der ihnen eigentlich gebührt hätte. In Russland, seiner eigentlichen Heimat, wurden seine Romane erst Anfang der 1990er bekannt, in Deutschland, wie gesagt, erst 2012.

Gaito Gasdanow. Das Phantom des Alexander Wolf. DTV 2012, 191 Seiten

 

 

FuBs Jukebox: Frankie Stein and his Ghouls

© Power Records 1965/2005

In unserer Jukebox sind wir mal wieder fündig geworden. Hierbei müssen wir ein wenig ausholen. Bei unserem letzten Jukebox-Artikel beschäftigten wir uns mit Exotica-Music. Dieser Jazzstil entstand in den 50er Jahren, wobei als Vorreiter der Komponist Martin Denny gilt, der mit dem Stück „Quiet Village“ eines der Kompositionen des Exotica-Stils schuf.

Das Besondere an Exotica ist, dass nicht nur Vogellaute in die Musik eingewoben werden, sondern auch traditionelle Musikinstrumente aus verschiedensten Ländern der Welt verwendet werden. „Quiet Village“ ist solch ein Beispiel, aber auch sicherlich Martin Dennys geniales Stück „Burma Train“, beide von 1955/56.

© Power Records 1965/2005

Der Stil war so erfolgreich, dass er sich auf verschiedene Art weiter entwickelte. The Mystic Mood Orchestra landete z. B. 1966 einen Hit mit einem Stück, in dem lediglich ein Zug zu hören ist, der durch eine regnerische Nacht fährt, wobei hin und wieder Donnergrollen zu hören ist. Bereits 1950 schuf The Creed Taylor Orchestra mit der LP „Shock“ eine Art Grusel-Jazz, in dem seufzende Geister, unheimliche Schritte und schwere Atemgeräusche zu hören waren.

Genau hier schließt sich Frankie Stein and his Ghouls an. Zwischen den Jahren 1964 und 1965 brachte die Studioband fünf LPs heraus, in denen zu rockigen Beats Werwölfe heulen, Mumien seufzen und Knochen klappern. Bis heute weiß niemand, wer hinter dieser Band steckt. Auf den Rückseiten der Schallplatten ist lediglich vom „Monster Maestro“ die Rede. Live-Auftritte hatte die Band nie.

© Power Records 1965/2005

In den 60er Jahren hatte Horror durch die Filme der Hammer Studios sowie die Edgar Allan Poe-Filme von Roger Corman Hochkonjunktur. Im Grunde genommen war es nur eine Frage der Zeit, bis ein gewitzter Produzent auf die Idee kam, anhand von Gruselrockmusik auf den Zug aufzuspringen.

Erschienen sind die fünf LPs damals bei Power Records, einem Label, das sich auf Hörspiele für Kinder spezialiert hat. Anscheinend kamen die LPs stets vor Halloween heraus und waren damals überaus erfolgreich. So erfolgreich, dass sie 2005 nochmals als CD veröffentlicht wurden.

Die LPs „Ghoul Music“, „Monster Melodies“, „Shock! Terror! Fear!“, „Monster Sounds and Dance Music“ und „Introducing Fankie Stein and his Ghouls“ enthalten durchweg witzige Nummern, die sich zwar teilweise sehr ähneln, aber durch ihre Gruselgeräusche richtig Spaß machen. Es lohnt sich auf jeden Fall in die einzelnen LPs/CDs mal reinzuhören und dadurch einen Blick in die etwas andere Musikgeschichte zu werfen. Diese akustische Entdeckungsreise kann man auf YouTube unternehmen.

The 80s: Wiedersehen mit Brideshead (1981)

Sebastian (Anthony Andrews), Julia (Diana Quick) und Charles (Jeremy Irons); „Wiedersehen in Brideshead (1981); © New KSM/Granada International

Wer den Roman „Wiedersehen mit Brideshead“ von Evelyn Waugh gelesen hat, vergisst diese unvergleichliche Familiengeschichte nicht so schnell wieder. Die wundervolle Geschichte des Studenten und späteren Malers Charles Ryder, der in die diversen Konflikte der Familie Flyte durch seine Freundschaft mit Sebastian Flyte hineingezogen wird, ist komisch und tragisch zugleich, halb Satire, halb Drama und stets umgeben von einer sanften Melancholie.

Ende der 70er Jahre nahm sich die englische Produktionsfirma Granada dieses Stoffes an und schuf daraus eine siebenteilige Serie, die gleich mehrfach ausgezeichnet wurde. Die Auszeichnungen erhielt die Serie zurecht. Denn mit absoluter Sicherheit handelt es sich dabei um eine der besten Literaturverfilmugen überhaupt.

Cover der Jubiläumsausgabe

Während des Zweiten Weltkriegs wird Charles Ryder zu einem neuen Stützpunkt versetzt, in der Erwartung, bald an die Front zu müssen. Der neue Stützpunkt befindet sich direkt bei Brideshead, dem Haus, in dem er in den 20er und 30er Jahren nicht nur immer wieder Gast war, sondern im engen Kontakt zur Familie Flyte stand. Er erinnert sich an seine enge Freundschaft mit Sebastian, die jedoch aufgrund dessen Trunksucht zu Bruch ging, und an seine Beziehung zu Sebastians Schwester Julia. Der strenge Katholizismus der Mutter führte dazu, dass sich ihr Mann nach Venedig absetzte, wo er seitdem mit seiner Geliebten lebt. Auch die Kinder leiden unter dem religiös geprägten Verhalten der Mutter, was zu weiteren Konflikten führt.

Das größte Problem aber ist Sebastians zunehmender Alkoholismus, der die Familie auf eine weitere harte Probe stellt, weswegen die Hoffnungen auf Charles liegen. Dieser ist jedoch hin- und hergerissen zwischen seiner Liebe zu Sebastian und den Erwartungen der Mutter. Als er diese nicht erfüllen kann, verstößt ihn die Mutter aus dem Haus. Doch zehn Jahre später begegnet er Julia auf einem Passagierschiff, was ihn erneut in Beziehung zur Familie Flyte bringt …

10 Jahre später; „Wiedersehen in Brideshead (1981); © New KSM/Granada International

Das Drehbuch, das vom englischen Schriftsteller John Mortimer verfasst wurde, wurde mehrfach umgeschrieben, bis es sich exakt an der Romanvorlage orientierte. Sogar die meisten Dialoge wurden aus dem Roman übernommen. Die Dreharbeiten dauerten insgesamt eineinhalb Jahre, da sie zwischendurch unterbrochen werden mussten. Jeremy Irons, der Charles Ryder spielt, arbeitete parallel dazu an einem Spielfilm, sodass er nicht immer zur Verfügung stand. Auch wurde der Regisseur zwischendurch gewechselt. Begann Michael Lindsay-Hogg mit den Dreharbeiten, so übernahm diese später der noch eher unerfahrene Charles Sturridge. Gedreht wurde in Oxford, Venedig, auf der Queen Elisabeth 2 und in Marokko. Castle Howard diente als Brideshead House.

Wie oben schon bemerkt, ist die Verfilmung des Romans von Evelyn Waugh über alle Maßen gut, dass man sie sich gerne immer wieder ansieht, genauso wie man den Roman immer wieder zur Hand nimmt, da die Geschichte von Charles Ryder und der Familie Flyte jedes Mal sehr bewegend, doch zugleich durchzogen ist von einem herrlichen Witz. Nicht nur die Hauptfiguren lassen einem nicht mehr los, sondern auch die Nebenfiguren, allen voran der exzentrische Anthony Blanche (hervorragend gespielt von Nickolas Grace) bleiben für immer im Gedächtnis.

Wie schon erwähnt, spielt Jeremy Irons, der damals noch am Anfang seiner Karriere stand, Charles Ryder. Sebastian wird von Anthony Andrews gespielt, Julia von Diana Quick und der älteste Sohn Lord Brideshead von Simon Jones, der u. a. auch durch seine Rolle des Arthur Dent in der Mini-Serie „Per Anhalter durch die Galaxis“ (1981) bekannt ist. Mit von der Partie sind ebenfalls Laurence Olivier als Vater, Claire Bloom als Mutter und John Gielgud als Charles‘ Vater.

In England zählt die TV-Serie längst zu den (Fernsehfilm-)Klassikern, in Deutschland jedoch ist sie leider fast völlig in Vergessenheit geraten.

Wiedersehen mit Brideshead (OT: Brideshead Rivisited). Regie: Michael Lindsay-Hogg, Charles Sturridge, Drehbuch: John Mortimer, Darsteller: Jeremy Irons, Anthony Andrews, Dians Quick, Simon Jones, Laurence Olivier, Claire Bloom, John Gielgud. England 1981

 

Horror de Luxe: Arac Attack (2002)

„Arac Attack“ (2002); © Warner Bros

Für den neuseeländischen Regisseur Ellory Elkayem hätte „Eight Legged Freaks“ der Sprung vom Direct-To-Video-Bereich ins Kino werden sollen. Für diesen Film, der u. a. von Roland Emmerich mit produziert wurde, hatte es auch tatsächlich geklappt. Aber eben nur für diesen einen Film. Danach verschwand der Regisseur wieder in der Versenkung.

Höchstwahrscheinlich lag dies daran, dass der Film nicht den Erfolg erzielte, den sich Warner Bros. gewünscht hatte. Der Film kostete 30 Millionen Dollar und spielte 45 Millionen Dollar ein. Doch sagt das alles nichts über die Qualität von „Arac Attack“ aus. Der Film macht von Anfang bis Ende Spaß.

In der Kleinstadt Prosperity sind die Spinnen los, nachdem ein Lastwagen eine Ladung gefährlicher Chemikalien verloren hat. Denn Spinnenzüchter Joshua füttert seine Tierchen mit verseuchten Grillen, was dazu führt, dass die Spinnen riesige Ausmaße annehmen …

Man könnte „Arac Attack“ als ein Remake von „Earth vs. The Spider“ (1958) betrachten, in dem eine riesige Vogelspinne eine Kleinstadt attackiert. Die Handlung ist durchaus ähnlich, auch wenn bei Elkayems Film eindeutig mehr Spinnen ihr Unwesen treiben. Sozusagen als Gegenstück zu dem eher ernsten Tierhorrorstreifen „Arachnophobia“ (1990) von Frank Marshall, bietet „Eight Legged Freaks“ witzige Horrorunterhaltung. Zudem weist der Film auch eine erstklassige Optik und Farbgebung auf, die beide angelehnt sind an die 50er Jahre. Natürlich gab es wieder die Extremkritiker, die bemängelten, dass die Umweltthematik nicht richtig ausgearbeitet wurde, denen kann man nur antworten: Ja, es stimmt, ein Arthouse-Film sieht anders aus. „Arac Attack“ möchte nichts anderes als unterhalten und das gelingt dem Film zu über 100 Prozent.

Spinnenalram; „Arac Attack“ (2002); © Warner Bros

Der Fokus liegt dabei klarerweise auf den Spezialeffekten, die unglaublich gut in Szene gesetzt sind. Meistens überwiegen CGI-Effekte, doch gelegentlich taucht auch eine Plastikspinne oder ein riesiges Spinnenbein (ebenfalls aus Plastik) auf. All das ist untermalt mit einem schrägen Humor, bei dem sogar die Spinnen mitwirken. Interessant ist, während Scarlett Johansson bei „Arac Attack“ kurz vor ihrem Karrieredurchbruch stand, war es für Kari Wuhrer, die den weiblichen Sheriff der Kleinstadt spielt, die einzige Hauptrolle in ihrer Karriere. Inzwischen ist sie überhaupt nicht mehr als Schauspielerin tätig. Wie bereits erwähnt, konnte auch Regisseur Ellory Elkayem karrieremäßig nicht von dem Film profitieren. Schade, denn in „Arac Attack“ beweist er, dass er sein Handwerk richtig gut versteht.

Arac Attack (OT: Eight Legged Freaks); Regie u. Drehbuch: Ellory Elkayem, Produktion: Bruce Berman, Roland Emmerich, Darsteller: David Arquette, Kari Wuhrer, Scarlett Johansson, Scott Terra. USA/Neuseeland 2002, 99 Min.

FuBs Klassikbox: Ich beichte (1953)

Michael Logan (Montgomery Clift) im inneren Konflikt; „I Confess“ (1953); © Warner Bros.

Spannend, spannender, am spannendsten. „I Confess“, Hitchcocks vorletzter Schwarzweißfilm, sollte man nur genießen, wenn man Beruhigungstropfen in der Nähe stehen hat. Für viele Kritiker zählt der Film, der in Deutschland auch unter dem Titel „Zum Schweigen verurteilt“ bekannt ist, zu den besten Arbeiten des Meisterregisseurs.

Die Handlung spielt in Quebec. Eines nachts wird der junge Priester Michael Logan von Otto Keller aufgesucht, der im Pfarrhaus als Hausmeister angestellt ist und bei dem Anwalt Villette als Gärtner arbeitet. Otto möchte beichten. Bei der Beichte erzählt er Logan etwas Ungeheuerliches: er habe vorhin Villette ermordet. Was Otto nicht erwähnt, ist, dass er als Priester verkleidet die Kanzlei aufgesucht hat. Als die Polizei erste Zeugen vernimmt, fällt der Verdacht auf Pfarrer Logan. Besonders verdächtig ist, dass er sich am Morgen nach der Tat mit einer Frau vor dem Haus des Anwalts getroffen hat. Denn auch Ruth Grandfort hätte einen guten Grund gehabt, den Anwalt zu töten.

Logan kann sich nicht gegen den Verdacht wehren, da er an das Beichtgeheimnis gebunden ist. Die Polizei nimmt ihn immer mehr in die Mangel. Schließlich droht ihm sogar die Todesstrafe, während Otto das Geschehen mit zunehmender Schadenfreude beobachtet.

Wie schon gesagt, wenn man sich diesen Film anschaut, sollte man darauf achten, dass einem der Puls nicht bis hoch zur Decke springt. Doch gehört „I Confess“ nicht nur zu den spannendsten Filmen Hitchcocks, sondern weist zudem noch eine erstklassige Optik auf, die teilweise an den deutschen Expressionismus erinnert. Zugleich ist „Ich beichte“ einer der düstersten und ernstesten Filme Hitchcocks. Es geht um Menschen, die in ihrer Existenz völlig an den Rand gedrängt werden und keinen Ausweg mehr finden, was dazu führt, dass sich mit den Krimielementen noch ein meisterhaft in Szene gesetztes Drama verbindet.

Bootsfahrt ins Unglück: Ruth Grandfort (Anne Baxter) zusammen mit ihrem früheren Freund Michael Logan (Montgomery Clift); „I Confess“ (1953); © Warner Bros.

Hervorragend gespielt wird Otto Keller vom deutschen Schauspieler O. E. Hasse, der der Rolle eine großartige Mischung aus Verzweiflung und Wahnsinn verleiht. Wie ein bösartiger Dämon schwirrt er ständig um Michael Logan (gespielt von Montgomery Clift) herum, ohne dass dieser sich wehren kann. Es ist einfach großartig, welche Kraft Montgomery Clift der Rolle verleiht, die man ihm in jeder einzelnen Sekunde abnimmt. Eisern hält er sich an die Regel des Gelübdes und ist sogar bereit, dafür zu sterben. Gleichzeitig zeigt er geradezu vollendet den inneren Konflikt, in dem er sich befindet und wie er manchmal kurz davor steht, das Geheimnis, an das er gebunden ist, doch zu brechen.

„I Confess“ gehört zu den packendsten und aufwühlensten Filmen, die ich kenne. Eine großartige Mischung aus düsterem Drama und Krimi, die einen vollkommen mitreißt. Damals waren viele Kritiker über den Film eher weniger begeistert. Erst nach und nach wurde die absolute Meisterschaft, die „Ich beichte“ in sich trägt, erkannt.

Ich beichte (AT: Zum Scheigen verdammt/OT: I Confess). Regie u.  Produktion: Alfred Hitchcock, Drehbuch: George Tabori, Darsteller: Montgomery Clift, Anne Baxter, O. E. Hasse, Karl Malden. USA 1953. 91 Min.

FuBs Fundgrube: „Schattenschwester“ von Simone van der Vlugt

In FuBs Fundgrube stellen wir Bücher vor, die es, nur noch antiquarisch zu kaufen gibt. In der Regel handelt es sich um Bücher, die wir bei einem unserer liebsten Hobbys, dem Besuch von Bücherflohmärkten, aufgestöbert haben. Bei einer unserer „Entdeckungsreisen“ stießen wir auf den Krimi „Schattenschwester“ der niederländischen Autorin Simone van der Vlugt.

Simone van der Vlugt schreibt eigentlich Jugend- und Kinderbücher. Mit „Klassentreffen“ aber verfasste sie ihren ersten, sehr erfolgreichen Krimi, dem mit „Schattenschwester“ ein zweiter folgte. Es geht um die Zwillingsschwestern Marjorlein und Marlieke. Die erste ist Lehrerin an einer Problemschule, die zweite arbeitet als Fotografin. Marjorlein wird eines Tages von einem ihrer Schüler mit dem Messer bedroht. Wenige Tage später wird sie ermordet. Als Hauptverdächtiger wird der Junge Bilal ermittelt, der sie damals in der Schule bedroht hat. Doch je mehr Marlieke der Sache nachgeht, desto mehr Ungereimtheiten treten ans Tageslicht.

Immer wieder habe ich das Buch zur Seite gelegt, da die Handlung ziemlich auf der Stelle trat. Und dennoch lag zwischen den Zeilen eine sonderbare Unruhe, die mich nicht mehr losgelassen hat. Schließlich habe ich mir den Roman erneut vorgenommen – zum Glück. Denn Simone van der Vlugt schreibt nicht nur sehr gut, sondern die Geschichte wurde von Seite zu Seite spannender.

In allererster Linie geht es um die Beziehung der beiden Schwestern untereinander. Aus den Ich-Perspektiven von Majorlein und Marleike ergibt sich dabei nach und nach ein immer düsterers Bild. Marleike fragt sich zunehmend, wer war ihre Schwester eigentlich wirklich?

Simone van der Vlugt verfolgt die durchaus verstörende Spurensuche mit psychologischer Raffinesse. Minutiös schildert sie, wie sich die einzelnen Figuren verändern, je mehr über die Vergangenheit ans Tageslicht tritt. Dabei kommt es immer wieder zu überraschenden Wendungen, von denen nicht wenige einem den Atem rauben.

„Schattenschwestern“ ist dabei ein eher ruhiges Buch. Die Autorin trägt nicht groß auf, aber das braucht sie auch nicht, denn ihre Stärke liegt im Subtilen, das der Geschichte eine beängstigende Atmosphäre verleiht. Immer tiefer wird man in den Strudel der Zusammenhänge gezogen, die sich nach und nach auftun. Und letztendlich lässt einen die Spannung nicht mehr los.

Für mich ist „Schattenschwester“ (trotz des wenig gelungenen Anfangs) eine echte Überraschung gewesen. Der feinsinnige Krimi hallt noch lange in einem nach.

Simone van der Vlugt. Schattenschwester. Diana Verlag 2007, 368 Seiten.

The 80s: Willow (1988)

Zeigt her eure Zähne: das Ungeheuer in „Willow“ ist ein echter Hingucker; „Willow“ (1988); © Lucasfilm/20th Century Fox/Walt Disney

Die Idee zu „Willow“ hatte George Lucas bereits seit Anfang der 70er Jahre. Doch erst Ende der 80er waren die visuellen Möglichkeiten vorhanden, um das Projekt umsetzen zu können. Trotzdem Lucas bekanntlich mit der damaligen Star Wars-Trilogie zu den erfolgreichsten Filmemachern zählte, wollte dennoch kein Studio seinen neuen Film mitfinanzieren. Erst 20th Century Fox entschloss sich, an dem Projekt teilzunehmen, und somit konnten die Dreharbeiten beginnen.

Es geht um den Zwerg Willow, der eines Tages ein Baby am Ufer eines Flusses findet. Die Bewohner des Dorfes, in dem Willow wohnt, haben Angst, dass dies Unglück über sie bringen könnte und fordern Willow auf, das Baby wegzubringen. Was niemand weiß: das Baby namens Elora ist eine große Gefahr für die böse Königin Baymorda. Daher hat sie ihre Reiter ausgesandt, um das Baby zu finden. Willow gerät daher von einer gefährlichen Situation in die andere, wobei ihn der Schwertkämpfer Madmartigan unfreiwillig unterstützt.

„Willow“ wurde zu einem recht großen Erfolg, auch wenn sich George Lucas mehr erhofft hatte. Doch die Fantasy-Welle war Ende der 80er längst wieder am abklingen. Erst durch „Herr der Ringe“ (2001) sollte sie wiederbelebt werden. Die Kritiken waren damals eher negativ als positiv, besonders Warwick Davis kam dabei schlecht weg. In der Tat überzeugt er in seiner Rolle des Willow eher wenig, seine Figur wirkt zu einseitig, ja im Gegensatz zu den anderen Figuren, fast schon fad. Das liegt jedoch nicht an ihm, sondern eben an der schlecht konzipierten Rolle. Denn das Warwick Davis hervorragend schauspielern kann, zeigte er u. a. in „Leprechaun“ (1993).

Willow und seine Gefährten; „Willow“ (1988); © Lucasfilm/20th Century Fox/Walt Disney

Insgesamt aber ist „Willow“ eine nette und witzige Mischung aus Fantasy und Abenteuer, dessen Höhepunkt nicht das Finale, sondern der Kampf in der Festung Bavmorda darstellt, in der es Willow und Madmartigan nicht nur mit den bösen Soldaten der Königin Baymorda zu tun bekommen, sondern ebenso mit fiesen Trollen und einem zweiköpfigen Riesendrachen, dem wahrscheinlich hässlichsten Monster der Filmgeschichte. Hier kommen die großartigen Spezialeffekte so richtig zur Geltung. Jedenfalls wirkt das eigentliche Finale im Gegensatz zu diesem wilden und sehr gut inszenierten Kampfgetümmel eher mager und einfallslos. – Dennoch ist der Film recht sehenswert, auch wenn er mit Sicherheit kein Meisterwerk ist.

Willow. Regie: Ron Howard, Drehbuch: Bob Dolman, Produktion: George Lucas,  Darsteller: Warwick Davis, Val Kilmer, Joanne Whalley, Billy Barty, Jean Marsh. USA 1988

FuBs Klassikbox: Ladykillers (1955)

In „guter“ Gesellschaft; „Ladykilles (1955); © Arthouse

Man nehme eine alte, allein stehende Frau und eine Gruppe Verbrecher, die eine Wohnung im oberen Stock mieten. Mit dem Film „Ladykillers“ schuf Regisseur Alexander Mackendrick einen Meilenstein des schwarzen Humors.

Es geht um Mrs. Wilberforce, die eines Tages unerwarteten Besuch erhält. Ein gewisser Professor Marcus fragt, ob er zusammen mit seinem Streicherquartett die Wohnung im oberen Stock mieten dürfe, um dort für ihre Auftritte zu üben. Mrs. Wilberforce hat keine Ahnung, dass die Männer alles andere als Musiker sind. Denn der Psychopath Prof. Marcus und seine „Freunde“ planen, einen Geldtransporter auszurauben. Die Konsequenzen, die sich daraus ergeben, sind längst zum Klassiker des britschen Humors geworden.

Für die damals 77-jährige Katie Johnson, die Mrs. Wilberforce spielt, war dies die erste Hauptrolle überhaupt. Bis dahin hatte sie ihr Leben als Schauspielerin mit Nebenrollen verbracht. Ihre Darstellung der zierlichen, alten Dame, die nicht glaubt, dass unter ihrem Dach Verbrecher der übelsten Sorte leben, ist und bleibt unvergesslich.

Nicht weniger unvergesslich ist das Ensemble, aus dem sich die Bande zusammenfügt: Alec Guinnes als Professor Marcus ist einfach einzigartig. Kein anderer Schauspieler kam bisher auf dieses Niveau, gekonnt überspitzt und ironisch zugleich einen wirklich gruseligen Psychopathen darzustellen. Ihm zur Seite stehen Herbert Lom, Cecil Parker, Peter Sellers und Danny Green.

Die Spannung und der Witz ergeben sich daraus, dass die Bande Mrs. Wilberforce ermorden möchte, da sie das gestohlene Geld ohne wenn und aber zur Polizei bringen möchte. Doch bei den Versuchen, die Tat umzusetzen, verzweifeln die Verbrecher mehr und mehr, was dazu führt, dass sie sich untereinander nicht mehr vertrauen. Jeder möchte das Geld ganz für sich behalten, während die Polizei glaubt, dass sich Mrs. Wilberforce alles nur einbildet.

Prof. Marcus und sein Streichquartett; „Ladykilles“ (1955); © Arthouse

Wer einmal „Ladykillers“ gesehen hat, behält diesen Film für ewig im Kopf. Diese wunderbaren und nicht weniger großartigen schauspielerischen Leistungen der Darsteller suchen bis heute ihresgleichen. Es ist jedes Mal von neuem ein wahrer Genuss, das Spiel zu beobachten. Dabei ist der Film genauso für Krimi- als auch für Komödienfans ein Fest, denn die Handlung ist genauso spannend wie witzig.

Stets ist da die unheimliche, ja fast schon beklemmende Bedrohung, die von Professor Marcus und seiner Bande ausgeht, doch jedes Mal schleicht sich in diese düstere Szenerie dieser herrliche, teils ironische, teils situationskomische Humor. Wie schon gesagt: „Ladykillers“ ist schlicht und ergreifend ein unvergessliches Filmvergnügen.

Ladykillers (OT: The Ladykillers). Regie: Alexander Mackendrick, Drehbuch: William Rose, Produktion: Michael Balcon, Darsteller: Alec Guinness, Katie Johnson, Herbert Lom, Peter Sellers, Cecil Parker, Danny Green. Englang 1955